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","fr","français","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 3 « Rhénane », Robert Schumann, canonical-pad"," Page découverte\u000a\/\/ , ","<cite>Symphonie n° 3 « Rhénane »<\/cite> <span class=\"sousTitre\">Robert Schumann<\/span> "," Cologne, the Arrival of a Packet-Boat : Evening, peinture de Joseph Mallord William Turner, 1826. The Frick Collection, New York, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique symphonique\u000a\u000a\u000aComposition\u000aentre novembre et décembre 1850, à Düsseldorf\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 6 février 1851 à Düsseldorf, sous la direction du compositeur\u000a\u000a\u000aForme\u000asymphonie en cinq mouvements :I. LebhaftII. Scherzo - Sehr mässigIII. Nicht schnellIV. FeierlichV. Lebhaft\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassonscuivres : 4 cors, 2 trompettes, 3 trombonespercussions : timbalescordes : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition et de création À l’automne 1850, Schumann quitte enfin Dresde qu’il n’appréciait guèreNous ne resterons à Dresde pour rien au monde, nous nous ennuyons horriblement… pas un seul musicien à voir, écrit Clara dans le journal conjugal. et s’installe à Düsseldorf. Là, il succède à son ami Ferdinand Hiller à la direction de l’orchestre de la ville. C'est un vrai plaisir pour le compositeur d’aborder les rives du Rhin, ce fleuve pour lequel il ressent une profonde attirance depuis l’enfance. Et Düsseldorf le lui rend bien : fière de recevoir le célèbre couple SchumannClara, la femme de Schumann, est également une pianiste virtuose renommée., la ville lui réserve un accueil chaleureux. Schumann, assailli depuis plusieurs années par des troubles nerveux, retrouve un peu de sérénité dans l'environnement amical et bienveillant de la Basse-Rhénanie, et se met à composer rapidement. Sa Symphonie n° 3En réalité, la Symphonie n° 4 est composée avant la Symphonie n° 3. Mais la numérotation suit la chronologie de l'édition et non celle de la composition. voit le jour en quelques semaines, entre novembre et décembre 1850. Elle est créée le 6 février 1851 à Düsseldorf, sous la direction du compositeur. C’est un tel succès qu’elle y sera redonnée le 13 mars, après une représentation à Cologne le 25 février.\u000aLe surnom « rhénane » n’est pas explicitement de Schumann. L’œuvre doit cette appellation au sous-titre initialement prévu : « Épisode d’une vie sur les bords du Rhin ». Mais par la suite, le compositeur préfère supprimer toute référence extra-musicale, étant d’avis qu’il vaut mieux que l’impression générale se dégage d’elle-même. Les mouvements n’ont donc pas d’autre titre que leur indication de tempo ou de caractère, en allemand (Schumann abandonnant la terminologie italienne utilisée habituellement). Néanmoins, on peut malgré tout voir dans la Symphonie n° 3 une évocation de la vie au bord du fleuve. Touché par l’accueil de la ville de Düsseldorf, enthousiasmé par son tout nouveau rôle de chef d’orchestre, Schumann exprime à travers cette œuvre toute sa reconnaissance et sa joie, tandis qu’il envisage alors l’avenir avec confiance., ","Déroulé de l'œuvre En cinq mouvements, la Symphonie n° 3 de Schumann s’inscrit dans la lignée de la Symphonie n° 6 « Pastorale » (1808) de Beethoven et de la Symphonie fantastique (1830) de Berlioz.\u000aLe premier mouvement, de forme sonateLa forme sonate est une forme en trois parties : une exposition énonçant (en général) deux thèmes contrastés, un développement construit autour de ces thèmes, et enfin une réexposition., est énergique et brillant. Il plonge immédiatement l’auditeur dans l’atmosphère chaleureuse de la Basse-Rhénanie. Le premier thème, joué tuttipar tout l’orchestre, est rythmé par les syncopesUne syncope est une note attaquée sur un temps faible (ou la partie faible d'un temps) et qui se prolonge sur le temps suivant. Brahms réutilisera cette rythmique au début de sa propre Symphonie n° 3. qui lui donnent de l’élan. Il contraste avec le deuxième thème plus lyrique, d’abord énoncé par les bois.\u000aLe deuxième mouvement, à l'origine intitulé « Matinée sur le Rhin », est noté « scherzo » mais n’en pas la forme habituellescherzo-trio-reprise du scherzo. Il se rapproche plutôt d’une suite de variations autour d’un thème populaire, dans le caractère d’un ländlerdanse traditionnelle à trois temps, originaire de Haute-Autriche et populaire en Allemagne., énoncé au début par les cordes basses (altos et violoncelles) et les bassons. Au centre du mouvement, un passage plus plaintif (en mineur) peut s’apparenter à l’habituel trio : il contraste par son orchestration réduite dominée par les bois et les cors.\u000aLe troisième mouvement, très court (56 mesures), joue le rôle de transition entre les deuxième et quatrième mouvements. Il fait entendre deux idées thématiques différentes qui alternent : une première idée douce (indiquée dolce) mais légère, avec ses notes courtes et détachées (notes piquées), et une deuxième idée plus liée.\u000aLe quatrième mouvement est un majestueux choralÀ l’origine vocal, le choral est un genre polyphonique en général à 4 voix, écrit dans un style homorythmique (toutes les voix suivent le même rythme)., énoncé au début par les cuivres. Il est ensuite travaillé en contrepointLe contrepoint est l'art d'agencer entre elles des lignes mélodiques autonomes, de manière harmonieuse. dans un style qui rappelle certaines œuvres de Johann Sebastian Bach.\u000aLe dernier mouvement clôt joyeusement la symphonie. De forme sonate comme le premier mouvement, ses thèmes sont très dansants, marqués par des accents et rythmés de syncopes. On y entend à nouveau le choral du mouvement précédent., "," Focus sur le mouvement IV. Feierlich\u000aLa cathédrale de Cologne, par Carl Hasenpflug, 1834-1836. Musée de la ville de Cologne\u000aÀ l’origine, Schumann avait sous-titré ce mouvement dans le caractère de l’accompagnement d’une cérémonie solennelle. Le compositeur aurait été inspiré par la cérémonie d’élévation au rang de cardinal de l’archevêque de Cologne, le 12 novembre 1850. Cependant, d’après son journal, il n’était pas présent ce jour-là. En revanche, le 29 septembre précédent, les Schumann ont bel et bien effectué un séjour dans la ville, où ils ont été fortement impressionnés par la cathédrale. Sans doute Schumann a-t-il toujours en mémoire ce monument grandiose lorsqu’il compose le quatrième mouvement de sa symphonie.\u000aLe mouvement débute avec un majestueux choral de cuivres aux trombones (qui interviennent pour la première fois depuis le début de l’œuvre) et aux cors. Sobrement accompagné par les cordes en pizzicatoen pinçant les cordes et dans une tonalité mineure, il amène d’emblée la gravité et la solennité requise dans le titre« Feierlich » signifie « solennellement ».. Tout le mouvement est construit autour de ce choral. Il est repris de manière fuguée par tout l'orchestre, d'abord de façon très dense avec des entrées très rapprochée. Puis, il est développé plus lentement tandis que la tête du thème seule (les sept premières notes), jouée en diminutionLe thème est joué selon des valeurs rythmiques plus courtes, tout en croches., passe rapidement d’une voix à l’autre. La codapartie conclusive fait entendre des accords majestueux et fortissimo des cuivres et bois, plus joyeux et lumineux (en majeur cette fois), suivis d’une réminiscence du choral dans la nuance pianissimo., "," Auteur : Floriane Goubault, "," Imprimer, ","À voir aussi "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann"],"any_suggest":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 3 « Rhénane », Robert Schumann, canonical-pad"],"Title_idx":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann"],"spellingShingle":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 3 « Rhénane », Robert Schumann, canonical-pad"],"textSpelling":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 3 « Rhénane », Robert Schumann, canonical-pad"],"of_title":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann"],"Title_sort":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann"],"ContentDescription":["Composée en 1850, à l'origine sous-titrée « Épisode d’une vie sur les bords du Rhin », la Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann est une évocation de la vie au bord du fleuve. 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Allegro assai\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 1 flûte, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassonscuivres : 2 corscordes : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition Depuis son installation à Vienne en 1781, Mozart n’a composé que trois symphoniesLa Symphonie n° 35 « Haffner » pour le maire de Salzbourg, la Symphonie n° 36 pour Linz, la Symphonie n° 38 pour Prague. La Symphonie n° 37 est une introduction à la Symphonie n° 25 en sol majeur de Michael Haydn. dont aucune n’est destinée au public viennois. Entre juin et août 1788, il compose d’un coup trois nouvelles symphonies qui vont marquer l’histoire de la musique par leurs idées novatrices. Les raisons pour lesquelles elles furent composées restent inconnues. Elles ne semblent pas être le fruit d’une commande particulière et on suppose que Mozart les a écrites pour un concert qu’il prévoyait de donner à Vienne. Cependant, ces trois symphonies n’ont probablement jamais été données de son vivant.\u000aLa lecture du manuscrit de la Symphonie n° 40 en sol mineur nous apprend que l’auteur a ajouté des clarinettes non prévues au départ : peut-être y a-t-il eu répétition de l’œuvre dès 1788, suivie de modifications. Il paraît probable par ailleurs que Mozart ait emporté ces toutes nouvelles symphonies avec lui, lors de ses voyages de 1789 et 1790 : la Symphonie n° 40 aurait pu être exécutée lors d’un concert à Leipzig, le 12 mai 1789. Elle a sans doute été aussi donnée sous la direction de SalieriCompositeur officiel de la cour de Vienne, maître de chapelle de l’empereur et directeur de l’opéra italien, Antonio Salieri (1750-1825) est une personnalité essentielle de la vie musicale viennoise. Auteur de nombreux opéras, il se consacre également à l’enseignement et compte parmi ses élèves plusieurs futurs compositeurs talentueux tels que Beethoven et Schubert. les 16 et 17 avril à Vienne. Publiée en 1794, cette œuvre est aujourd’hui l’une des plus célèbres de Mozart, admirée des compositeurs tels que Robert Schumann (1810-1856), Johannes Brahms (1833-1897), ou encore Arnold Schönberg (1874-1951)., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro molto\u000aParmi ses 41 symphonies, la tonalité de sol mineur n’a été utilisée par Mozart que deux fois, par ailleurs pour les deux seules symphonies écrites dans un ton mineur. C’est pour lui la couleur du drame et de l’inquiétude.\u000aLe mouvement débute sur des batteries de croches jouées aux altos, puis le thème principal fait son entrée aux violons, ponctué d’harmonies dissonantes. Apparaît ensuite un second thème, qui contraste avec le premier : plus optimiste, il est en mode majeur. Le développement s’organise autour de tonalités tourmentées : c’est un voyage mouvementé où l’on retrouve principalement des bribes du premier thème, dont les premières notes répétées sont jouées avec insistance. Après ce trajet presque romantique, les deux thèmes du début sont énoncés à nouveauC’est ce qu’on appelle la réexposition., mais le deuxième cette fois en mineur.\u000aII. Andante\u000aAprès la frénésie dramatique de l’Allegro, le deuxième mouvement, andante, est un moment de repos, calme et gracieux. Le thème principal, constitué d’un saut suivi de notes répétées, est amorcé par les entrées successives des cordes en imitation : altos, violons 2 puis violons 1.\u000a\u000aAu cours de sa mélodie, il fait entendre un court motif rythmique de deux notes rapides (triples croches), motif qui sera ensuite le prétexte à un jeu d’échange entre les différents instruments de l’orchestre. C’est ce même motif qui, par la suite, sert de base au développement : partie centrale du mouvement, celui-ci est d’un caractère plus dramatique, avec plusieurs incursions dans le mode mineur. Enfin, la réexposition fait entendre à nouveau le thème principal.\u000aIII. Menuetto\u000aLe menuet de ce troisième mouvement est vif et très rythmique. Il contraste fortement avec le trio central, en sol majeur, plus léger et détendu, et qui accorde une place importance aux vents.\u000aIV. Allegro assai\u000aLe premier thème de ce mouvement joue sur les contrastes sur tous les plans : contraste de nuances avec alternances de piano et de forte subito, et contraste dans l’effectif instrumental avec un dialogue entre les cordes et tout l’orchestre (tutti). Tout comme dans le premier mouvement, ce thème est porté par un rythme perpétuel de croches, qui passe d’instrument en instrument, et amène une certaine frénésie à l’ensemble. Apparaît le second thème, plus calme, plus chantant. Le développement qui suit tourne autour de la tête (les premières notes) du premier thème, et fait entendre un rapide fugatoMoins rigoureux que la fugue dans son écriture, le fugato est un court passage traité en imitation.. Après un silence soudain et surprenant, on retrouve les deux thèmes au cours de la réexposition., "," Auteur : Bruno Guilois, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils {\"SearchContext\":11,\"Grid\":null,\"QueryString\":\"Identifier_idx:(4257 OR 1768 OR 4553)\",\"SelectionUid\":0,\"OriginalQueryString\":null,\"CloudTerms\":[],\"ScenarioCode\":\"EDUTHEQUE\",\"FacetFilter\":null,\"SortOrder\":0,\"SortField\":\"DateOfInsertion_sort\",\"SortFieldRandomSeed\":null,\"Page\":0,\"ResultSize\":3,\"SessionGuid\":null,\"ForceSearch\":false,\"TemplateValue\":null,\"TemplateParams\":{\"ScenarioCode\":\"\",\"SourceCode\":\"\",\"Support\":\"\",\"Size\":null,\"Scope\":\"\"},\"InjectFields\":true,\"XslPath\":\"Recherche\/encart_search.xslt\",\"UseCanvas\":false,\"AsyncOFInsertion\":null,\"InjectOpenFind\":false,\"ForceOpenFindUpdate\":false,\"SearchLabel\":null,\"InjectFacets\":null,\"Block\":null,\"GroupField\":null,\"GroupSize\":0,\"UseGrouping\":null,\"UseCache\":true,\"SiteCodeRestriction\":null,\"RawQueryParameters\":null,\"PageRange\":3,\"StartDateFilter\":null,\"EndDateFilter\":null,\"ListSelectionPage\":null,\"SearchTerms\":\"Identifier_idx 4257 OR 1768 4553\",\"ScenarioDisplayMode\":\"display-standard\",\"DecodedFacets\":[]}, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : 100% Mozart\u000a\u000a Une sélection de ressources (fiches œuvres, portrait de compositeurs, guides d'écoute...) pour se préparer au concert éducatif « 100% Mozart » du 11 avril 2019 à la Philharmonie de Paris.\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîtes à outils : Mozart 40\u000a\u000a Un ensemble de ressources (fiche œuvre, portrait de compositeur, guide d’écoute) pour préparer le concert « Mozart 40 » donné le 30 avril 2020 à la Cité de la musique - Philharmonie de Paris.\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : Mozart\u000a\u000a Dans le cadre des outils éducatifs, la boîte à outils Mozart de la Philharmonie de Paris permet aux enseignants de préparer leurs élèves au concert éducatif du 24 janvier 2009\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"any_suggest":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"Title_idx":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"spellingShingle":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"textSpelling":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"of_title":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"Title_sort":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"ContentDescription":["Composée en 1788, en même temps que les Symphonies n° 39 et 41, la Symphonie n° 40 de Mozart est aujourd’hui l'une de ses plus célèbres œuvres, admirée des compositeurs tels que Schumann ou Brahms. 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En cinq mouvements, elle propose un véritable portrait musical de la nature. \u000a<\/p>\u000a<p class=\"page-cms\">\u000a <a class=\"link-absoluteUri btn btn-default\" href=\"https:\/\/edutheque.philharmoniedeparis.fr\/0732557-symphonie-n-6-pastorale-de-ludwig-van-beethoven.aspx\" title=\"Consulter\" id=\"1621\">Consulter<\/a>\u000a<\/p>\u000a<\/div>\u000a<style>\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a<\/style>\u000a<!-- \/CMS SHORT -->\u000a","FieldList":{"sys_support":["CMS"],"Identifier":["1621"],"Identifier_idx":["1621"],"any":["1621","Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven","La Symphonie n° 6 « Pastorale » de Beethoven est probablement la plus originale de ses neuf symphonies. En cinq mouvements, elle propose un véritable portrait musical de la nature. ","fr","français","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 6, la Pastorale, Ludwig Van Beethoven, Beethoven, canonical-pad"," Page découverte\u000a\/\/ , ","<cite>Symphonie n° 6 « Pastorale »<\/cite> <span class=\"sousTitre\">Ludwig Van Beethoven<\/span> "," Beethoven près du ruisseau, 1834. NY Public Library, digital collections, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig van Beethoven\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique symphonique\u000a\u000a\u000aComposition\u000aentre 1805 et 1807 à Vienne et ses environs\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 22 décembre 1808 au Theater an der Wien, à Vienne\u000a\u000a\u000aForme\u000asymphonie en cinq mouvements :I. Allegro ma non troppoII. Andante molto motoIII. AllegroIV. AllegroV. Allegretto\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassonscuivres : 2 cors, 2 trompettes, 2 trombonespercussions : timbalescordes : violons 1 et violons 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","L’amoureux de la nature L’amour de Beethoven pour la nature est sans limites. C’est auprès d’elle qu’il retrouve le calme et le repos. C’est auprès d’elle qu’il se sent le plus heureux et pleinement inspiré.\u000aQuel plaisir alors de pouvoir errer dans les bois, les forêts, parmi les arbres, les herbes, les rochers. Personne ne saurait aimer la campagne comme moi. Les forêts, les arbres, les rochers nous rendent en effet l’écho désiré. (Beethoven, lettre à Theresa Malfatti, Vienne, mai 1810)\u000aLe compositeur aime passer la plupart de ses étés dans les environs de Vienne, à Heiligenstadt, Hetzendorf ou encore Döbling. La plupart du temps, il part pour de longues promenades. La « Pastorale » fut composée en même temps que la Symphonie n° 5  et exécutée la première fois le 22 décembre 1808. L’accueil n’est pas très bon, probablement à cause de la longueur du programme du concert, qui compte également la Symphonie n° 5, le Concerto pour piano n° 4, des extraits de sa Messe en ut, ainsi que sa Fantaisie chorale pour piano, chœur et orchestre., ","Une musique à programme Contrairement à de nombreuses œuvres dont le titre n’est pas de Beethoven, la symphonie dite « Pastorale » doit directement son nom à son auteur. Lorsque le compositeur envoie le manuscrit à son éditeur, il l’intitule précisément : « Symphonie Pastorale, ou Souvenir de la vie rustique, plutôt émotion exprimée que peinture descriptive ». Cette œuvre unique reste probablement la plus originale de ses neuf symphonies. Seule symphonie en cinq mouvements, elle propose un véritable portrait musical de la nature. Beethoven fournit à chacune des parties un sous-titre afin de mieux guider son auditeur (chose rare chez ce compositeur) :\u000a\u000aÉveil d’impressions agréables en arrivant à la campagne\u000aScène au bord du ruisseau\u000aJoyeuse assemblée des paysans\u000aTonnerre – Orage\u000aChant pastoral – Sentiments joyeux et reconnaissants après l’orage\u000a\u000aLe premier mouvement est indiqué Allegro ma non troppo. Le premier thème, plein de grâce, est joué par les violons et contient un motif rythmique qui sera présent tout le long du mouvement.\u000aUn deuxième thème, plus lié et plus chantant, fournit à l’œuvre une atmosphère heureuse et détendue. D’abord énoncé par les violons, il circule à travers les différents instruments.\u000aL’épisode central reprend les éléments précédents et est caractérisé par ses nombreuses répétitions. Ces passages obstinés sont une caractéristique du langage de Beethoven.\u000aLe deuxième mouvement, Andante molto moto, évoque une promenade auprès d’un ruisseau. Pendant que les seconds violons, altos et violoncelles imitent l’ondulation des flots, les premiers violons déploient une tendre mélodie reprise par les clarinettes et les bassons.\u000aLa codac’est à dire la fin du mouvement, passage le plus descriptif de la symphonie, imite différents chants d’oiseaux. La flûte évoque le rossignol, auquel répondent le hautbois dans le rôle de la caille et la clarinette dans celui du coucou. Précisons que Beethoven a lui-même indiqué sur sa partition les trois noms d’oiseaux.\u000aLa fête et la joie qui lui sont associées se ressentent pleinement dans le troisième mouvement Allegro. C’est une atmosphère bucolique qui se tourne vers les réjouissances paysannes. La première partie est un scherzomouvement rapide à trois temps qui se divise en deux thèmes. Au scherzo succède une seconde partie sur un rythme de danse populaire à deux temps, pleine de contraste et comprenant également deux parties.\u000aLe quatrième mouvement, intitulé « Tonnerre - Orage », est le plus agité de la symphonie. Écoutez les premiers grondements que font entendre les violoncelles et contrebasses pendant que les seconds violons imitent les premières gouttes de pluie.\u000aAprès un brusque crescendo, voici l’orage qui éclate violemment, accentué par de grands roulements de timbales (silencieuses jusqu’ici). La tempête se calme quelques instants avant le retour de la pluie, alors qu’un nouveau crescendo amène un second orage encore plus violent.\u000aÀ la fin du mouvement, l’orage s’éloigne progressivement pour laisser place au beau temps et à la douceur du chant pastoral du dernier mouvement, véritable hymne à la nature, énoncé d’abord par les seconds violons., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000a\u000aÀ la fin du deuxième mouvement, Beethoven imite le rossignol, la caille et le coucou. Essayez de trouver ces chants d’oiseaux et comparez-les avec les imitations de Beethoven.\u000aD’autres œuvres de Beethoven ont un nom lié à la nature, à une saison ou un climat. De quelles œuvres s’agit-il ?\u000a, "," Auteur : Jean-Marc Goossens, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven"],"any_suggest":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 6, la Pastorale, Ludwig Van Beethoven, Beethoven, canonical-pad"],"Title_idx":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven"],"spellingShingle":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 6, la Pastorale, Ludwig Van Beethoven, Beethoven, canonical-pad"],"textSpelling":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 6, la Pastorale, Ludwig Van Beethoven, Beethoven, canonical-pad"],"of_title":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven"],"Title_sort":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven"],"ContentDescription":["La Symphonie n° 6 « Pastorale » de Beethoven est probablement la plus originale de ses neuf symphonies. 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Frankfurter Goethe Haus, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :L’Apprenti sorcier de Paul Dukas\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique symphonique : poème symphonique (d’après une ballade de Goethe)\u000a\u000a\u000aComposition\u000aen 1897 à Paris\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 18 mai 1897 à la Société nationale de musique à Paris, sous la direction de Paul Dukas\u000a\u000a\u000aForme\u000ascherzo symphonique en un seul mouvement\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 1 clarinette basse, 3 bassons, 1 contrebassoncuivres : 4 cors, 2 trompettes, 2 cornets à pistons, 3 trombonespercussions : timbales, cymbales, triangle, grosse caisse, glockenspielcordes pincées : 1 harpecordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","La genèse de l’œuvre Paul Dukas s’essaie à travers cette œuvre au poème symphonique, genre apparu dans le milieu de XIXe siècle dans lequel la composition est directement liée à un thème, un personnage, une légende ou un poème, etc. Avide de littérature, Dukas s’inspire d’une ballade de Goethe contant l’aventure d’un jeune sorcier dépassé par la magie qu’il utilise. Créée le 18 mai 1897 à Paris sous sa direction, l’œuvre baptisée Scherzo symphonique, connaît un succès fulgurant. L’adaptation de Walt Disney dans Fantasia (1940) a encore amplifié sa popularité. L’Apprenti sorcier fait partie de ces œuvres devenues plus célèbres que leur propre créateur., "," Illustration du poème de Goethe L’Apprenti sorcier, par Ernst Barlach, 1924. Frankfurter Goethe Haus, ","Le poème de Goethe La ballade de Goethe, écrite en 1797, est composée de quatorze strophes.\u000aUne fois son maître parti, un apprenti sorcier ensorcèle un balai et lui confie sa corvée de remplir le bassin d’eau. Il est tout d’abord fort satisfait que son tour fonctionne mais ne connaît pas la formule permettant d’arrêter le balai. Pris de terreur et de colère face à l’inondation qui s’annonce, il saisit une hache et frappe violemment le balai qui se rompt en deux morceaux. Mais chacun des deux morceaux se relève et reprend inlassablement le remplissage du bassin. L’apprenti est dépassé, les eaux submergent l’atelier jusqu’au retour du maître qui met fin au sortilège. Un an avant la publication de Faust, ce poème traduit la morale de son auteur, faite d’acceptation des limites et de mise en garde contre le déchaînement du démoniaqueMichel Chion, Le Poème symphonique et la musique à programme, Fayard, 1993. En voici les deux premières strophes transposées musicalement dans l’introduction du poème symphonique : \u000a\u000aHat der alte HexenmeisterSich doch einmal wegbegeben !Und nun sollen seine GeisterAuch nach meinem Willen leben.Seine Wort und WerkeMerkt ich und den Brauch,Und mit GeistesstärkeTu ich Wunder auch.\u000aWalle ! Walle !Manche Strecke,Daß, zum Zwecke,Wasser fließeUnd mit reichem, vollem SchwalleZu dem Bade sich ergieße.\u000a\u000a\u000aLe vieux sorcier n’est plus làCette fois il est bien parti !Cette magie qu’il m’interdisaitEst enfin à ma portée.Je vais pouvoir essayerDe faire obéir les esprits,Jeter des sorts, jouer avec les maléfices !Je vais montrer tout mon art !\u000aFlots ! Flots !En avant,Répandez-vous,Ne vous ménagez pas !Eau jaillissante du ruisseauViens remplir et éclabousser le bassin.\u000a, ","Le <cite>Scherzo symphonique<\/cite> Magicien de l’orchestration, Dukas utilise un orchestre lui offrant une grande palette de couleurs instrumentales. L’envahissement par les eaux et l’effroi de l’apprenti offrent au compositeur l’occasion de libérer toute la puissance de cet l’orchestre et de créer un véritable kaléidoscope de timbres.\u000aTout en s’appuyant sur le texte de Goethe, Paul Dukas structure son poème symphonique à la manière d’un mouvement de symphonie. Quatre thèmes principaux apparaissent : après l’introduction, le premier est exposé par les bassons et évoque l’animation du balai, le second le ruissellement de l’eau et la magie, le troisième la satisfaction de l’apprenti. À la fin de la partie centrale, la destruction du balai articule la réexposition du premier thème, mais cette fois repris en duo par le basson et la clarinette (doublée à la clarinette basse). Le dernier thème, celui de l’incantation du sorcier, n’apparaît qu’avec le retour du maître de la ballade de Goethe, juste avant la coda., ","En résumé \u000a\u000a\u000aZoom sur\u000aLe basson qui expose le thème du balai :\u000a\u000a\u000aLa forme\u000aCorrespondances entre histoire et musique :\u000a\u000a\u000aÉvocation de l’univers de la magie.Naissance de l’idée de l’apprenti.Commande au balai.\u000aIntroduction\u000a\u000a\u000aLe balai s’anime, mais l’apprenti, tout d’abord réjoui, ne parvient pas à l’arrêter.Terreur et colère de l’apprenti qui détruit le balai à coup de hache.\u000a- Thème du balai qui s’anime- Thème de l’apprentiAppels des cuivres, accords violents.\u000a\u000a\u000aLes deux morceaux de balai se relèvent et reprennent obstinément leur travail.Retour du maître.\u000a- Reprise du thème du balai par deux instruments- Travail sur le thème de l’eau, mêlé aux appels des cuivresThème du sorcierAccords fortissimo\u000a\u000a\u000aRetour du calme et de l’atmosphère initiale\u000aReprise de l’introductionBrusque conclusion\u000a\u000a\u000a, "," Auteure : Aurélie Loyer, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas"],"any_suggest":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'apprenti sorcier, Paul Dukas, canonical-pad"],"Title_idx":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas"],"spellingShingle":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'apprenti sorcier, Paul Dukas, canonical-pad"],"textSpelling":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'apprenti sorcier, Paul Dukas, canonical-pad"],"of_title":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas"],"Title_sort":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas"],"ContentDescription":["Dukas s’inspire d’une ballade de Goethe pour composer son poème symphonique L'Apprenti Sorcier. 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Finale : Presto\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000avoix : solistes (soprano, alto, ténor et baryton ou basse) + chœurbois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons, 1 contrebassoncuivres : 4 cors, 2 trompettes, 3 trombonespercussions : timbales, triangle, cymbales, grosse caissecordes : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition Même si l’essentiel de l’œuvre a été composé entre 1822 et 1824, la Symphonie n° 9 est le fruit d’une longue maturation qui aura duré plus de trente ans. Trente ans pour que l’idée d’une symphonie avec chœur fasse progressivement son chemin dans l’esprit de Beethoven. Trente ans durant lesquels la musique et le texte de l’Ode à la Joie évolueront en parallèle, chacun prenant progressivement forme au fil des compositions de Beethoven, avant d’être enfin réunis dans sa dernière symphonie.\u000aLe texte de l’Ode à la Joie\u000aPortrait de Friedrich Schiller, par Gerhard von Kügelgen, 1808-1809. Maison de Goethe, Francfort\u000aDès 1792, Beethoven envisage de mettre en musique le poème de Schiller An die Freude, édité en 1785. Enthousiasmé par le texte du poète allemand qu’il admirePeut-être pourriez-vous me faire parvenir une édition des œuvres complètes de Goethe et de Schiller […]. Ces deux poètes sont mes préférés, de même qu’Ossian et Homère, que malheureusement je ne peux lire qu’en traduction. (lettre du 8 aout 1809 à Breitkopf et Härtel), il imagine composer un lied sur l’ensemble du poème. Mais le texte est très long et Beethoven songe plus tard à le remanier, à faire un tout avec des morceaux détachés de la Joie de Schiller, comme il le note en marge des esquisses de la Symphonie n° 8 datant de 1812. À plusieurs reprises, le compositeur ébauche divers thèmes musicaux sur le texte de Schiller, avant de véritablement l’envisager comme final de sa symphonie avec chœur. Pour cela, il opère des coupes dans le poème original, ne conservant que le tiers du texte environ, et modifie l’ordre des fragments retenus afin de leur donner plus d’unité.\u000aLe thème musical\u000aLe thème de l’Hymne à la JoieDans cette page consacrée à la Symphonie n° 9, le terme Ode à la Joie désigne le texte de Schiller tandis que celui d’Hymne à la Joie désigne le thème musical, ce afin de faire la distinction entre les deux éléments. tel qu’il apparaît dans la Symphonie n° 9 se construit lui aussi progressivement. On le voit déjà se dessiner dans un lied de 1795, Gegenliebe, sur un texte de Bürger, puis dans quelques fragments d’une esquisse de 1804… sur une strophe du poème de Schiller ! Le thème musical ne commencera vraiment à prendre sa forme définitive que dans la Fantaisie pour piano, chœur et orchestre de 1808, avant de devenir l’hymne que l’on connaît dans le Finale de la Symphonie n° 9., "," La symphonie avec chœur\u000aMême si sa Fantaisie pour piano, chœur et orchestre intègre déjà des parties chorales, l’idée d’une symphonie avec chœur ne semble faire son apparition qu’un peu plus tard.\u000aPortrait de Beethoven en 1823, par Ferdinand Georg Waldmüller. Kunsthistorisches Museum, Vienne\u000aC’est en 1818 que cette idée semble se préciser avec toutefois un texte d’une toute autre teneur que celle du poème de Schiller : Dans l’adagio, le texte sera un mythe grec, un cantique ecclésiastique. Dans l’allegro, fête à Bacchus, note Beethoven au dos d’une esquisse de la Sonate opus 106.\u000aLa composition de la Symphonie n° 9 ne débute véritablement qu’à partir de 1822. Ayant presque achevé sa Missa Solemnis qui lui accaparait tout son temps, Beethoven commence à travailler sur une nouvelle symphonie destinée à la Société Philharmonique de Londres. Toutes les idées notées, repensées et développées depuis tant d’années s’assemblent progressivement dans son esprit, telles les pièces d’un puzzle : le texte de Schiller épouse enfin le thème musical de l’Hymne à la Joie, tous les deux réunis dans le projet grandiose d’une symphonie avec chœur, donnant naissance à l’ultime chef-d’œuvre du compositeur., ","Contexte de création et postérité de l’œuvre Déçu de l’accueil que les Viennois ont réservé à ses dernières compositionsIl y a longtemps qu’elles ne sont plus à la mode et la mode fait tout, déclare Beethoven en 1822 (selon Rochlitz, cité dans Ludwig van Beethoven de Jean et Brigitte Massin)., Beethoven envisage de donner sa Missa Solemnis et sa Symphonie n° 9 à Berlin. Lorsque les mélomanes et admirateurs de Beethoven à Vienne ont vent de la nouvelle, ils adressent une supplique au compositeur à travers une lettreNe nous privez pas plus longtemps de l’audition des nouveaux chefs-d’œuvre sortis de votre plume, et donnez enfin satisfaction à nos aspirations vers les sphères les plus élevées de l’art. […] Vous ne voudrez pas que les enfants de votre génie soient arrachés à leur patrie pour les présenter d’abord à des étrangers. Paraissez au milieu de nous, montrez-vous dans votre gloire et venez réjouir vos amis, vos ardents et respectueux admirateurs ! (extrait de la lettre, intégralement reproduite dans la biographie que Anton Schindler a consacrée à Beethoven) publiée dans les journaux. Beethoven, touché, accepte de faire donner ses deux œuvres à Vienne où elles seront créées le 7 mai 1824 au théâtre du Kärntnertor.\u000aPortrait de Caroline Unger, chanteuse lors du concert du 7 mai 1824. Österreichische Nationalbibliothek\u000aC’est un véritable triompheLes annotations de Schindler dans les Cahiers de conversation de Beethoven nous laissent imaginer le succès du concert : Jamais de ma vie je n’ai entendu des applaudissements aussi furieux et sincères qu’aujourd’hui. – Le second morceau de la Symphonie a été absolument interrompu une fois par les applaudissements – et il aura fallu le recommencer. – L’accueil a été plus qu’impérial – car les gens ont éclaté d’enthousiasme quatre fois. À la dernière, il y avait des vivats !, immortalisé par un épisode devenu célèbre : celui de Beethoven qui, dos à la foule, totalement sourd et absorbé dans sa partition, ne s’aperçoit pas de l’ovation qui lui est faite avant que la chanteuse Caroline Unger ne le tourne face au public en délire. Toutefois, le succès du concert est assombri par le climat de tension dans lequel il est donné, boudé par la famille impérialeDans sa biographie consacrée à Beethoven, Schindler raconte : Tous les sièges étaient pleins. Une seule loge demeurait vide : celle de l’Empereur.. Aussi, au moment de l’édition de la partition de la Symphonie n° 9, Beethoven montre sa distance avec l’Autriche en dédicaçant l’œuvre au roi de Prusse Frédéric Guillaume III.\u000aVéritable manifeste de la fraternité et de l’amour universel, la Symphonie n° 9 va devenir un symbole au fil du temps, sans cesse repris dans bien des domaines, depuis la politique jusqu’au cinéma. En 1985, le thème de l’Hymne à la Joie est choisi pour devenir l’hymne européen et, en 2001, la partition manuscrite de la symphonie est inscrite sur le Registre international « Mémoire du Monde » de l’UNESCO., ","Déroulé de l’œuvre La Symphonie n° 9 est exceptionnelle à bien des niveaux : par sa durée bien sûr (c’est la plus longue symphonie de Beethoven), mais aussi et surtout par l’introduction des voix dans le Finale. De plus, même si Beethoven conserve les quatre mouvements traditionnels des symphonies de l’époque, il les développe et les amplifie à l’extrême, multipliant les surprises et le mélange des genres.\u000aI. Allegro ma non troppo\u000aComme la plupart des premiers mouvements de symphonie, cet allegro est de forme sonate : il oppose deux thèmes contrastés qui sont ensuite développés puis réexposés. Mais Beethoven prend soin d’apporter quelques touches d’originalité. L’introduction est déjà étonante et provoque un sentiment d’attente, de mystère et d’interrogation : pendant les seize premières mesures, seules deux notes, la et mi, sont jouées en continu. D’abord tout doucement, pianissimo, l’orchestre se déploie progressivement dans un grand crescendo aboutissant à l’explosion du premier thème. Puissant, imposant et majestueux, il est joué par tout l’orchestre dans la nuance fortissimo, contrastant avec le deuxième thème qui lui succède, constitué d’une multitude de motifs variés. Après un développement avec fugatoMoins rigoureux que la fugue, le fugato est un procédé d’écriture qui fait entrer les différentes voix de manière successive, en imitation. des deux thèmes, puis leur réexposition, la codapartie conclusive d’un mouvement est à son tour source d’étonnement : exceptionnellement longue (presque aussi longue que la réexposition), elle fait entendre une surprenante marche funèbre venant clore le mouvement., "," Clés d’écoute\u000a\u000aÉcouter les différentes occurrences de l’introduction au cours du mouvement : après avoir initié l’allegro, on l’entend à nouveau brièvement à la suite du premier thème, puis en introduction du développement, cette fois sans grand crescendo dramatique. Enfin, on la retrouve au début de la réexposition, puissante, explosive, avec un accompagnement des timbales déchaînées.\u000aLes contrastes très brusques de nuance et d’orchestration sont caractéristiques de l’écriture de Beethoven. Écouter le deuxième thème qui fait entendre un motif rythmique joué fortissimo par tout l’orchestre alterné avec un motif lyrique joué piano.\u000a, "," Symphonie n° 9, esquisse pour le 1er mouvement, manuscrit autographe de Beethoven. Gallica-BnF\u000aII. Molto vivace\u000aPlacé en deuxième position (et non en troisième comme dans les autres symphonies de Beethoven), ce mouvement est de forme scherzoscherzo - trio - scherzo da capo traditionnelle, mais sa longueur est inhabituelle. La partie scherzo commence d’emblée avec un fugato exposant le thème à différentes voix, avant qu’il ne soit joué par tout l’orchestre à grand renfort de timbales. Très énergique, vif et presque endiablé, ce scherzo contraste avec un trio plus calme et serein, auquel les solos de cor et de hautbois confèrent une atmosphère pastorale qui n’est pas sans rappeler la Symphonie n° 6., "," Clés d’écoute\u000a\u000aLes timbales jouent un rôle important dans ce mouvement. Elles jouent régulièrement un rythme pointé (directement issu du début du thème du scherzo), et ce dès l’introduction. Ensuite, on les entend tantôt à découvert, comme dans la partie centrale du scherzo où elles interrompent le thème à plusieurs reprises, tantôt en accompagnement, répétant à pleine puissance le rythme à la manière d’un ostinato.\u000aPar certains aspects, ce deuxième mouvement se rapproche du troisième de la Symphonie n° 6 « Pastorale ». Les notes piquées des violons dans le scherzo sont semblables à celles que l’on entend dans la Pastorale, et le dialogue cor\/hautbois du trio, est une combinaison déjà utilisée également dans cette précédente symphonie afin d’apporter une atmosphère bucolique.\u000a, "," III. Adagio molto e cantabile\u000aSuivant la forme de variations sur deux thèmes, ce troisième mouvement est un véritable moment de paix et de sérénité. Après l’exposition des deux thèmes fondateurs (un premier thème très chantant adagio molto, puis un second légèrement plus allant, andante moderato), leurs variations font entendre tantôt de sublimes ornementations, tantôt une orchestration différente. La coda, surprenante une fois de plus, nous réserve une fanfare inattendue avant les toutes dernières variations du mouvement., "," Clé d’écoute\u000a\u000aÉcouter la deuxième variation du premier thème : Beethoven superpose le thème d’origine (joué par les bois) et sa variation ornée (jouée par les violons).\u000a, "," IV. Finale\u000aCe dernier mouvement est presque une œuvre à part entière par sa durée exceptionnelle (il est aussi long que la Symphonie n° 8 en entier !) et par son architecture, qui peut s’apparenter à celle d’une symphonie en quatre mouvements. Il mêle tous les genres musicaux : style récitatif, variations, fugato, et même une marche turque ! Et bien sûr, c’est dans ce mouvement que les voix tant attendues font enfin leur entrée (voir le texte en PDF).\u000aOn peut diviser le Finale en quatre parties :\u000a\u000aIntroduction orchestrale. Démarrant brusquement par une terrible fanfare (la « fanfare de l’effroi » comme la surnommait Wagner), cette introduction orchestrale fait entendre une mélodie jouée par les violoncelles et contrebasses dans le style du récitatifDans les œuvres lyriques dramatiques (opéras, oratorios...), un récitatif est un chant déclamé suivant le rythme et les intonations de la parole. En confiant ici le récitatif d’abord aux instruments plutôt qu’aux chanteurs, Beethoven repousse un peu plus l’entrée des voix et crée volontairement un sentiment d’attente., entrecoupée de très courtes citations des mouvement précédents. Puis, le thème de l’Hymne à la Joie apparaît, doucement et simplement à nouveau aux violoncelles et contrebasses à l’unisson, avant d’être varié. Tandis que les autres cordes (altos et violons) entrent les unes après les autres, la tension augmente progressivement jusqu’à ce que la musique éclate, triomphante, lorsque le thème est joué par tout l’orchestre dans la nuance forte.\u000aVariations chantées. Après le retour de la fanfare, cette seconde partie se développe selon le même schéma que la première : la mélodie en style récitatif, chantée cette fois, est suivie de l’énonciation du thème de l’Hymne à la joie, d’abord par le barytonvoix grave d’homme, entre le ténor et la basse seul puis repris et varié en crescendo par les voix solistes et le chœur. Un grand interlude varie le thème dans le style d’une marche turque avec fugato instrumental, avant le retour de l’hymne chanté par le chœur, grandiose et éclatant.\u000aAndante et Adagio. Dans un tempo plus lent, majestueux, presque religieux, un nouveau thème (parfois appelé le thème de la Fraternité) fait son apparition ici. Il se mêle ensuite au thème de l’Hymne à la Joie en un grand fugato choral, dans un mouvement énergique (allegro energico) qui contraste avec le tempo précédent.\u000aDéveloppement terminal. Encore une fois exceptionnellement longue, à l’image du reste de la symphonie, cette dernière section fait entendre les deux thèmes du Finale (l’Hymne à la Joie et le thème de la Fraternité) sous des formes variées, avant la coda à proprement parler. Celle-ci clôt le mouvement (et donc l’œuvre entière) dans un prestissimo déchaîné et éclatant, laissant exploser toute la Joie du poème de Schiller.\u000a, "," Clés d’écoute\u000a\u000aÉcouter l’introduction et repérer les citations des autres mouvements.\u000aÀ l’apparition de l’Hymne à la Joie dans l’introduction orchestrale, écouter les entrées successives des instruments : les violoncelles et contrebasses à l’unisson sont d’abord rejoints par les altos (variation 1), puis par les premiers violons enrichis d’un contre-chant aux seconds violons (variation 2), avant l’entrée de tout l’orchestre (variation 3).\u000a, "," Auteure : Floriane Goubault, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Symphonie n° 9 de Ludwig van Beethoven"],"any_suggest":["Symphonie n° 9 de Ludwig van Beethoven","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 9, Ludwig van Beethoven, canonical-pad"],"Title_idx":["Symphonie n° 9 de Ludwig van Beethoven"],"spellingShingle":["Symphonie n° 9 de Ludwig van Beethoven","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 9, Ludwig van Beethoven, canonical-pad"],"textSpelling":["Symphonie n° 9 de Ludwig van Beethoven","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 9, Ludwig van Beethoven, canonical-pad"],"of_title":["Symphonie n° 9 de Ludwig van Beethoven"],"Title_sort":["Symphonie n° 9 de Ludwig van Beethoven"],"ContentDescription":["La Symphonie n° 9 de Beethoven est le fruit d’une longue maturation qui aura duré plus de trente ans. 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La Symphonie n° 3 sous-titrée « Eroica » (1803-1804) est révolutionnaire par sa dimension (presque deux fois plus longue que d’ordinaire) et par son écriture si complexe que plusieurs musiciens ne sont alors pas capables de la jouerFerdinand Ries, élève de Beethoven, raconte dans ses Notices biographiques sur Ludwig van Beethoven : Il arriva que Beethoven, qui dirigeait lui-même, dans la seconde partie du premier allegro où pendant si longtemps, à cause des notes doublées, on va à contre-mesure, jeta une fois tout l’orchestre tellement hors de mesure qu’il fallut reprendre du commencement.. La révolution beethovénienne se poursuit : une cellule de quatre notes parcourt obsessionnellement le premier mouvement de la Symphonie n° 5 et installe une ambiance tragique, violente. On y voit le symbole de la lutte de l’homme contre le Destin. La Symphonie n° 6 « Pastorale » (1808), est une œuvre à programme en cinq mouvements (la symphonie classique en comporte généralement quatre). Enfin, dans la Symphonie n° 9 (1824), Beethoven innove encore en faisant chanter, sur un poème de Schiller et avec un formidable élan d’humanisme, un chœur et des solistes, ce qui est alors inédit dans une symphonie., ","Beethoven et la révolution : les idées Bonaparte au pont d’Arcole, peinture d’Antoine-Jean Gros, 1801. Musée national du Château de Versailles\u000aLudwig van Beethoven a dix-neuf ans lorsque la Révolution française éclate. Conquis par ses idées libérales, il fréquente les groupes clandestins jacobins, et abandonne même la coiffe bourgeoise, la culotte et les bas de soie, ce qui est mal perçu à Vienne. Plusieurs idées fortes de la Révolution française (la liberté universelle, l’annihilation des tyrans...) se retrouvent dans certaines de ses œuvres comme dans son ballet Les Créatures de Prométhée (1800-1801).\u000aLes épisodes politiques se succèdent. Bien qu’il maîtrise la langue française et se tienne au fait des événements, il en a une lecture incomplète. Le jeune officier nommé Bonaparte qui, tout d’abord, semble poursuivre les idéaux de la Révolution et que Beethoven voit comme un porte-parole des droits de l’homme, se transforme en chef des armées assoiffé de conquêtes. Déçu, le compositeur, qui lui avait dédié sa Symphonie n° 3, raye sa dédicace initiale et la remplace par à la mémoire d’un grand homme., ","Beethoven et la révolution : les débuts de la révolution industrielle Si les guerres napoléoniennes bouleversent le paysage politique, l’économie connaît aussi des évolutions. La mécanisation de l’industrie, l’accélération des moyens de transport..., autant de changements qui conduisent les artistes à chercher refuge dans le rêve, l’émotion, l’intériorité. On dit que c’est par crainte de voir l’urbanisation gagner la forêt de Vienne que Beethoven aurait écrit la Pastorale.\u000aUne nouvelle classe sociale, la bourgeoisie, émerge et marque la fin de la société galante du Siècle des lumières. Les salles de concert s’ouvrent alors au grand public, s’agrandissent et nécessitent des instruments plus puissants. Ainsi, le piano-forte connaît de 1790 à 1890 d’importantes évolutions comme l’utilisation des cordes en acier de grande qualité fortement tendues sur des cadres en fonte. Beethoven écrit 32 sonates pour cet instrument qui accompagne les mutations de la société. C’est également l’époque de l’invention du métronome par Johann Nepomuk Mälzel, un ami de Beethoven. Le compositeur s’enthousiasmeDans une lettre adressée à l’éditeur Schott en 1826 à propos de la Symphonie n° 9, Beethoven déclare : La métronomisation suivra incessamment. Attendez-vous à la recevoir. À notre époque les indications de ce genre sont certes nécessaires. De Berlin aussi j’ai reçu des lettres m’annonçant que la première exécution de la Symphonie a obtenu un succès enthousiaste, que j’attribue en grande partie à la métronomisation. pour ce nouvel outil et est l’un des premiers à en faire l’usage en fournissant des indications métronomiques pour nombre de ses œuvres., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000a\u000aÉducation musicale, tous niveaux - L’Ode à la joie, hymne européen : l’hymne à la joie a été simplifié pour devenir une chanson simple et facile à chanter. On pourra le chanter a cappella, ou le jouer sur des instruments à clavier comme le piano, ou encore sur un métallophone, après avoir expliqué le texte.\u000aCulture humaniste, tous niveaux – L’Ode à la joie, hymne européen : les paroles du poème original de Schiller (1785) ont été traduites de l’allemand en français. Apprendre quelques couplets de cette traduction et les réciter par cœur, avec sensibilité et expression. Seul ou en groupe.\u000aEnseignement moral et civique, Histoire, tous niveaux – L’Europe : L’Ode à la joie du dernier mouvement de la Symphonie n° 9 est devenue l’hymne européen. Faire une recherche sur les symboles de l’Union européenne : le drapeau européen, la Journée de l’Europe, la devise de l’UE. Et l’euro ? De quand date-t-il ?\u000aFrançais, tous niveaux – Création : en accord avec la personnalité de Beethoven, écrire un dialogue où il expliquerait comment la Révolution française l’a touché. Ce dialogue pourra être interprété par la suite.\u000aArts visuels, du CE2 au CM2 – Bonaparte : alors qu’il n’est encore que général, Bonaparte a beaucoup intéressé les peintres. Jacques-Louis David a réalisé vers 1797 l’esquisse Bonaparte, que l’on peut voir au musée du Louvre à Paris. Quelle partie le peintre a-t-il choisi de détailler ? Pourquoi ? Remarque : ce portrait a été représenté en 1955 sur les billets de 10 000 francs puis de 100 francs.\u000aHistoire des arts, du CE2 au CM2 – De Bonaparte à Napoléon : Beethoven a été enthousiasmé par Bonaparte puis déçu par Napoléon. Montrer comment cet homme politique a pu susciter des sentiments si opposés, en comparant les deux portraits suivants : Bonaparte au pont d’Arcole, par Antoine-Jean Gros (1801) conservé au Château de Versailles et Portrait de Napoléon Ier en costume impérial par Jacques-Louis David (1805) au musée des beaux-arts de Lille. Certains sites (L’histoire par l’image) permettent de zoomer pour mieux voir les détails.\u000a, "," Auteure : Sylvia Avrand-Margot, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Beethoven et la révolution"],"any_suggest":["Beethoven et la révolution","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, contexte, Beethoven et la révolution, canonical-pad"],"Title_idx":["Beethoven et la révolution"],"spellingShingle":["Beethoven et la révolution","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, contexte, Beethoven et la révolution, canonical-pad"],"textSpelling":["Beethoven et la révolution","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, contexte, Beethoven et la révolution, canonical-pad"],"of_title":["Beethoven et la révolution"],"Title_sort":["Beethoven et la révolution"],"ContentDescription":["La Révolution française fait souffler en Europe un vent de liberté. 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Il évoque les rigueurs de la saison : la neige, le froid mordant du vent glacé et la course sur la glace.\u000a<\/p>\u000a<p class=\"page-cms\">\u000a <a class=\"link-absoluteUri btn btn-default\" href=\"https:\/\/edutheque.philharmoniedeparis.fr\/0753261-hiver-quatre-saisons-vivaldi.aspx\" title=\"Consulter\" id=\"3991\">Consulter<\/a>\u000a<\/p>\u000a<\/div>\u000a<style>\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a<\/style>\u000a<!-- \/CMS SHORT -->\u000a","FieldList":{"sys_support":["CMS"],"Identifier":["3991"],"Identifier_idx":["3991"],"any":["3991","L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","L’Hiver, extrait des Quatre Saisons de Vivaldi, est un concerto pour violon édité en 1725. 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Allegro\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000aviolon solo, violons 1 et 2, altos, violoncelles et basse continue (clavecin)\u000a\u000a\u000a, ","Qu’est-ce qu’un concerto ? Il s’agit d’une composition musicale opposant un ou plusieurs instruments solistes à un orchestre. Vivaldi, à la suite des compositeurs italiens Corelli et Torelli, participe au développement de ce genre très prisé par les générations suivantes.\u000aÀ l’époque de Vivaldi, c’est le concerto grosso qui domine : un ensemble de solistes (le concertino) dialogue avec l’orchestre (le ripieno). Progressivement, Vivaldi va faire ressortir non plus un bloc d’instruments, mais un seul soliste. Ce choix est à peu près définitif à partir des concertos du recueil La Stravaganza, édité à 36 ans. De plus, grâce au compositeur vénitien, le concerto adopte rapidement une forme en trois mouvements, vif-lent-vif, qui se généralise par la suite. Les concertos de Vivaldi sont traités de telle manière qu’ils permettent au soliste de mettre en valeur tout son talent., ","Contexte de composition Le 14 décembre 1725, la Gazette d’Amsterdam annonce la parution de l’Opus n° 8 d’Antonio Vivaldi, Il Cimento dell’Armonia e dell’ InventioneL’épreuve de l’harmonie et de l’invention, un nouveau recueil de concertos pour violon. Treize ans après son premier recueil, l’Opus n° 3 intitulé L’Estro ArmonicoPremières œuvres à être éditées chez l’important éditeur d’Amsterdam Estienne Roger, ce recueil comporte, entre autres, des concertos de soliste, grande nouveauté pour l’époque. (1711), et cinq ans après son dernier opus (1720), Vivaldi poursuit dans le genre du concerto pour soliste qu’il a largement contribué à développer. Il en fixe la forme en trois mouvements (vif-lent-vif) et généralise l’utilisation de la forme ritournellealternance de ritournelles jouées tutti (par tout l’orchestre) et de passages solistes dans les mouvements rapides.\u000aL’Opus n° 8 comprend douze concertos. Certaines de ces pièces, dont les fameuses Quatre Saisons, ont été composées avant 1725 comme le laisse entendre la dédicace de Vivaldi au comte Wenzel von Morzin : Ne soyez pas surpris, je vous prie, si, parmi ces quelques faibles concertos, V. ILL. S. retrouvera les Quatre Saisons qu’elle a accueillies autrefois avec une très généreuse bonté. Le retard de la publication est sans doute dû à des difficultés rencontrées par l’éditeurEstienne Roger, malade, décède en 1722. C’est son gendre, Michel-Charles Le Cène, qui rependra l’entreprise et publiera le recueil de Vivaldi.. Dans sa dédicace, le compositeur ajoute que les concertos des Quatre Saisons sont désormais chacun accompagnés d’un argument littéraire : un sonnet pour chaque saison (dont Vivaldi pourrait lui-même être l’auteur). La partitionIl n’existe pas de manuscrit autographe des Quatre Saisons. Les partitions les plus anciennes sont les copies de Manchester issues de la collection musicale de Pietro Ottoboni, datant peut-être de 1726. est annotée de lettres majuscules renvoyant aux différents vers des sonnets, ainsi que de commentaires explicites sur ce que la musique cherche à illustrer (« le chien aboie », « vents violents » ou encore « la complainte du villageois »). Vivaldi utilise de nombreux effets et figuralismesprocédés qui permettent d'évoquer musicalement une idée, un sentiment déjà largement employés dans l’opéra, un genre dont il maîtrise à la perfection les codesVivaldi revendique avoir composé plus de 90 opéras. Même si ce nombre est sans doute exagéré, on en recense toutefois plus de 40.. Les ritournelles tuttipar tout l’orchestre des mouvements rapides peignent le décor et l’ambiance générale, tandis que les passages solistes expriment des détails plus précis (comme des chants d’oiseaux bien spécifiques : coucou, tourterelle…). Les mouvements lents, plus statiques, chargés d’une atmosphère souvent pesante, sont le prétexte aux instants de repos et de sommeil., ","Texte du sonnet \u000aI. Allegro non moltoA. Aggiacciato tremar trà nevi algenti B. Al severo spirar d'orrido Vento C. Correr battendo i piedi ogni momentoD. E per soverchio gel batter i denti.\u000aII. Largo E. Passar al foco i di quieti, e contenti Mentre la pioggia fuor bagna ben cento.\u000aIII. Allegro F. Caminar sopra 'l giaccio, e à passo lentoG. Per timor di cader gersene intenti.H. Gir forte, sdrucciolar cader a terraI. Di nuovo ir sopra 'l giaccio, e correr forteL. Sin che 'l giaccio si rompe, e si disserra.M. Sentir uscir dalle ferrate porteN. Sirocco, Borea, e tutti i venti in guerraQuesti è 'l Verno, mà tal, che gioia apporte.\u000a\u000a\u000aI. Allegro non moltoA. Dans les neiges argentées, tremblants et gelés B. Par le souffle tranchant du vent glacé, C. On court et l’on frappe ses pieds contre le solD. En claquant des dents, à cause du gel.\u000aII. Largo E. Enfin on s’assoit, paisibles et heureux, devant le feu Tandis que, dehors, la pluie tombe à verse.\u000aIII. Allegro F. On marche à pas lents sur la glaceG. De peur de tomber.H. Car en allant trop vite, on perd l’équilibre, et l’on tombe à terreI. On se remet sur ses pieds et, sur la glace, l’on court viteL. Avant que celle-ci ne se brise, et fonde.M. Derrière les portes closes on entendN. Sirocco et Borée, et tous les vents se faire la guerreC’est cela l’hiver, mais qui apporte aussi ses joies.\u000a\u000aLe texte en italien est tiré de la partition éditée par Bärenreiter en 2002. La traduction du texte est tirée du livre Antonio Vivaldi de Sylvie Mamy, Éditions Fayard, 2011., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro non molto\u000aL’allegro annonce les premières offensives de l’hiver. Dans un décor de neige, le froid mordant s’insinue doucement (A) : les cordes entrent progressivement les unes après les autres, du grave vers l’aigu. Les tremblements dus aux attaques piquantes du gel, figurées par les notes répétées, sont rendus par des trilles courts et incisifs. Soudain, le vent glacé se lève (B) : le violon solo joue des traits de notes rapides, entrecoupés d’incessantes piques du froid. Celui-ci se fait plus dur, plus intense, le rythme s’accélère, et un nouveau tutti (seconde ritournelle) évoque la course pour s’abriter (C) par ses notes répétées et ses battements. Le violon solo poursuit ses virtuosités, entrecoupées des brusques bourrasques du vent rendues par les trémolos des cordes. Dans l’aigu et nuance piano, ces trémolos évoqueront ensuite le claquement des dents (D), avant la fin du mouvement sur la seconde ritournelle.\u000aII. Largo\u000aLe deuxième mouvement marque un temps de répit au milieu des tempêtes hivernales. La sérénité retrouvée au coin du feu (E) est évoquée par la tendre mélodie du violon solo, tandis que la pluie tombe au dehors : le clapotis des gouttes de pluie est rendu en arrière-plan par le jeu pizzicato des violons, sur une basse régulière marquant les temps de ses croches.\u000aIII. Allegro\u000aPas de forme ritournelle dans ce dernier mouvement, mais une succession de figuralismes musicaux traduisant au fur et à mesure les vers du sonnet. Les pas hasardeux et hésitant sur la glace (F et G) sont d’abord évoqués par les motifs répétés et sinueux du violon solo, repris par le tutti qui enchaîne avec une montée progressive par mouvement chromatique en notes piquées. Mais la chute, inévitable, arrive avec les motifs descendants de notes rapides et la gamme descendante jouée aux cordes à l’unisson\/octave (H). S’ensuit une course folle contre la glace qui menace de se briser : le violon solo enchaîne les notes rapides sans s’arrêter. Mais la glace finit inexorablement par se rompre (L), évoquée par les courts motifs de notes rapides, d’abord en tutti puis repris par le violon solo. Viennent ensuite les vents (N) : dans un mouvement Lento, le Sirocco souffle d’abord doucement sur une ligne mélodique qui se balance, entrecoupée de silences. Mais lorsque le vent du Nord arrive, la tempête se déchaîne : un trait de notes rapides au violon solo, ponctué par les trémolos des cordes, figure la guerre que se livrent les différents vents et qui clôt cet épisode hivernal., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000aMusique\u000aLes saisons sont un thème abordé par de nombreux compositeurs, à toutes les époques. Elles font l’objet de compositions appartenant à tous les genres musicaux :\u000a\u000ala musique de ballet : Lully, Glazounov, Stravinski, Cage, ou encore Verdi pour le ballet intégré dans son opéra Les Vêpres siciliennes ;\u000ales compositions symphoniques : Rondes de printemps de Debussy, la Symphonie n° 1 « Le Printemps » de Schumann, la Symphonie n° 1 « Rêves d'hiver » de Tchaïkovski, Les Chasseurs dans la neige de Dufourt ;\u000ales œuvres chorales : Spring Symphony de Britten, l'oratorio Les Saisons de Haydn, Le Bûcher d’hiver de Prokofiev ;\u000ales pièces pour piano : Étude op. 25 n° 11 « Le Vent d’hiver » de Chopin, Les Saisons de Tchaïkovski ;\u000ade nombreux textes évoquant les saisons sont également mis en musique par les compositeurs dans des mélodies, des lieder, des madrigaux...\u000a\u000aArts visuels\u000aAux XVIIe et XVIIIe siècles, les saisons sont un thème récurrent dans les arts décoratifs (papiers peints, gravures, porcelaines…), mais également dans la sculpture et la peinture :\u000a\u000aen peinture, les saisons peuvent être représentées à travers des paysages ou des scènes de vie (la série Les Saisons de Poussin, les six tableaux du Cycle des saisons de Brueghel l’Ancien), ou par des personnages allégoriques (les peintures de Andrea Casali, de Pierre Gobert, Allégorie de l’été et l’hiver de Giovanni Battista Pittoni) ;\u000aen sculpture, la représentation des saisons est presque toujours allégorique : Le Printemps et L’Automne de François Barois, L’Hiver de Pierre Legros l’Aîné ou de Jean-Melchior Raon, sans compter les nombreuses sculptures dans le parc du château de Versailles.\u000a, "," Auteurs : Jean-Marc Goossens, Floriane Goubault et Jean-Marie Lamour, "," Imprimer, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité sur le portail Éduthèque de la Philharmonie de Paris.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","À voir aussi "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"any_suggest":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, canonical-pad"],"Title_idx":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"spellingShingle":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, canonical-pad"],"textSpelling":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, canonical-pad"],"of_title":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"Title_sort":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"ContentDescription":["L’Hiver, extrait des Quatre Saisons de Vivaldi, est un concerto pour violon édité en 1725. 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Les concertos de Vivaldi sont traités de telle manière qu’ils permettent au soliste de mettre en valeur tout son talent., ","Contexte de composition Le 14 décembre 1725, la Gazette d’Amsterdam annonce la parution de l’Opus n° 8 d’Antonio Vivaldi, Il Cimento dell’Armonia e dell’ InventioneL’épreuve de l’harmonie et de l’invention, un nouveau recueil de concertos pour violon. Treize ans après son premier recueil, l’Opus n° 3 intitulé L’Estro ArmonicoPremières œuvres à être éditées chez l’important éditeur d’Amsterdam Estienne Roger, ce recueil comporte, entre autres, des concertos de soliste, grande nouveauté pour l’époque. (1711), et cinq ans après son dernier opus (1720), Vivaldi poursuit dans le genre du concerto pour soliste qu’il a largement contribué à développer. Il en fixe la forme en trois mouvements (vif-lent-vif) et généralise l’utilisation de la forme ritournellealternance de ritournelles jouées tutti (par tout l’orchestre) et de passages solistes dans les mouvements rapides.\u000aL’Opus n° 8 comprend douze concertos. Certaines de ces pièces, dont les fameuses Quatre Saisons, ont été composées avant 1725 comme le laisse entendre la dédicace de Vivaldi au comte Wenzel von Morzin : Ne soyez pas surpris, je vous prie, si, parmi ces quelques faibles concertos, V. ILL. S. retrouvera les Quatre Saisons qu’elle a accueillies autrefois avec une très généreuse bonté. Le retard de la publication est sans doute dû à des difficultés rencontrées par l’éditeurEstienne Roger, malade, décède en 1722. C’est son gendre, Michel-Charles Le Cène, qui rependra l’entreprise et publiera le recueil de Vivaldi.. Dans sa dédicace, le compositeur ajoute que les concertos des Quatre Saisons sont désormais chacun accompagnés d’un argument littéraire : un sonnet pour chaque saison (dont Vivaldi pourrait lui-même être l’auteur). La partitionIl n’existe pas de manuscrit autographe des Quatre Saisons. Les partitions les plus anciennes sont les copies de Manchester issues de la collection musicale de Pietro Ottoboni, datant peut-être de 1726. est annotée de lettres majuscules renvoyant aux différents vers des sonnets, ainsi que de commentaires explicites sur ce que la musique cherche à illustrer (« le chien aboie », « vents violents » ou encore « la complainte du villageois »). Vivaldi utilise de nombreux effets et figuralismesprocédés qui permettent d'évoquer musicalement une idée, un sentiment déjà largement employés dans l’opéra, un genre dont il maîtrise à la perfection les codesVivaldi revendique avoir composé plus de 90 opéras. Même si ce nombre est sans doute exagéré, on en recense toutefois plus de 40.. Les ritournelles tuttipar tout l’orchestre des mouvements rapides peignent le décor et l’ambiance générale, tandis que les passages solistes expriment des détails plus précis (comme des chants d’oiseaux bien spécifiques : coucou, tourterelle…). Les mouvements lents, plus statiques, chargés d’une atmosphère souvent pesante, sont le prétexte aux instants de repos et de sommeil., ","Texte du sonnet \u000aI. AllegroA. Celebra il Villanel con balli, e cantiDel felice raccolto il bel piacere B. E del liquor de Bacco accesi tanti C. Finiscono col sonno il Lor godere.\u000aII. Adagio molto D. Fà che ogn'uno tralasci, e balli, e canti L'aria, che temperata dà piacere E la staggion ch'invitta tanti, e tanti D'un dolcissimo sonno al bel godere.\u000aIII. Allegro E. Il Cacciator all nuov'alba à Caccia Con corni, schioppi, e canni escono fuore F. Fugge la Belva, e seguono la traccia. G. Già sbigottita, e lassa al gran rumore De schioppi, e cani, ferita minacciaH. Languida di fuggir, mà oppressa muore.\u000a\u000a\u000aI. AllegroA. Dansant et chantantLe paysan fête sa belle récolte B. Enivrés par la liqueur de Bacchus C. Nombre d’entre eux sombrent dans le sommeil où leurs plaisirs trouvent fin.\u000aII. Adagio molto D. Tous ont délaissé les danses et les chants ; L’air doux enchante Car cette saison invite tout un chacun À jouir du très doux sommeil.\u000aIII. Allegro E. Dès l’aubre, les chasseurs partent pour la chasse Avec leurs cors, leurs fusils et leurs chiens. F. La bête sauvage s'enguit, et ils suivent sa trace. G. Étourdie et exténuée par le fracas Des fusils et des chiens, blessée, elle tenteH. De s’échapper, mais meurt tapie contre terre.\u000a\u000aLe texte en italien est tiré de la partition éditée par Bärenreiter en 2002. La traduction du texte est tirée du livre Antonio Vivaldi de Sylvie Mamy, Éditions Fayard, 2011., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro\u000aCe premier mouvement prend le caractère d’une joyeuse danse villageoise. Le thème de la ritournelle, d’essence populaire et entraînant, s’identifie et se retient aisément par son harmonie très simple et le principe de répétition (de notes et de rythme) sur lequel il est construit. Jouée d’abord par tout l’orchestre (tutti), la ritournelle est ensuite reprise par le violon solo : celui-ci évoque les musiques accompagnant les fêtes de village (A) par son jeu en doubles cordes. Après un retour du tutti, les solos suivants figurent les paysans enivrés à l’allure vacillante (B) : chute évoquée par de grandes gammes descendantes, pas trébuchants et précipités représentés par les triolets de notes rapides, relèvement hésitant sur des jambes tremblantes au son d’une montée ponctuée de trilles, démarche titubante avec des notes courtes entrecoupées de silence… Le violon fait ensuite entendre le paysan qui vacille, par ses motifs ondulants de notes rapides. Mais le pauvre homme retombe sans cesse par terre à chacune des notes graves interrompant le discours musical ! Enfin, les buveurs enivrés finiront par s’assoupir au son du violon (C), anticipant le deuxième mouvement, avant une ultime ritournelle du tutti.\u000aII. Adagio molto\u000aAprès la fête, le deuxième mouvement voit les paysans endormis (D). L’atmosphère lourde, vaporeuse et planante du sommeil est rendue par les longues tenues des cordes avec sourdine, qui entrent les unes après les autres (du grave à l’aigu). La ligne mélodique progresse lentement, par vagues ascendantes et descendantes, jouant sur les chromatismes et les dissonances. Le violon solo est cette fois à l’unisson des violons I. Seul le clavecin apporte un peu de mouvement à l’ensemble : tel Orphée endormant Cerbère du son de sa lyre, il berce les paysans de ses arpèges égrenés. Au fur et à mesure que les hommes sombrent dans le sommeil, la nuance diminue de plus en plus jusqu’au pianissimo.\u000aIII. Allegro\u000aLe troisième mouvement transporte l’auditeur dans une toute autre atmosphère, celle de la chasse.Dans la ritournelle d’introduction, l’appel des cors (E) est figuré par les notes répétées, reprises en écho par le violon solo en doubles cordes. Puis celui-ci évoque la bête traquée (F) : celle-ci bondit et tente de s’enfuir au rythme des triolets, poursuivie par les chiens lancés sur sa piste et représentés par les battements des cordes. Les coups secs des fusils (G) sont rendus par des notes courtes et rapides. Entre les solos de violon, l’imperturbable ritournelle rappelle sans cesse à l’animal que les chasseurs sont tout près. Blessée, la bête finit par s’effondrer au son des grandes gammes descendantes (H). Le tempo ralenti, rendu par l’écriture musicale (utilisation de notes en valeur longue), traduit l’agonie de l’animal. Enfin, l’ultime ritournelle apparaît comme le triomphe éclatant des chasseurs., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000aMusique\u000aLes saisons sont un thème abordé par de nombreux compositeurs, à toutes les époques. Elles font l’objet de compositions appartenant à tous les genres musicaux :\u000a\u000ala musique de ballet : Lully, Glazounov, Stravinski, Cage, ou encore Verdi pour le ballet intégré dans son opéra Les Vêpres siciliennes ;\u000ales compositions symphoniques : Rondes de printemps de Debussy, la Symphonie n° 1 « Le Printemps » de Schumann, la Symphonie n° 1 « Rêves d'hiver » de Tchaïkovski, Les Chasseurs dans la neige de Dufourt ;\u000ales œuvres chorales : Spring Symphony de Britten, l'oratorio Les Saisons de Haydn, Le Bûcher d’hiver de Prokofiev ;\u000ales pièces pour piano : Étude op. 25 n° 11 « Le Vent d’hiver » de Chopin, Les Saisons de Tchaïkovski ;\u000ade nombreux textes évoquant les saisons sont également mis en musique par les compositeurs dans des mélodies, des lieder, des madrigaux...\u000a\u000aArts visuels\u000aAux XVIIe et XVIIIe siècles, les saisons sont un thème récurrent dans les arts décoratifs (papiers peints, gravures, porcelaines…), mais également dans la sculpture et la peinture :\u000a\u000aen peinture, les saisons peuvent être représentées à travers des paysages ou des scènes de vie (la série Les Saisons de Poussin, les six tableaux du Cycle des saisons de Brueghel l’Ancien), ou par des personnages allégoriques (les peintures de Andrea Casali, de Pierre Gobert, Allégorie de l’été et l’hiver de Giovanni Battista Pittoni) ;\u000aen sculpture, la représentation des saisons est presque toujours allégorique : Le Printemps et L’Automne de François Barois, L’Hiver de Pierre Legros l’Aîné ou de Jean-Melchior Raon, sans compter les nombreuses sculptures dans le parc du château de Versailles.\u000a, "," Auteurs : Jean-Marc Goossens, Floriane Goubault et Jean-Marie Lamour, "," Imprimer, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité sur le portail Éduthèque de la Philharmonie de Paris.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","À voir aussi "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"any_suggest":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Concerto pour violon op. 8 n° 3, L'Automne, les Quatre Saisons, Antonio Vivaldi, canonical-pad"],"Title_idx":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"spellingShingle":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Concerto pour violon op. 8 n° 3, L'Automne, les Quatre Saisons, Antonio Vivaldi, canonical-pad"],"textSpelling":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Concerto pour violon op. 8 n° 3, L'Automne, les Quatre Saisons, Antonio Vivaldi, canonical-pad"],"of_title":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"Title_sort":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"ContentDescription":["L’Automne, extrait des Quatre Saisons de Vivaldi, est un concerto pour violon édité en 1725. 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Allegro\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000aviolon solo, violons 1 et 2, altos, violoncelles et basse continue (clavecin)\u000a\u000a\u000a, ","Qu’est-ce qu’un concerto ? Il s’agit d’une composition musicale opposant un ou plusieurs instruments solistes à un orchestre. Vivaldi, à la suite des compositeurs italiens Corelli et Torelli, participe au développement de ce genre très prisé par les générations suivantes.\u000aÀ l’époque de Vivaldi, c’est le concerto grosso qui domine : un ensemble de solistes (le concertino) dialogue avec l’orchestre (le ripieno). Progressivement, Vivaldi va faire ressortir non plus un bloc d’instruments, mais un seul soliste. Ce choix est à peu près définitif à partir des concertos du recueil La Stravaganza, édité à 36 ans. De plus, grâce au compositeur vénitien, le concerto adopte rapidement une forme en trois mouvements, vif-lent-vif, qui se généralise par la suite. Les concertos de Vivaldi sont traités de telle manière qu’ils permettent au soliste de mettre en valeur tout son talent., ","Contexte de composition Le 14 décembre 1725, la Gazette d’Amsterdam annonce la parution de l’Opus n° 8 d’Antonio Vivaldi, Il Cimento dell’Armonia e dell’ InventioneL’épreuve de l’harmonie et de l’invention, un nouveau recueil de concertos pour violon. Treize ans après son premier recueil, l’Opus n° 3 intitulé L’Estro ArmonicoParmi les premières œuvres à être éditées chez l’important éditeur d’Amsterdam Estienne Roger, ce recueil comporte, entre autres, des concertos de soliste, grande nouveauté pour l’époque. (1711), et cinq ans après son dernier opus (1720), Vivaldi poursuit dans le genre du concerto pour soliste qu’il a largement contribué à développer. Il en fixe la forme en trois mouvements (vif-lent-vif) et généralise l’utilisation de la forme ritournellealternance de ritournelles jouées tutti (par tout l’orchestre) et de passages solistes dans les mouvements rapides.\u000aL’Opus n° 8 comprend douze concertos. Certaines de ces pièces, dont les fameuses Quatre Saisons, ont été composées avant 1725 comme le laisse entendre la dédicace de Vivaldi au comte Wenzel von Morzin : Ne soyez pas surpris, je vous prie, si, parmi ces quelques faibles concertos, V. ILL. S. retrouvera les Quatre Saisons qu’elle a accueillies autrefois avec une très généreuse bonté. Le retard de la publication est sans doute dû à des difficultés rencontrées par l’éditeurEstienne Roger, malade, décède en 1722. C’est son gendre, Michel-Charles Le Cène, qui rependra l’entreprise et publiera le recueil de Vivaldi.. Dans sa dédicace, le compositeur ajoute que les concertos des Quatre Saisons sont désormais chacun accompagnés d’un argument littéraire : un sonnet pour chaque saison (dont Vivaldi pourrait lui-même être l’auteur). La partitionIl n’existe pas de manuscrit autographe des Quatre Saisons. Les partitions les plus anciennes sont les copies de Manchester issues de la collection musicale de Pietro Ottoboni, datant peut-être de 1726. est annotée de lettres majuscules renvoyant aux différents vers des sonnets, ainsi que de commentaires explicites sur ce que la musique cherche à illustrer (« le chien aboie », « vents violents » ou encore « la complainte du villageois »). Vivaldi utilise de nombreux effets et figuralismesprocédés qui permettent d'évoquer musicalement une idée, un sentiment déjà largement employés dans l’opéra, un genre dont il maîtrise à la perfection les codesVivaldi revendique avoir composé plus de 90 opéras. Même si ce nombre est sans doute exagéré, on en recense toutefois plus de 40.. Les ritournelles tuttipar tout l’orchestre des mouvements rapides peignent le décor et l’ambiance générale, tandis que les passages solistes expriment des détails plus précis (comme des chants d’oiseaux bien spécifiques : coucou, tourterelle…). Les mouvements lents, plus statiques, chargés d’une atmosphère souvent pesante, sont le prétexte aux instants de repos et de sommeil., ","Texte du sonnet \u000aI. AllegroA. Giunto è la Primavera, e festosetti B. La salutan gl’augei con lieto canto C. E i fonti allo spirar de zefiretti Con dolce mormorio scorrono intanto.D. Vengon coprendo l’aer di nero ammanto E lampi, e tuoni ad annuntiarla aletti E. Indi tacendo questi gl’Augelletti Tornan di nuovo al lor canoro incanto.\u000aII. Largo F. E quindi sul fiorito ameno Prato Al caro mormorar di frondi, e piante Dorme il caprar col fido can à lato.\u000aIII. Allegro G. Di Pastoral zampogna al suon festante Danzan Ninfe, e Pastor nel tetto amato Di Primavera all’apparir brillante.\u000a\u000a\u000aI. AllegroA. Le Printemps est revenu ; tout enjouésB. Les oiseaux le saluent d’un chant allègreC. Tandis que les sources, au souffle des zéphyrs, Courent en émettant un doux murmure.D. Mais le ciel se couvre de nuages noirs Suivis d’éclairs et de coups de tonnerre ;E. Lorsqu’ils se sont tus, enfin, les oiseaux Emplissent à nouveau l’air de leurs chants.\u000aII. LargoF. Maintenant, sur le charmant pré fleuri, Au doux murmure que forment les feuillages et les plantes Le chevrier s’endort, son chien fidèle à ses côtés.\u000aIII. AllegroG. Au son joyeux de la musette rustique Le berger amoureux danse avec les nymphes, Leurs visages rayonnent dans la lumière du printemps nouveau.\u000a\u000aLe texte en italien est tiré de la partition éditée par Bärenreiter en 2002. La traduction du texte est tirée du livre Antonio Vivaldi de Sylvie Mamy, Éditions Fayard, 2011., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro\u000aLe premier mouvement annonce avec allégresse le retour du printemps.L’allegro commence avec une ritournelle joyeuse et entraînante (A), jouée par tout l’orchestre, et qui reviendra à plusieurs reprises au cours du mouvement. Les oiseaux, qui chantent l’arrivée de la nouvelle saison (B), sont représentés par le violon solo dialoguant avec les violons I et II. Leurs pépiements joyeux sont figurés par une multitude d’effets imitatifs : mordantornement qui consiste en une petite note jouée rapidement en marge de la note principale, trille, groupe de notes rapides descendantes, répétitions de notes piquées… Le « doux murmure » du ruisseau (C) leur répond par une mélodie ondulante, nuance piano, jouée par tout l’orchestre. Mais l’orage arrive (D) : le grondement du tonnerre se fait entendre dans les trémolosune même note jouée très rapidement de manière répétée des cordes, tandis que les éclairs fusent en notes rapides ascendantes. Le vent tournoyant est figuré par le jeu virtuose du violon solo virevoltant. Une fois le calme revenu au son de la ritournelle tutti, les oiseaux peuvent chanter de nouveau (E) : les violons reprennent leur dialogue pétillant et le mouvement se termine dans l’allégresse retrouvée de la ritournelle.\u000aII. Largo e pianissimo\u000aDans l’atmosphère lourde de ce deuxième mouvement, le chevrier s’endort (F) : la mélodie languissante du violon solo évoque la sérénité du personnage somnolant, bercé par le murmure du feuillage. Celui-ci est joué par les violons qui font entendre un motif rythmique inlassablement répété (ostinato) , nuance pianissimo, comme un balancement régulier. Pas même les aboiements ponctuels du chien, figuré par deux notes courtes nuance forte, ne viendront troubler le sommeil du chevrier.\u000aIII. Allegro\u000aCe dernier mouvement est une « danse pastorale » aux accents populaires.La ritournelle d’introduction est une mélodie simple et entraînante au rythme de siciliennedanse de tempo modéré, souvent de caractère pastoral, et présentant un rythme pointé bien caractéristique, soutenue par une note pédalenom donné, en harmonie, à une note que tient ou que répète l’une des parties. On retrouve l’allégresse du premier mouvement, tandis que le berger célèbre le retour du printemps (G) : ses pas de danse sont illustrés par les solos successifs du violon, entrecoupés de la joyeuse ritournelle. Par moment, les nymphes se joignent au berger : les violons de l’orchestre s’associent alors au violon solo, dont le jeu en doubles cordes évoque le bourdon de la « musette rustique »La musette est un instrument de musique à vent, à anche double comme le hautbois. Une poche d'air permet au musicien d'insuffler de l'air dans l'instrument afin de produire le son. La musette possède également un bourdon, c'est-à-dire un tuyau qui vibre en émettant constamment la même note.., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000aMusique\u000aLes saisons sont un thème abordé par de nombreux compositeurs, à toutes les époques. Elles font l’objet de compositions appartenant à tous les genres musicaux :\u000a\u000ala musique de ballet : Lully, Glazounov, Stravinski, Cage, ou encore Verdi pour le ballet intégré dans son opéra Les Vêpres siciliennes ;\u000ales compositions symphoniques : Rondes de printemps de Debussy, la Symphonie n° 1 « Le Printemps » de Schumann, la Symphonie n° 1 « Rêves d'hiver » de Tchaïkovski, Les Chasseurs dans la neige de Dufourt ;\u000ales œuvres chorales : Spring Symphony de Britten, l'oratorio Les Saisons de Haydn, Le Bûcher d’hiver de Prokofiev ;\u000ales pièces pour piano : Étude op. 25 n° 11 « Le Vent d’hiver » de Chopin, Les Saisons de Tchaïkovski ;\u000ade nombreux textes évoquant les saisons sont également mis en musique par les compositeurs dans des mélodies, des lieder, des madrigaux...\u000a\u000aArts visuels\u000aAux XVIIe et XVIIIe siècles, les saisons sont un thème récurrent dans les arts décoratifs (papiers peints, gravures, porcelaines…), mais également dans la sculpture et la peinture :\u000a\u000aen peinture, les saisons peuvent être représentées à travers des paysages ou des scènes de vie (la série Les Saisons de Poussin, les six tableaux du Cycle des saisons de Brueghel l’Ancien), ou par des personnages allégoriques (les peintures de Andrea Casali, de Pierre Gobert, Allégorie de l’été et l’hiver de Giovanni Battista Pittoni) ;\u000aen sculpture, la représentation des saisons est presque toujours allégorique : Le Printemps et L’Automne de François Barois, L’Hiver de Pierre Legros l’Aîné ou de Jean-Melchior Raon, sans compter les nombreuses sculptures dans le parc du château de Versailles.\u000a, "," Auteurs : Jean-Marc Goossens, Floriane Goubault et Jean-Marie Lamour, "," Imprimer, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité sur le portail Éduthèque de la Philharmonie de Paris.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","À voir aussi "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Le Printemps extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"any_suggest":["Le Printemps extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, les Quatre Saisons, le Printemps, Antonio Vivaldi, canonical-pad"],"Title_idx":["Le Printemps extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"spellingShingle":["Le Printemps extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, les Quatre Saisons, le Printemps, Antonio Vivaldi, canonical-pad"],"textSpelling":["Le Printemps extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, les Quatre Saisons, le Printemps, Antonio Vivaldi, canonical-pad"],"of_title":["Le Printemps extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"Title_sort":["Le Printemps extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"ContentDescription":["Le Printemps, extrait des Quatre Saisons de Vivaldi, est un concerto pour violon édité en 1725. 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Grandes œuvres célèbres","24|1036|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","24|_|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","_|1036|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","_|_|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","24|1036|MusC4-St1m - Musique narrative, descriptive ou figurative","24|_|MusC4-St1m - Musique narrative, descriptive ou figurative","_|1036|MusC4-St1m - Musique narrative, descriptive ou figurative","_|_|MusC4-St1m - Musique narrative, descriptive ou figurative","24|1036|SVTC4-1b - Phénomènes météo et climatiques","24|_|SVTC4-1b - Phénomènes météo et climatiques","_|1036|SVTC4-1b - Phénomènes météo et climatiques","_|_|SVTC4-1b - Phénomènes météo et climatiques","24|1036|ItC2-1f - Le temps, les grandes périodes de l’année, de la vie","24|_|ItC2-1f - Le temps, les grandes périodes de l’année, de la vie","_|1036|ItC2-1f - Le temps, les grandes périodes de l’année, de la vie","_|_|ItC2-1f - 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Dégager d’une œuvre d’art, ses principales caractéristiques technique et formelles","24|1036|HDAC3-3 - Relier des caractéristiques d’une œuvre d’art à des usages, ainsi qu’au contexte historique et culturel de sa création","24|_|HDAC3-3 - Relier des caractéristiques d’une œuvre d’art à des usages, ainsi qu’au contexte historique et culturel de sa création","_|1036|HDAC3-3 - Relier des caractéristiques d’une œuvre d’art à des usages, ainsi qu’au contexte historique et culturel de sa création","_|_|HDAC3-3 - Relier des caractéristiques d’une œuvre d’art à des usages, ainsi qu’au contexte historique et culturel de sa création","24|1036|Mus2-2a - La musique et le texte","24|_|Mus2-2a - La musique et le texte","_|1036|Mus2-2a - La musique et le texte","_|_|Mus2-2a - La musique et le texte","24|1036|HDAC3-1 - Donner un avis argumenté sur ce que représente ou exprime une œuvre d’art","24|_|HDAC3-1 - Donner un avis argumenté sur ce que représente ou exprime une œuvre d’art","_|1036|HDAC3-1 - Donner un avis argumenté sur ce que représente ou exprime une œuvre d’art","_|_|HDAC3-1 - Donner un avis argumenté sur ce que représente ou exprime une œuvre d’art","24|1036|MusC2-54 - La densité","24|_|MusC2-54 - La densité","_|1036|MusC2-54 - La densité","_|_|MusC2-54 - La densité","24|1036|MusC4-I10 - Violon","24|_|MusC4-I10 - Violon","_|1036|MusC4-I10 - Violon","_|_|MusC4-I10 - Violon","24|1036|MusC4-C1b - Concerto","24|_|MusC4-C1b - Concerto","_|1036|MusC4-C1b - Concerto","_|_|MusC4-C1b - Concerto","24|1036|ItC4-1c - Langages artistiques : peinture, musique et chansons, poésie, cinéma et théâtre, littérature, BD, science-fiction","24|_|ItC4-1c - Langages artistiques : peinture, musique et chansons, poésie, cinéma et théâtre, littérature, BD, science-fiction","_|1036|ItC4-1c - Langages artistiques : peinture, musique et chansons, poésie, cinéma et théâtre, littérature, BD, science-fiction","_|_|ItC4-1c - Langages artistiques : peinture, musique et chansons, poésie, cinéma et théâtre, littérature, BD, science-fiction","24|1036|ScC2-3 - Se repérer dans le temps et le mesurer","24|_|ScC2-3 - Se repérer dans le temps et le mesurer","_|1036|ScC2-3 - Se repérer dans le temps et le mesurer","_|_|ScC2-3 - Se repérer dans le temps et le mesurer","24|1036|HDAC4-43 - Danse populaire, danse de cour, danse stylisée","24|_|HDAC4-43 - Danse populaire, danse de cour, danse stylisée","_|1036|HDAC4-43 - Danse populaire, danse de cour, danse stylisée","_|_|HDAC4-43 - Danse populaire, danse de cour, danse stylisée","24|1036|ItCAP-BPro-13 - Grandes œuvres célèbres","24|_|ItCAP-BPro-13 - Grandes œuvres célèbres","_|1036|ItCAP-BPro-13 - Grandes œuvres célèbres","_|_|ItCAP-BPro-13 - Grandes œuvres célèbres","24|1036|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","24|_|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","_|1036|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","_|_|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","24|1036|MusC4-St1m - Musique narrative, descriptive ou figurative","24|_|MusC4-St1m - Musique narrative, descriptive ou figurative","_|1036|MusC4-St1m - 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C’est Ida Rubinstein, amie et mécène du musicien, qui commande au compositeur un ballet de caractère espagnol. \u000a<\/p>\u000a<p class=\"page-cms\">\u000a <a class=\"link-absoluteUri btn btn-default\" href=\"https:\/\/edutheque.philharmoniedeparis.fr\/0824129-bolero-de-maurice-ravel.aspx\" title=\"Consulter\" id=\"1635\">Consulter<\/a>\u000a<\/p>\u000a<\/div>\u000a<style>\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a<\/style>\u000a<!-- \/CMS SHORT -->\u000a","FieldList":{"sys_support":["CMS"],"Identifier":["1635"],"Identifier_idx":["1635"],"any":["1635","Bolero de Maurice Ravel","Le Bolero de Ravel figure parmi les œuvres orchestrales les plus populaires au monde. C’est Ida Rubinstein, amie et mécène du musicien, qui commande au compositeur un ballet de caractère espagnol. 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National Galery of Art Washington, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Bolero de Maurice Ravel\u000a\u000a\u000aGenre\u000aballet\u000a\u000a\u000aCommanditaire\u000aIda Rubinstein\u000a\u000a\u000aComposition\u000ade juillet à octobre 1928, à Saint-Jean-de-Luz et à Paris\u000a\u000a\u000aCréation\u000aversion ballet : le 22 novembre 1928 à l’Opéra de Paris, par Ida Rubinstein sur une chorégraphie de Bronislava Nijinska et sous la direction de Walther Straramversion de concert : le 11 janvier 1930 à la salle Gaveau à Paris, par les Concerts Lamoureux sous la direction de Maurice Ravel\u000a\u000a\u000aForme\u000aœuvre orchestrale en un seul mouvement\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois (le 2e prenant le hautbois d’amour), 1 cor anglais, 2 clarinettes, 1 petite clarinette, 1 clarinette basse, 2 bassons, 1 contrebasson, 1 saxophone sopranino, 1 saxophone soprano, 1 saxophone ténorcuivres : 4 cors, 4 trompettes, 3 trombones, 1 tubapercussions : timbales, caisse claire, grosse caisse, cymbales, tam-tam, célestacordes pincées : 1 harpecordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition et de création Le Bolero de Maurice Ravel figure parmi les œuvres orchestrales les plus populaires et les plus jouées au monde. Phénomène musical, ce chef-d’œuvre est longtemps resté à la première place du classement mondial des droits d’auteur jusqu’en 1993. Encore aujourd’hui, il reste une des œuvres musicales françaises les plus exportées.\u000aIda RubinsteinIda Rubinstein (1885-1960) est une danseuse russe qui s’est produite avec les Ballets russes à plusieurs reprises, de 1909 à 1911. Grande mécène par la suite, elle commande des œuvres à différents artistes tout en continuant de se produire sur scène., amie et mécène du musicien, commande au compositeur, déjà célèbre, un ballet à caractère espagnol. Ravel pense dans un premier temps orchestrer des pièces d’Isaac Albeniz. Mais finalement, il choisit de composer une œuvre constituée d’un thème et d’un contre-thème, basée sur un crescendo orchestral ininterrompu. Éternel amoureux de la danse et de l'Espagne, Ravel choisit le rythme du boléro, une danse traditionnelle andalouse, comme pilier de son œuvreEn 1928, sur la demande de Madame Rubinstein, j’ai composé un boléro pour orchestre. C’est une danse d’un mouvement très modéré et constamment uniforme, tant par la mélodie que par l’harmonie et le rythme, ce dernier marqué sans cesse par le tambour. Le seul élément de diversité y est apporté par le crescendo orchestral.. La mélodie est composée à Saint-Jean-de-Luz, un matin, au piano, avant que le compositeur ne parte nager.\u000aL’œuvre est créée le 22 novembre 1928 à l’Opéra de Paris dans sa version ballet, avec Walther Straram à la baguette. La chorégraphie de Bronislava Nijinska suit la progression en crescendo de la musique : Dans une auberge espagnole, une gitane, debout sur une table, danse seule d’abord. Puis, l’ivresse du rythme qu’elle déchaîne se transmet à ses clients. Un homme saute au milieu de la table et danse à son tour, suivi par tous les autres. Le rythme de la musique est ponctué par leurs cris, leurs bagarres, leurs appels et leurs provocations. À la fin, les hommes s’emparent de la danseuse qu’ils soulèvent au-dessus d’eux en guise de proie. (argument du Bolerocité dans La Musique de ballet en France de la Belle Époque aux Années folles de Manfred Kelkel, p. 235)\u000aC’est le 11 janvier 1930 qu’a lieu la première de la version de concert par les Concerts Lamoureux, sous la direction de Ravel en personne. Le Bolero rencontre un très vif succès, au grand étonnement de Ravel, et devient rapidement célèbre. Indépendamment du ballet, cette version concert trouve son autonomie et s’inscrit parmi les œuvres les plus célèbres de la musique classique. Souvent considéré comme un modèle d’orchestration, le compositeur dira pourtant de son chef-d’œuvre : Je voudrais surtout qu’il n’y ait pas de malentendu sur ce travail. Il s’agit d’une expérience d’un type très particulier. Avant sa première représentation, j’avais prévenu que ce morceau de dix-sept minutes n’était constitué que d’un unique et long crescendo ininterrompu. Il n’y a pas de contrastes, et pratiquement pas d’innovation à l’exception de la structure et du mode d’exécution… l’écriture orchestrale est simple et directe du début à la fin, sans la moindre recherche de virtuosité.\u000aUne anecdote mettant en scène le célèbre Toscanini reste bien connue : en mai 1930, le chef d’orchestre italien joua l’œuvre deux fois plus vite que ne le souhaitait le compositeur présent dans la salle. Ce dernier refusa d’aller lui serrer la main. Toscanini déclara alors à Ravel : Vous ne comprenez rien à votre musique. Elle sera sans effet si je ne la joue pas à ma manière. Ce à quoi Ravel aurait répondu : Alors, ne la jouez pas !, "," Ida Rubinstein, photographie de presse Agence Rol, 1922. Gallica - BnF, ","Déroulé de l’oeuvre L’œuvre est entièrement basée sur le rythme du boléro joué par la caisse claire tout au long de la pièce. Cet ostinato - répété 169 fois ! - donne au Bolero son rythme uniforme et invariable.\u000a, "," Ravel utilise deux mélodies, deux thèmes de même longueur, qu’il répète et alterne. Chaque transition entre les deux mélodies (ou leur répétition) fait entendre la ritournelle rythmique utilisée pour introduire et pour conclure l’œuvre. Pour éviter la monotonie, Ravel procède à un long crescendo ininterrompu : crescendo de nuances (on commence pp (pianissimo) et on finit ff (fortissimo)) et crescendo par accumulation d’instruments (ou crescendo orchestral : les instruments entrent les uns après les autres, étoffant progressivement l’effectif instrumental). L’utilisation originale de certains instruments solistes ainsi que des combinaisons instrumentales créent un jeu de timbres qui donnent à l’œuvre toute sa saveur et l’impression d’un renouvellement continu.\u000aAprès la ritournelle d’introduction, le premier thème, en Do Majeur, se fait entendre d’abord à la flûte puis à la clarinette. Cette première mélodie se caractérise par sa grande souplesse et ses longues lignes aux intervalles conjoints. Le deuxième thème, exposé au basson puis à la petite clarinette, se caractérise par son côté jazzy plus dansant et son exotisme.\u000aLa deuxième occurrence du premier thème est jouée par le hautbois d’amourInstrument essentiellement utilisé pendant la période baroque, il tombe en désuétude pendant les périodes classique et romantique avant de connaître un regain d’intérêt fin du XIXe - début XXe., puis la trompette en sourdine doublée par la flûte à l’octave supérieure. C’est la première doublure du thème, qui était jusque-là joué par un seul instrument. La deuxième occurrence du second thème est jouée par les saxophones : saxophone ténor, puis saxophone sopranino. Ce n’est pas la première fois que Ravel utilise le saxophone (alors peu présent dans les orchestres classiques) à qui il avait déjà confié une partie soliste dans son orchestration des Tableaux d’une exposition de Moussorgski.\u000aÀ la troisième occurrence des thèmes, l’orchestre continue de s’étoffer, aussi bien dans la mélodie que dans l’accompagnement, tandis que les nuances progressent (l’accompagnement joue désormais mfmezzo-forte, entre piano et forte). Le premier thème est d’abord joué au célesta et au cor. Les petites flûtes doublent le thème dans le ton de la tierce (Mi Majeur) et de la quinte (Sol Majeur). Cette superposition de tonalités crée un effet étrange, presque grinçant. La répétition voit encore le nombre d’instruments augmenter : hautbois, cor anglais, clarinettes, ainsi que le hautbois d’amour (dans le ton de la quinte). Le second thème retrouve temporairement la simplicité d’un instrument soliste, le trombone, qui use de glissando accentuant le côté jazzy. Mais la répétition reprend le crescendo orchestral avec l’intervention de presque la totalité des bois, le tout dans la nuance forte.\u000aJusque-là, on remarque la prédominance et la variété des instruments à vent qui (à part le célesta) sont les seuls à jouer le thème. Enfin, les violons entrent en jeu dans la quatrième occurrence : ils apportent un timbre nouveau et une nouvelle force orchestrale par la densité de leur pupitre (contrairement aux vents qui étaient presque toujours solistes). Ils sont doublés par une partie des bois. La trompette puis les trombones les rejoignent lors du second thème, ainsi que les altos et violoncelles.\u000aLa cinquième occurrence est plus courte : les thèmes ne sont pas répétés. Cette fois, l’orchestre est au complet, nuance ff. Le second thème est tronqué par une surprenante et lumineuse modulation en Mi Majeur qui vient, une nouvelle fois, rompre la monotonie. Puis le ton initial de Do revient pour conclure la pièce sur une ultime ritournelle, un grand accord dissonant et une chute finale, qui n’est pas sans rappeler la fin tragique de La Valse., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000a\u000aLe Bolero démontre que Ravel est un grand orchestrateur. Écouter les œuvres suivantes et observer comment la mélodie passe d’un instrument à un autre :\u000a\u000aPavane pour une infante défunte ;\u000ale deuxième mouvement du Concerto pour piano en sol majeur ;\u000ala Danse religieuse extraite du ballet Daphnis et Chloé.\u000a\u000a\u000a, "," Auteur : Jean-Marc Goossens, "," Imprimer, ","Bac musique 2021 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2021\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option et la spécialité sur le portail Éduthèque de la Philharmonie de Paris.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","Bac musique 2021 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2021\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option et la spécialité.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","À voir aussi ","Boîtes à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Bolero de Maurice Ravel"],"any_suggest":["Bolero de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Maurice Ravel, Bolero, canonical-pad"],"Title_idx":["Bolero de Maurice Ravel"],"spellingShingle":["Bolero de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Maurice Ravel, Bolero, canonical-pad"],"textSpelling":["Bolero de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Maurice Ravel, Bolero, canonical-pad"],"of_title":["Bolero de Maurice Ravel"],"Title_sort":["Bolero de Maurice Ravel"],"ContentDescription":["Le Bolero de Ravel figure parmi les œuvres orchestrales les plus populaires au monde. 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","fr","français","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"," Page découverte\u000a\/\/ , "," Symphonie n° 40 Wolfgang Amadeus Mozart, "," Le château de Schönbrunn à Vienne (détail), par Bernardo Bellotto, 1758-1761. Kunsthistorisches Museum, Vienne, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique symphonique\u000a\u000a\u000aComposition\u000aen 1788 à Vienne\u000a\u000a\u000aForme\u000asymphonie en quatre mouvements :I. Molto allegroII. AndanteIII. MenuetIV. Allegro assai\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 1 flûte, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassonscuivres : 2 corscordes : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition Depuis son installation à Vienne en 1781, Mozart n’a composé que trois symphoniesLa Symphonie n° 35 « Haffner » pour le maire de Salzbourg, la Symphonie n° 36 pour Linz, la Symphonie n° 38 pour Prague. La Symphonie n° 37 est une introduction à la Symphonie n° 25 en sol majeur de Michael Haydn. dont aucune n’est destinée au public viennois. Entre juin et août 1788, il compose d’un coup trois nouvelles symphonies qui vont marquer l’histoire de la musique par leurs idées novatrices. Les raisons pour lesquelles elles furent composées restent inconnues. Elles ne semblent pas être le fruit d’une commande particulière et on suppose que Mozart les a écrites pour un concert qu’il prévoyait de donner à Vienne. Cependant, ces trois symphonies n’ont probablement jamais été données de son vivant.\u000aLa lecture du manuscrit de la Symphonie n° 40 en sol mineur nous apprend que l’auteur a ajouté des clarinettes non prévues au départ : peut-être y a-t-il eu répétition de l’œuvre dès 1788, suivie de modifications. Il paraît probable par ailleurs que Mozart ait emporté ces toutes nouvelles symphonies avec lui, lors de ses voyages de 1789 et 1790 : la Symphonie n° 40 aurait pu être exécutée lors d’un concert à Leipzig, le 12 mai 1789. Elle a sans doute été aussi donnée sous la direction de SalieriCompositeur officiel de la cour de Vienne, maître de chapelle de l’empereur et directeur de l’opéra italien, Antonio Salieri (1750-1825) est une personnalité essentielle de la vie musicale viennoise. Auteur de nombreux opéras, il se consacre également à l’enseignement et compte parmi ses élèves plusieurs futurs compositeurs talentueux tels que Beethoven et Schubert. les 16 et 17 avril à Vienne. Publiée en 1794, cette œuvre est aujourd’hui l’une des plus célèbres de Mozart, admirée des compositeurs tels que Robert Schumann (1810-1856), Johannes Brahms (1833-1897), ou encore Arnold Schönberg (1874-1951)., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro molto\u000aParmi ses 41 symphonies, la tonalité de sol mineur n’a été utilisée par Mozart que deux fois, par ailleurs pour les deux seules symphonies écrites dans un ton mineur. C’est pour lui la couleur du drame et de l’inquiétude.\u000aLe mouvement débute sur des batteries de croches jouées aux altos, puis le thème principal fait son entrée aux violons, ponctué d’harmonies dissonantes. Apparaît ensuite un second thème, qui contraste avec le premier : plus optimiste, il est en mode majeur. Le développement s’organise autour de tonalités tourmentées : c’est un voyage mouvementé où l’on retrouve principalement des bribes du premier thème, dont les premières notes répétées sont jouées avec insistance. Après ce trajet presque romantique, les deux thèmes du début sont énoncés à nouveauC’est ce qu’on appelle la réexposition., mais le deuxième cette fois en mineur.\u000aII. Andante\u000aAprès la frénésie dramatique de l’Allegro, le deuxième mouvement, andante, est un moment de repos, calme et gracieux. Le thème principal, constitué d’un saut suivi de notes répétées, est amorcé par les entrées successives des cordes en imitation : altos, violons 2 puis violons 1.\u000a\u000aAu cours de sa mélodie, il fait entendre un court motif rythmique de deux notes rapides (triples croches), motif qui sera ensuite le prétexte à un jeu d’échange entre les différents instruments de l’orchestre. C’est ce même motif qui, par la suite, sert de base au développement : partie centrale du mouvement, celui-ci est d’un caractère plus dramatique, avec plusieurs incursions dans le mode mineur. Enfin, la réexposition fait entendre à nouveau le thème principal.\u000aIII. Menuetto\u000aLe menuet de ce troisième mouvement est vif et très rythmique. Il contraste fortement avec le trio central, en sol majeur, plus léger et détendu, et qui accorde une place importance aux vents.\u000aIV. Allegro assai\u000aLe premier thème de ce mouvement joue sur les contrastes sur tous les plans : contraste de nuances avec alternances de piano et de forte subito, et contraste dans l’effectif instrumental avec un dialogue entre les cordes et tout l’orchestre (tutti). Tout comme dans le premier mouvement, ce thème est porté par un rythme perpétuel de croches, qui passe d’instrument en instrument, et amène une certaine frénésie à l’ensemble. Apparaît le second thème, plus calme, plus chantant. Le développement qui suit tourne autour de la tête (les premières notes) du premier thème, et fait entendre un rapide fugatoMoins rigoureux que la fugue dans son écriture, le fugato est un court passage traité en imitation.. Après un silence soudain et surprenant, on retrouve les deux thèmes au cours de la réexposition., "," Auteur : Bruno Guilois, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils {\"SearchContext\":11,\"Grid\":null,\"QueryString\":\"Identifier_idx:(4257 OR 1768 OR 4553)\",\"SelectionUid\":0,\"OriginalQueryString\":null,\"CloudTerms\":[],\"ScenarioCode\":\"EDUTHEQUE\",\"FacetFilter\":null,\"SortOrder\":0,\"SortField\":\"DateOfInsertion_sort\",\"SortFieldRandomSeed\":null,\"Page\":0,\"ResultSize\":3,\"SessionGuid\":null,\"ForceSearch\":false,\"TemplateValue\":null,\"TemplateParams\":{\"ScenarioCode\":\"\",\"SourceCode\":\"\",\"Support\":\"\",\"Size\":null,\"Scope\":\"\"},\"InjectFields\":true,\"XslPath\":\"Recherche\/encart_search.xslt\",\"UseCanvas\":false,\"AsyncOFInsertion\":null,\"InjectOpenFind\":false,\"ForceOpenFindUpdate\":false,\"SearchLabel\":null,\"InjectFacets\":null,\"Block\":null,\"GroupField\":null,\"GroupSize\":0,\"UseGrouping\":null,\"UseCache\":true,\"SiteCodeRestriction\":null,\"RawQueryParameters\":null,\"PageRange\":3,\"StartDateFilter\":null,\"EndDateFilter\":null,\"ListSelectionPage\":null,\"SearchTerms\":\"Identifier_idx 4257 OR 1768 4553\",\"ScenarioDisplayMode\":\"display-standard\",\"DecodedFacets\":[]}, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : 100% Mozart\u000a\u000a Une sélection de ressources (fiches œuvres, portrait de compositeurs, guides d'écoute...) pour se préparer au concert éducatif « 100% Mozart » du 11 avril 2019 à la Philharmonie de Paris.\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîtes à outils : Mozart 40\u000a\u000a Un ensemble de ressources (fiche œuvre, portrait de compositeur, guide d’écoute) pour préparer le concert « Mozart 40 » donné le 30 avril 2020 à la Cité de la musique - Philharmonie de Paris.\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : Mozart\u000a\u000a Dans le cadre des outils éducatifs, la boîte à outils Mozart de la Philharmonie de Paris permet aux enseignants de préparer leurs élèves au concert éducatif du 24 janvier 2009\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"any_suggest":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"Title_idx":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"spellingShingle":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"textSpelling":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"of_title":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"Title_sort":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"ContentDescription":["Composée en 1788, en même temps que les Symphonies n° 39 et 41, la Symphonie n° 40 de Mozart est aujourd’hui l'une de ses plus célèbres œuvres, admirée des compositeurs tels que Schumann ou Brahms. 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En cinq mouvements, elle propose un véritable portrait musical de la nature. \u000a<\/p>\u000a<p class=\"page-cms\">\u000a <a class=\"link-absoluteUri btn btn-default\" href=\"https:\/\/edutheque.philharmoniedeparis.fr\/0732557-symphonie-n-6-pastorale-de-ludwig-van-beethoven.aspx\" title=\"Consulter\" id=\"1621\">Consulter<\/a>\u000a<\/p>\u000a<\/div>\u000a<style>\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a<\/style>\u000a<!-- \/CMS SHORT -->\u000a","FieldList":{"sys_support":["CMS"],"Identifier":["1621"],"Identifier_idx":["1621"],"any":["1621","Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven","La Symphonie n° 6 « Pastorale » de Beethoven est probablement la plus originale de ses neuf symphonies. En cinq mouvements, elle propose un véritable portrait musical de la nature. ","fr","français","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 6, la Pastorale, Ludwig Van Beethoven, Beethoven, canonical-pad"," Page découverte\u000a\/\/ , ","<cite>Symphonie n° 6 « Pastorale »<\/cite> <span class=\"sousTitre\">Ludwig Van Beethoven<\/span> "," Beethoven près du ruisseau, 1834. NY Public Library, digital collections, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig van Beethoven\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique symphonique\u000a\u000a\u000aComposition\u000aentre 1805 et 1807 à Vienne et ses environs\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 22 décembre 1808 au Theater an der Wien, à Vienne\u000a\u000a\u000aForme\u000asymphonie en cinq mouvements :I. Allegro ma non troppoII. Andante molto motoIII. AllegroIV. AllegroV. Allegretto\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassonscuivres : 2 cors, 2 trompettes, 2 trombonespercussions : timbalescordes : violons 1 et violons 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","L’amoureux de la nature L’amour de Beethoven pour la nature est sans limites. C’est auprès d’elle qu’il retrouve le calme et le repos. C’est auprès d’elle qu’il se sent le plus heureux et pleinement inspiré.\u000aQuel plaisir alors de pouvoir errer dans les bois, les forêts, parmi les arbres, les herbes, les rochers. Personne ne saurait aimer la campagne comme moi. Les forêts, les arbres, les rochers nous rendent en effet l’écho désiré. (Beethoven, lettre à Theresa Malfatti, Vienne, mai 1810)\u000aLe compositeur aime passer la plupart de ses étés dans les environs de Vienne, à Heiligenstadt, Hetzendorf ou encore Döbling. La plupart du temps, il part pour de longues promenades. La « Pastorale » fut composée en même temps que la Symphonie n° 5  et exécutée la première fois le 22 décembre 1808. L’accueil n’est pas très bon, probablement à cause de la longueur du programme du concert, qui compte également la Symphonie n° 5, le Concerto pour piano n° 4, des extraits de sa Messe en ut, ainsi que sa Fantaisie chorale pour piano, chœur et orchestre., ","Une musique à programme Contrairement à de nombreuses œuvres dont le titre n’est pas de Beethoven, la symphonie dite « Pastorale » doit directement son nom à son auteur. Lorsque le compositeur envoie le manuscrit à son éditeur, il l’intitule précisément : « Symphonie Pastorale, ou Souvenir de la vie rustique, plutôt émotion exprimée que peinture descriptive ». Cette œuvre unique reste probablement la plus originale de ses neuf symphonies. Seule symphonie en cinq mouvements, elle propose un véritable portrait musical de la nature. Beethoven fournit à chacune des parties un sous-titre afin de mieux guider son auditeur (chose rare chez ce compositeur) :\u000a\u000aÉveil d’impressions agréables en arrivant à la campagne\u000aScène au bord du ruisseau\u000aJoyeuse assemblée des paysans\u000aTonnerre – Orage\u000aChant pastoral – Sentiments joyeux et reconnaissants après l’orage\u000a\u000aLe premier mouvement est indiqué Allegro ma non troppo. Le premier thème, plein de grâce, est joué par les violons et contient un motif rythmique qui sera présent tout le long du mouvement.\u000aUn deuxième thème, plus lié et plus chantant, fournit à l’œuvre une atmosphère heureuse et détendue. D’abord énoncé par les violons, il circule à travers les différents instruments.\u000aL’épisode central reprend les éléments précédents et est caractérisé par ses nombreuses répétitions. Ces passages obstinés sont une caractéristique du langage de Beethoven.\u000aLe deuxième mouvement, Andante molto moto, évoque une promenade auprès d’un ruisseau. Pendant que les seconds violons, altos et violoncelles imitent l’ondulation des flots, les premiers violons déploient une tendre mélodie reprise par les clarinettes et les bassons.\u000aLa codac’est à dire la fin du mouvement, passage le plus descriptif de la symphonie, imite différents chants d’oiseaux. La flûte évoque le rossignol, auquel répondent le hautbois dans le rôle de la caille et la clarinette dans celui du coucou. Précisons que Beethoven a lui-même indiqué sur sa partition les trois noms d’oiseaux.\u000aLa fête et la joie qui lui sont associées se ressentent pleinement dans le troisième mouvement Allegro. C’est une atmosphère bucolique qui se tourne vers les réjouissances paysannes. La première partie est un scherzomouvement rapide à trois temps qui se divise en deux thèmes. Au scherzo succède une seconde partie sur un rythme de danse populaire à deux temps, pleine de contraste et comprenant également deux parties.\u000aLe quatrième mouvement, intitulé « Tonnerre - Orage », est le plus agité de la symphonie. Écoutez les premiers grondements que font entendre les violoncelles et contrebasses pendant que les seconds violons imitent les premières gouttes de pluie.\u000aAprès un brusque crescendo, voici l’orage qui éclate violemment, accentué par de grands roulements de timbales (silencieuses jusqu’ici). La tempête se calme quelques instants avant le retour de la pluie, alors qu’un nouveau crescendo amène un second orage encore plus violent.\u000aÀ la fin du mouvement, l’orage s’éloigne progressivement pour laisser place au beau temps et à la douceur du chant pastoral du dernier mouvement, véritable hymne à la nature, énoncé d’abord par les seconds violons., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000a\u000aÀ la fin du deuxième mouvement, Beethoven imite le rossignol, la caille et le coucou. Essayez de trouver ces chants d’oiseaux et comparez-les avec les imitations de Beethoven.\u000aD’autres œuvres de Beethoven ont un nom lié à la nature, à une saison ou un climat. De quelles œuvres s’agit-il ?\u000a, "," Auteur : Jean-Marc Goossens, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven"],"any_suggest":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 6, la Pastorale, Ludwig Van Beethoven, Beethoven, canonical-pad"],"Title_idx":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven"],"spellingShingle":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 6, la Pastorale, Ludwig Van Beethoven, Beethoven, canonical-pad"],"textSpelling":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 6, la Pastorale, Ludwig Van Beethoven, Beethoven, canonical-pad"],"of_title":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven"],"Title_sort":["Symphonie n° 6 « Pastorale » de Ludwig Van Beethoven"],"ContentDescription":["La Symphonie n° 6 « Pastorale » de Beethoven est probablement la plus originale de ses neuf symphonies. 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Ceux-ci lui inspirent la composition de Douze Pièces enfantines pour piano op. 65. L’année suivante, en 1936, la directrice du Théâtre Central, Nathalie Satz, lui propose de composer un conte symphonique pour enfants. Prokofiev, immédiatement séduit par ce projet, écrit à la fois la musique et l’histoire de Pierre et le Loup en seulement une semaine ! Pierre et le Loup est un cadeau non seulement pour les enfants de Moscou mais aussi pour les miens, déclare le compositeur, dont le plus jeune fils est alors âgé de 7 ans. L’œuvre est jouée pour la première fois au Théâtre Central le 2 mai 1936 et rencontre tout de suite un succès immense qui perdure toujours. Entre 1936 et 1939, Prokofiev enrichit de nouveau le répertoire de l’enfance avec ses chansons La Bavarde (une petite écolière qui se parle à elle-même), Chansonnette sucrée (un générique de publicité pour la vente de bonbons au Théâtre Central pour Enfants), et Les Petits Cochons., ","L’argument Un matin, le jeune Pierre se promène dans le pré côtoyant sa maison et rencontre un oiseau, un canard et un chat. Inquiet, le grand-père de Pierre somme le garçon de rentrer immédiatement, craignant que le loup ne surgisse. Il ramène Pierre dans le jardin dont il ferme la barrière à clé. Une fois son grand-père rentré, Pierre aperçoit effectivement le loup qui arrive et avale le canard ! Grimpant dans un arbre dont l’une des branches s’étend jusqu’au mur du jardin, le jeune garçon, aidé de l’oiseau, parvient à capturer le loup avec une corde et un nœud coulant. Lorsque les chasseurs paraissent, Pierre leur annonce qu’ils arrivent trop tard et qu’il a déjà capturé le loup. Tous conduisent la bête au jardin zoologique en une marche triomphante., ","Le langage musical Pierre et le Loup est à la fois un conte musical et une œuvre pédagogique : elle a pour but d’aider les enfants à connaître et reconnaître les instruments de musique de l’orchestre, en les associant à des personnages et des animaux. Prokofiev explique cela très clairement dans la préface de l’œuvre :\u000aChacun des personnages de ce conte est représenté par un instrument de l’orchestre : l’oiseau par la flûte, le canard par le hautbois, le chat par la clarinette staccato dans un registre grave, le grand-père par le basson, le loup par des accords de trois cors d’harmonie, Pierre par le quatuor à cordes, les coups de feu des chasseurs par les timbales et la grosse caisse. Avant l’exécution, il est préférable de présenter ces divers instruments aux enfants et de leur jouer des leitmotivs. De cette façon, ils apprendront sans effort à identifier les différents instruments de l’orchestre.\u000aL’histoire, écrite par Prokofiev lui-même, est donc construite en ce sens :\u000a\u000aDans la première partie, l’auditeur peut entendre la présentation des personnages qui apparaissent dans cet ordre : Pierre (les instruments à cordes), l’oiseau (la flûte traversière), le canard (le hautbois), le chat (la clarinette), le grand-père (le basson), le loup (les cors). Seuls les chasseurs, représentés par les percussions, n’apparaissent qu’à la fin du conte.\u000aDans la partie centrale se noue l’action, déclenchée par l’arrivée du loup : il brise l’harmonieux équilibre que formaient les animaux dans le pré. Le drame s’amplifie au moment où le loup avale le canard, et où Pierre montre son ingéniosité pour attraper la bête.\u000aEnfin, l’arrivée des chasseurs permet à Prokofiev d’illustrer sa morale : le courage et l’habileté de Pierre, qui n’est qu’un enfant, ont prévalu sur la violence des adultes chasseurs. L’histoire se termine par une marche triomphale sur le thème musical de Pierre, joué de façon magistrale par tout l’orchestre.\u000a\u000aLe texte intégral de Pierre et le Loup est à retrouver ici (PDF - 656Ko).\u000aProkofiev n’a jamais eu peur de choquer avec sa musique : même s’il maîtrise parfaitement les codes classiques, il souhaite par-dessus tout créer son propre style ne ressemblant à aucun autre. Pourtant, au moment de la création de Pierre et le Loup, son état d’esprit est un peu différent. Après plusieurs années d’exil (ayant fui la Russie et la guerre civile en 1918), il envisage alors un retour définitif en URSS et s’attache à se rapprocher de l’esprit soviétique. Il souhaite donc que son langage musical puisse être compris de tous : l’œuvre utilise des harmonies simples, des thèmes musicaux très identifiés, mais reste fidèle à ses domaines de prédilection que sont le rythme comme moteur de la phrase ainsi que la multiplicité des thèmes. Les mélodies composées par Prokofiev dans Pierre et le Loup correspondent à la mission pédagogique que le compositeur s’est donnée : elles caractérisent fortement les différents personnages, sont écrites dans un langage musical très clair, mais néanmoins sans trahir le style incomparable du compositeur., ","Focus sur les thèmes Le thème de Pierre est joué par les cordes : la mélodie, au violon, est accompagnée par les autres cordes qui donnent une impression de légèreté. C’est une musique entraînante, joyeuse. Les rythmes pointés et les notes piquées évoquent l’enfant qui marche en sautillant. La phrase musicale, chantante, est facile à retenir.\u000a\u000aLe thème de l’oiseau est donné à la flûte traversière, qui joue d’abord complètement seule. La mélodie, dans l’aigu et très rapide, est émaillée de petites notes (appoggiatures) qui, associées au timbre de l’instrument, accentuent la ressemblance avec un chant d’oiseau. La deuxième partie du thème évoque l’animal qui volette d’une branche à l’autre.\u000a\u000aC’est le hautbois qui joue le thème du canard : son timbre « nasillard » rappelle les « coin-coin » de l’animal. La mélodie, écrite dans la tessiture grave de l’instrument, est lente et mélancolique. Les notes longues et les mouvements chromatiques (par demi-ton) donnent l’impression d’une plainte. Clarinette, basson et altos accompagnent la mélodie, dans un registre grave également.\u000a\u000aLe chat est représenté par la clarinette, uniquement accompagnée des pizzicatos de la contrebasse puis de toutes les cordes. Le timbre feutré de l’instrument évoque le pas de velours de l’animal, tandis que la mélodie en notes piquées, qui monte et descend sans cesse, rappelle son agilité.\u000a\u000aLe thème du grand-père est donné au basson dont le timbre sombre, dans son registre grave, donne l’impression d’un bougonnement. Le côté menaçant est rendu par les accents répétés, tandis que le rythme caractéristique court-long évoque le boitement du grand-père. Le basson est accompagné des cordes en notes incisives et de la grosse caisse qui ponctuent la marche pesante du personnage.\u000a\u000aLe loup est représenté par trois cors jouant ensemble, apportant de la profondeur au thème. Celui-ci commence sur un accord long et posé, qui donne un effet théâtral saisissant. Le motif répété (quatre doubles + deux croches), joué en crescendo, est très menaçant. L’accompagnement des cordes en trémolos, dans lequel se fond un roulement de cymbale, accentue le côté dramatique.\u000a\u000aEnfin, les chasseurs sont évoqués par la timbale soliste, dont le roulement en crescendo est accompagné par la caisse claire afin d’amplifier l’effet dramatique. Les coups de fusil sont figurés par les accents et les notes rapides du motif suivant le roulement.\u000a, "," L'essentiel\u000a\u000aProkofiev a composé Pierre et le Loup en 1936, à la demande de la directrice du Théâtre Central pour Enfants de Moscou.\u000aProkofiev a écrit le texte et composé la musique (version piano) en une semaine. La pièce a rencontré un immense succès.\u000aPierre et le Loup est à la fois un conte musical et une œuvre pédagogique pour présenter les instruments de l’orchestre aux enfants.\u000aIl y a sept personnages, tous représentés par un instrument (ou une famille d’instruments) de l’orchestre.\u000a, "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000a\u000aÉcouter d’autres œuvres qui permettent de présenter les instruments de l’orchestre : The Young Person's Guide to the Orchestra de Britten (1946), Le Carnaval des animaux de Saint-Saëns (composé en 1886, il a pour vocation première de faire rire et non de s’adresser aux enfants, mais permet d’associer différents instruments à des animaux).\u000aÉcouter d’autres œuvres de Prokofiev : ses ballets Roméo et Juliette et Cendrillon, ses concertos pour piano, ses symphonies...\u000aLire d’autres contes où le loup est l’un des protagonistes : Le Petit Chaperon rouge, Les Trois Petits Cochons, Le Loup et les sept chevreaux. Lire les fables de La Fontaine : Le Loup et l’agneau, Le Loup et le chien, Le Loup et les brebis, Le Loup devenu berger...\u000aÉcouter d’autres contes mis en musique : L’Enfant et les sortilèges ou Ma Mère l'Oye de Ravel, Hänsel et Gretel d’Humperdinck, Casse-Noisette ou La Belle au bois dormant de Tchaïkovski, Le Château de Barbe-Bleue de Bartók.\u000aÉcouter et regarder différentes versions de Pierre et le Loup (la version de Walt Disney, celle de Suzie Templeton...)\u000a, "," Auteure : Bérénice Blackstone, "," Imprimer, ","Ressources Pierre et le Loup - texte intégral (PDF-656 Ko)\u000aPierre et le Loup - fiche activités (PDF-500 Ko), ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Pierre et le Loup de Sergueï Prokofiev"],"any_suggest":["Pierre et le Loup de Sergueï Prokofiev","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Pierre et le Loup, Sergueï Prokofiev, canonical-pad"],"Title_idx":["Pierre et le Loup de Sergueï Prokofiev"],"spellingShingle":["Pierre et le Loup de Sergueï Prokofiev","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Pierre et le Loup, Sergueï Prokofiev, canonical-pad"],"textSpelling":["Pierre et le Loup de Sergueï Prokofiev","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Pierre et le Loup, Sergueï Prokofiev, canonical-pad"],"of_title":["Pierre et le Loup de Sergueï Prokofiev"],"Title_sort":["Pierre et le Loup de Sergueï Prokofiev"],"ContentDescription":["Composé en 1936 par Prokofiev, Pierre et le Loup est à la fois un conte musical et une œuvre pédagogique : elle a pour but d’aider les enfants à connaître et reconnaître les instruments."],"ThumbSmall":["https:\/\/drop.philharmoniedeparis.fr\/CMDP\/CMDP000009500\/Pierre-et-le-Loup-Sandrine-Kao_350.jpg"],"ThumbMedium":["https:\/\/drop.philharmoniedeparis.fr\/CMDP\/CMDP000009500\/Pierre-et-le-Loup-Sandrine-Kao_350.jpg"],"ThumbLarge":["https:\/\/drop.philharmoniedeparis.fr\/CMDP\/CMDP000009500\/Pierre-et-le-Loup-Sandrine-Kao_350.jpg"],"ThumbnailFromUrl":["https:\/\/admin-ressources.philharmoniedeparis.fr\/portal.aspx?p=4196"],"Language":["français"],"Language_idx":["fr","français"],"Language_exact":["français"],"LanguageId_exact":["1036"],"Scope":["Tous les sites","Archimed - 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Ce ballet se distingue par la remarquable qualité de sa musique.\u000a<\/p>\u000a<p class=\"page-cms\">\u000a <a class=\"link-absoluteUri btn btn-default\" href=\"https:\/\/edutheque.philharmoniedeparis.fr\/0796242-casse-noisette-de-piotr-ilitch-tchaikovski.aspx\" title=\"Consulter\" id=\"2021\">Consulter<\/a>\u000a<\/p>\u000a<\/div>\u000a<style>\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a<\/style>\u000a<!-- \/CMS SHORT -->\u000a","FieldList":{"sys_support":["CMS"],"Identifier":["2021"],"Identifier_idx":["2021"],"any":["2021","Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski","Casse-Noisette de Tchaïkovski est un ballet dont l’argument s'inspire de la version d’Alexandre Dumas d'un conte d'Hoffmann. 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Hoffmann, Casse-Noisette et le roi des souris\u000a\u000a\u000aComposition\u000aen 1891-1892\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 18 décembre 1892 au Théâtre Mariinsky à Saint-Pétersbourg, sur une chorégraphie de Lev Ivanov et sous la direction de Riccardo Drigo\u000a\u000a\u000aForme\u000aballet en deux actes\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000avoix : chœur de 24 voix d’enfants ou de femmesbois : 3 flûtes (dont 1 piccolo), 2 hautbois, 1 cor anglais, 2 clarinettes, 1 clarinette basse, 2 bassonscuivres : 4 cors, 2 trompettes, 3 trombones, 1 tubapercussions : timbales, cymbales, grosse caisse, triangle, tam-tam, tambourin, castagnettes, glockenspiel, célesta, jouets (hochet, coucou...)cordes pincées : 2 harpescordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Un ballet classique dans la lignée des romantiques Marius Petipa, 1899. Library of Congress\u000aTchaïkovski est avant tout un compositeur romantique reconnu pour ses nombreux ballets : Le Lac des cygnes, La Belle au bois dormant et bien sûr Casse-Noisette. À cette époque, en Russie, le ballet classique est particulièrement à la mode : des chorégraphes de renom, comme le français Marius Petipadanseur et chorégraphe français né en 1818 et mort en 1910, particulièrement connu pour avoir fait les beaux jours du ballet classique en Russie, mettent en scène des danseuses qui évoluent désormais sur scène en tutu court qui laisse les jambes libres et en pointes pour produire des figures d’une extrême élégance. Le ballet Casse-Noisette se distingue par la qualité de sa musique qui reste encore aujourd’hui dans les mémoires.\u000aL’argument\u000aL’histoire de Casse-Noisette mise en musique par Tchaïkovski s’inspire de l’écrivain Alexandre Dumasécrivain français né en 1802 et mort en 1870. Une petite fille, Clara, reçoit à Noël un casse-noisette en bois, qui a la forme d’un petit bonhomme. La nuit, les souris attaquent les jouets que Clara défend avec vigueur. Le casse-noisette se transforme alors en prince charmant, et entraîne Clara dans son royaume, le royaume des sucreries. La fée Dragée organise de grandes fêtes pour recevoir les deux visiteurs : de nombreux numéros de danse se succèdent devant eux, exécutés par les sujets de ce royaume magique.\u000aPour la musique, Tchaïkovski utilise l’orchestre symphonique traditionnel en y ajoutant certains instruments inhabituels comme le célestasorte de petit piano dont les marteaux frappent des lames de métal, inventé en 1868 par Mustel qu’il vient de découvrir à Paris lors de l’un de ses voyages. Il est l’un des premiers compositeurs à utiliser cet instrument en Russie., ","Focus sur quelques numéros du ballet Alexandre Dumas, Histoire d’un casse-noisette. Gallica-BnF\u000aTrepak - Danse russe\u000aPour cette danse, très brève (moins d’une minute) et très rapide, Clara et le casse-noisette sont dans le pays des délices. C’est la quatrième des danses offertes aux deux visiteurs.\u000aOn entend d’abord le premier thème, très rapide, joué quatre fois par les cordes. Le tambourin, qui intervient dès la troisième occurence du thème, en accentue le caractère vif et dansant. Un deuxième thème, dans le même esprit que le premier, est très brièvement entendu. Puis une petite transition mène à nouveau au premier thème, qui termine la pièce dans un crescendo et un accelerando étourdissant.\u000aDanse de la fée Dragée\u000aLa fée Dragée danse seule pour Clara et le casse-noisette, en visite au pays des délices. Il s’agit là aussi d’une danse très courte, d’atmosphère complètement différente du Trepak : plus mystérieuse et secrète. Elle débute par une très courte introduction, jouée en pizzicatosen pinçant les cordes avec le doigt par les cordes. Le thème principal apparaît, joué par le célesta dans un registre aigu, et ponctué par les interventions dans le grave de la clarinette basse. S’ensuit un jeu de question-réponse entre le célesta, accompagné des bassons et clarinettes, et les altos, cors et cor anglais. Une courte transition, où le célesta égrène seul de délicats arpèges, amène le retour du thème principal qui clôt la danse., "," Auteurs : Bruno Guilois et Julie David, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils {\"SearchContext\":11,\"Grid\":null,\"QueryString\":\"Identifier_idx:(2016 OR 1763)\",\"SelectionUid\":0,\"OriginalQueryString\":null,\"CloudTerms\":[],\"ScenarioCode\":\"EDUTHEQUE\",\"FacetFilter\":null,\"SortOrder\":0,\"SortField\":\"DateOfInsertion_sort\",\"SortFieldRandomSeed\":null,\"Page\":0,\"ResultSize\":3,\"SessionGuid\":null,\"ForceSearch\":false,\"TemplateValue\":null,\"TemplateParams\":{\"ScenarioCode\":\"\",\"SourceCode\":\"\",\"Support\":\"\",\"Size\":null,\"Scope\":\"\"},\"InjectFields\":true,\"XslPath\":\"Recherche\/encart_search.xslt\",\"UseCanvas\":false,\"AsyncOFInsertion\":null,\"InjectOpenFind\":false,\"ForceOpenFindUpdate\":false,\"SearchLabel\":null,\"InjectFacets\":null,\"Block\":null,\"GroupField\":null,\"GroupSize\":0,\"UseGrouping\":null,\"UseCache\":true,\"SiteCodeRestriction\":null,\"RawQueryParameters\":null,\"PageRange\":3,\"StartDateFilter\":null,\"EndDateFilter\":null,\"ListSelectionPage\":null,\"SearchTerms\":\"Identifier_idx 2016 OR 1763\",\"ScenarioDisplayMode\":\"display-standard\",\"DecodedFacets\":[]}, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : Les Ballets russes \u000a\u000a Dans le cadre des outils éducatifs, la boîte à outils Les Ballets russes de la Philharmonie de Paris permet aux enseignants de préparer leurs élèves aux concerts éducatifs des 2 et 8 octobre 2010 \u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski"],"any_suggest":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Casse-Noisette","Piotr Ilitch Tchaïkovski, canonical-pad"],"Title_idx":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski"],"spellingShingle":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Casse-Noisette","Piotr Ilitch Tchaïkovski, canonical-pad"],"textSpelling":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Casse-Noisette","Piotr Ilitch Tchaïkovski, canonical-pad"],"of_title":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski"],"Title_sort":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski"],"ContentDescription":["Casse-Noisette de Tchaïkovski est un ballet dont l’argument s'inspire de la version d’Alexandre Dumas d'un conte d'Hoffmann. 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Presto\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000aviolon solo, violons 1, violons 2, altos, violoncelles et basse continue (clavecin)\u000a\u000a\u000a, ","Qu’est-ce qu’un concerto ? Il s’agit d’une composition musicale opposant un ou plusieurs instruments solistes à un orchestre. Vivaldi, à la suite des compositeurs italiens Corelli et Torelli, participe au développement de ce genre très prisé par les générations suivantes.\u000aÀ l’époque de Vivaldi, c’est le concerto grosso qui domine : un ensemble de solistes (le concertino) dialogue avec l’orchestre (le ripieno). Progressivement, Vivaldi va faire ressortir non plus un bloc d’instruments, mais un seul soliste. Ce choix est à peu près définitif à partir des concertos du recueil La Stravaganza, édité à 36 ans. De plus, grâce au compositeur vénitien, le concerto adopte rapidement une forme en trois mouvements, vif-lent-vif, qui se généralise par la suite. Les concertos de Vivaldi sont traités de telle manière qu’ils permettent au soliste de mettre en valeur tout son talent., ","Contexte de composition Le 14 décembre 1725, la Gazette d’Amsterdam annonce la parution de l’Opus n° 8 d’Antonio Vivaldi, Il Cimento dell’Armonia e dell’ InventioneL’épreuve de l’harmonie et de l’invention, un nouveau recueil de concertos pour violon. Treize ans après son premier recueil, l’Opus n° 3 intitulé L’Estro ArmonicoPremières œuvres à être éditées chez l’important éditeur d’Amsterdam Estienne Roger, ce recueil comporte, entre autres, des concertos de soliste, grande nouveauté pour l’époque. (1711), et cinq ans après son dernier opus (1720), Vivaldi poursuit dans le genre du concerto pour soliste qu’il a largement contribué à développer. Il en fixe la forme en trois mouvements (vif-lent-vif) et généralise l’utilisation de la forme ritournellealternance de ritournelles jouées tutti (par tout l’orchestre) et de passages solistes dans les mouvements rapides.\u000aL’Opus n° 8 comprend douze concertos. Certaines de ces pièces, dont les fameuses Quatre Saisons, ont été composées avant 1725 comme le laisse entendre la dédicace de Vivaldi au comte Wenzel von Morzin : Ne soyez pas surpris, je vous prie, si, parmi ces quelques faibles concertos, V. ILL. S. retrouvera les Quatre Saisons qu’elle a accueillies autrefois avec une très généreuse bonté. Le retard de la publication est sans doute dû à des difficultés rencontrées par l’éditeurEstienne Roger, malade, décède en 1722. C’est son gendre, Michel-Charles Le Cène, qui rependra l’entreprise et publiera le recueil de Vivaldi.. Dans sa dédicace, le compositeur ajoute que les concertos des Quatre Saisons sont désormais chacun accompagnés d’un argument littéraire : un sonnet pour chaque saison (dont Vivaldi pourrait lui-même être l’auteur). La partitionIl n’existe pas de manuscrit autographe des Quatre Saisons. Les partitions les plus anciennes sont les copies de Manchester issues de la collection musicale de Pietro Ottoboni, datant peut-être de 1726. est annotée de lettres majuscules renvoyant aux différents vers des sonnets, ainsi que de commentaires explicites sur ce que la musique cherche à illustrer (« le chien aboie », « vents violents » ou encore « la complainte du villageois »). Vivaldi utilise de nombreux effets et figuralismesprocédés qui permettent d'évoquer musicalement une idée, un sentiment déjà largement employés dans l’opéra, un genre dont il maîtrise à la perfection les codesVivaldi revendique avoir composé plus de 90 opéras. Même si ce nombre est sans doute exagéré, on en recense toutefois plus de 40.. Les ritournelles tuttipar tout l’orchestre des mouvements rapides peignent le décor et l’ambiance générale, tandis que les passages solistes expriment des détails plus précis (comme des chants d’oiseaux bien spécifiques : coucou, tourterelle…). Les mouvements lents, plus statiques, chargés d’une atmosphère souvent pesante, sont le prétexte aux instants de repos et de sommeil., ","Texte du poème accompagnant le concerto \u000aI. Allegro mà non moltoA. Sotto dura Stagion dal Sole accesa Langue l’Uom, langue ’l Gregge, ed arde il PinoB. Scioglie ’l Cucco la voce, e tosto intesaC. Canta la Tortorella, e ’l Gardelino.D. Zeffiro dolce spira, mà contesa Muove Borea improviso al suo vicinoE. E piange il Pastorel, perchè sospesa Teme fiera borasca, e ’l suo destino.\u000aII. AdagioF. Toglie alle membra lasse il suo riposo Il timore de’ Lampi, e tuoni fieri E de’ mosche, e mossoni il stuol furioso.\u000aIII. PrestoG. Ah che pur troppo i suoi timor son veri Tuona, fulmina il Ciel, e grandinoso Tronca il capo alle spiche, e à grani altieri.\u000a\u000a\u000aI. Allegro mà non moltoA. Par la dure saison qu’attise le soleil ardentL’homme est harassé, ainsi que le troupeau, et le pin se consume ;B. Le coucou retrouve sa voix et joint son chantC. À celui de la tourterelle, puis du chardonneret.D. Zéphyr passe doucement ;Mais Borée qui arrive le bouscule.E. Inquiet, le berger pleureCar il craint la rude bourrasque et ses effets.\u000aII. AdagioF. Les éclairs, les coups de tonnerre Le vrombissement furieux des mouches et des insectes L’empêchent de se reposer et de soulager ses membres las.\u000aIII. PrestoG. Ah comme ses craintes sont réelles ! Il tonne ; la foudre gronde dans le ciel et la grêle Couche au sol les blés, et tous les autres grains.\u000a\u000aLe texte en italien est tiré de la partition éditée par Bärenreiter en 2002. La traduction du texte est tirée du livre Antonio Vivaldi de Sylvie Mamy, Éditions Fayard, 2011., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro mà non molto\u000aCe premier mouvement plonge immédiatement l’auditeur dans la torpeur provoquée par la chaleur de l’été. La lassitude de « l’homme harassé » sous « le soleil ardent » (A) est figurée par les gammes descendantes liées, relayées entre les violons et les cordes graves. On se laisse alors bercer par le balancement langoureux de la ritournelle introductive : un rythme anapeste (deux brèves + une longue) répété, chaque fois donné un ton plus bas et suivi d’un silence éloquent. Soudain, le chant du coucou retentit (B) : le premier solo du violon est une suite effrénée de notes rapides, régulièrement ponctuée d’un intervalle de tierce descendante, caractéristique du chant du coucou. La ritournelle langoureuse revient avant le deuxième solo de violon, chantant la tourterelle et le chardonneret (C). Le tutti qui suit évoque le vent qui se lève (D) : d’abord doucement, nuance piano, puis en bourrasques tournoyantes, forte. Le berger inquiet émet un chant plaintif (E) : la ligne mélodique, sinueuse, crée des dissonances avec la basse qui procède par mouvements chromatiquespar demi-tons descendants. Le retour de la bourrasque clôt le mouvement : avec toutes les cordes à l’unisson\/octave, sans ritournelle de fin, le vent violent triomphe de l’atmosphère pesante de l’été.\u000aII. Adagio\u000aLe berger n’en finit pas de se plaindre dans ce deuxième mouvement : après les bourrasques du vent, les mouches et autres insectes l’empêchent de dormir (F). Ceux-ci sont figurés par un motif pointé aux violons répété en ostinatomotif mélodique et\/ou rythmique, inlassablement répété , tandis que le violon solo émet par-dessus sa complainte. Par moments, le grondement menaçant de l’orage qui approche se fait entendre dans les trémolosrépétition très rapide d’une même note des cordes à l’unisson\/octave.\u000aIII. Presto\u000aL’orage (G) est enfin là dans le dernier mouvement. La ritournelle d’introduction fait entendre plusieurs éléments figurant la tempête : le tonnerre est représenté par les trémolos des cordes à l’unisson\/octave (déjà entendus dans le deuxième mouvement), les bourrasques de pluie et de vent par les grandes gammes descendantes, les éclairs par les fusées ascendantes… Les ritournelles orageuses alternent avec des passages solistes, très virtuoses, qui ont fait le succès de cette pièce., "," La Moisson, de Pieter Bruegel l'ancien, 1565. Metropolitan Museum CC0, "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000aMusique\u000aLes saisons sont un thème abordé par de nombreux compositeurs, à toutes les époques. Elles font l’objet de compositions appartenant à tous les genres musicaux :\u000a\u000ala musique de ballet : Lully, Glazounov, Stravinski, Cage, ou encore Verdi pour le ballet intégré dans son opéra Les Vêpres siciliennes ;\u000ales compositions symphoniques : Rondes de printemps de Debussy, la Symphonie n° 1 « Le Printemps » de Schumann, la Symphonie n° 1 « Rêves d'hiver » de Tchaïkovski, Les Chasseurs dans la neige de Dufourt ;\u000ales œuvres chorales : Spring Symphony de Britten, l'oratorio Les Saisons de Haydn, Le Bûcher d’hiver de Prokofiev ;\u000ales pièces pour piano : Étude op. 25 n° 11 « Le Vent d’hiver » de Chopin, Les Saisons de Tchaïkovski ;\u000ade nombreux textes évoquant les saisons sont également mis en musique par les compositeurs dans des mélodies, des lieder, des madrigaux...\u000a\u000aArts visuels\u000aAux XVIIe et XVIIIe siècles, les saisons sont un thème récurrent dans les arts décoratifs (papiers peints, gravures, porcelaines…), mais également dans la sculpture et la peinture :\u000a\u000aen peinture, les saisons peuvent être représentées à travers des paysages ou des scènes de vie (la série Les Saisons de Poussin, les six tableaux du Cycle des saisons de Brueghel l’Ancien), ou par des personnages allégoriques (les peintures de Andrea Casali, de Pierre Gobert, Allégorie de l’été et l’hiver de Giovanni Battista Pittoni) ;\u000aen sculpture, la représentation des saisons est presque toujours allégorique : Le Printemps et L’Automne de François Barois, L’Hiver de Pierre Legros l’Aîné ou de Jean-Melchior Raon, sans compter les nombreuses sculptures dans le parc du château de Versailles.\u000a, "," Auteurs : Jean-Marc Goossens, Floriane Goubault et Jean-Marie Lamour, "," Imprimer, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité sur le portail Éduthèque de la Philharmonie de Paris.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"any_suggest":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Antonio Vivaldi, L'Été des Quatre saisons, canonical-pad"],"Title_idx":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"spellingShingle":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Antonio Vivaldi, L'Été des Quatre saisons, canonical-pad"],"textSpelling":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Antonio Vivaldi, L'Été des Quatre saisons, canonical-pad"],"of_title":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"Title_sort":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"ContentDescription":["L’Été, extrait des Quatre Saisons de Vivaldi, est un concerto pour violon édité en 1725. 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un avis argumenté sur ce que représente ou exprime une œuvre d’art","_|_|HDAC3-1 - Donner un avis argumenté sur ce que représente ou exprime une œuvre d’art","24|1036|MusC2-74 - Repérer des éléments d’organisation","24|_|MusC2-74 - Repérer des éléments d’organisation","_|1036|MusC2-74 - Repérer des éléments d’organisation","_|_|MusC2-74 - Repérer des éléments d’organisation","24|1036|MusC4-T32 - … par répartition et organisation temporelles des masses sonores","24|_|MusC4-T32 - … par répartition et organisation temporelles des masses sonores","_|1036|MusC4-T32 - … par répartition et organisation temporelles des masses sonores","_|_|MusC4-T32 - … par répartition et organisation temporelles des masses sonores","24|1036|MusC4-R18 - Temps binaire et temps ternaire","24|_|MusC4-R18 - Temps binaire et temps ternaire","_|1036|MusC4-R18 - Temps binaire et temps ternaire","_|_|MusC4-R18 - Temps binaire et temps ternaire","24|1036|MusC4-S36 - Par association de fonctions (ligne mélodique 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Le Jardin féérique\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000apiano à quatre mains\u000a\u000a\u000aOrchestration de Maurice Ravel\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique symphonique\u000a\u000a\u000aComposition\u000aen 1911\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 2 flûtes (dont 1 piccolo), 2 hautbois (dont 1 cor anglais), 2 clarinettes, 2 bassons (dont 1 contrebasson) cuivres : 2 corspercussions : timbales, cymbales, grosse caisse, tam-tam, glockenspiel, xylophone, célesta cordes pincées : 1 harpecordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000aAdaptation pour le ballet de Maurice Ravel\u000a\u000a\u000aGenre\u000aballet\u000a\u000a\u000aArgument\u000ade Maurice Ravel\u000a\u000a\u000aComposition\u000aen 1911\u000a\u000a\u000aDédicataire\u000aJacques Rouché\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 28 janvier 1912 au Théâtre des Arts, à Paris\u000a\u000a\u000aForme\u000aballet en un acte, cinq tableaux et une apothéose : PréludeTableau I. Danse du rouet et ScèneTableau II. Pavane de la Belle au bois dormantInterludeTableau III. Les Entretiens de la Belle et de la BêteInterludeTableau IV. Petit PoucetInterludeTableau V. Laideronnette, impératrice des pagodesInterludeApothéose : Le Jardin féérique\u000a\u000a\u000a, ","La genèse de l’œuvre Frontispice pour les Contes de ma mère l’Oye. The Pierpont Morgan Library\u000aRavel compose cette suite de cinq pièces en 1908 pour Jean et Marie, les enfants de ses amis, les Godebski. Le titre évoque le recueil de huit contes de fées de Charles Perrault, Les Contes de ma mère l’Oyesynonyme en fait à cette époque de contes de fées (1697), mais Ravel s’inspire également de contes de la comtesse d’Aulnoy et de Mme Leprince de Beaumont, dont il fait parfois figurer des citations en introduction à sa musique : Le dessein d’évoquer dans ces pièces la poésie de l’enfance m’a naturellement conduit à simplifier ma manière et à dépouiller mon écriture. Aussi, cette œuvre est justement créée par les deux enfants, alors de six et dix ans, le 20 avril 1910 à la salle Gaveau à Paris. Mais c’est sa version pour orchestre, réalisée en 1911, qui s’est surtout imposée. Cette nouvelle version est ensuite enrichie pour devenir un ballet en l’honneur de Jacques Rouchémécène français qui a notamment dirigé l’Opéra de Paris de 1914 à 1939, sur un argument de Ravel lui-même, créé le 28 janvier 1912., ","La suite pour orchestre et le ballet La suite pour orchestre comporte cinq pièces, auxquelles ont été ajoutés pour le ballet un Prélude, La Danse du rouet et plusieurs interludes. Ravel emploie pour ces deux versions un orchestre réduitcordes, bois et cors par deux, harpe et percussions dont il va utiliser les timbres avec subtilité tout en privilégiant une écriture très proche de celle de la musique de chambre., ","Les cinq pièces de la suite \u000a\u000a\u000aLes cinq pièces de la suite\u000a\u000a\u000aPavane de la Belle au bois dormant\u000ala mineur, lent, à 4\/4\u000aD’après Charles Perrault, 1697\u000a\u000a\u000aPetit Poucet\u000aut mineur, très modéré, à 3\/4\u000a\u000a\u000aLes Entretiens de la Belle et de la Bête\u000afa majeur, mouvement de valse très modéré, à 3\/4\u000aD’après Madame Leprince de Beaumont, 1757\u000a\u000a\u000aLaideronnette, impératrice des pagodes\u000afa # majeur, mouvement de marche, à 2\/4\u000aD’après la comtesse d’Aulnoy\u000a\u000a\u000aLe Jardin féérique\u000aut majeur, lent et grave, à 3\/4\u000a \u000a\u000a\u000a, ","<cite>Les Entretiens de la Belle et de la Bête<\/cite> Quand je pense à votre bon cœur, vous ne me paraissez pas si laid. ― Oh ! Dame oui ! J’ai le cœur bon, mais je suis un monstre. ― Il y a bien des hommes qui sont plus monstres que vous. ― Si j’avais de l´esprit, je vous ferais un grand compliment pour vous remercier, mais je ne suis qu’une bête. [...] La Belle, voulez-vous être ma femme ? ― Non, la Bête ! [...] ― Je meurs content puisque j’ai le plaisir de vous revoir encore une fois. ― Non, ma chère Bête, vous ne mourrez pas : vous vivrez pour devenir mon époux ! - … La Bête avait disparu et elle ne vit plus à ses pieds qu’un prince plus beau que l’Amour qui la remerciait d’avoir fini son enchantement. Mme Leprince de Beaumont\u000aSans doute le moment le plus poétique et le plus descriptif de l’œuvre, Ravel y fait s’entretenir sur un rythme de valse lente une clarinette à la mélodie aimable et un contrebasson au timbre rauque et au motif volontairement gauche. Présentés d’abord séparément, les motifs passent ensuite d’un instrument à l’autre et s’enchaînent, créant un dialogue qui s’emporte dans un crescendo presque dramatique. Après une mesure de silence, un glissando de la harpe annonce la métamorphose de la Bête en prince, du thème maladroit du contrebasson en tendre solo de violon, repris ensuite par un violoncelle auquel répond lentement, au piccolo et à la harpe, le motif de la Belle., "," La Belle et la Bête en conversation, illustration de Walter Crane. NY Public Library, digital collections, ","<cite>Laideronnette, impératrice des pagodes<\/cite> Elle se déshabilla et se mit dans le bain. Aussitôt pagodes et pagodines se mirent à chanter et à jouer des instruments : tels avaient des théorbes faits d’une coquille de noix ; tels avaient des violes faites d’une coquille d’amande ; car il fallait bien proportionner les instruments à leur taille. Mme d’Aulnoy, Serpentin Vert.\u000aŒuvre à l’harmonie et aux sonorités surprenantes, elle est construite en trois parties. Dans la première, le piccolo entre sur un motif léger, teinté de pentatonisme, auquel succède un dialogue initié par le hautbois avec le cor anglais et la flûte. La partie centrale se différencie par un ton plus solennel. Ravel mêle cette fois les timbres de la flûte, du cor, du célesta et de la harpe sur des coups répétés du tam-taminstrument similaire au gong, mis à part que le tam-tam est un instrument à son indéterminé qui vient appuyer l’évocation de l’orient. Après le retour du premier épisode, la pièce se termine sur un crescendo aboutissant à un accord coloré construit sur les cinq sons de l’échelle pentatonique., ","En résumé \u000a\u000a\u000aLe genre\u000aSuite pour orchestre\/ballet\u000a\u000a\u000aLes Entretiens de la Belle et de la Bête\u000a\u000a\u000aZoom sur :\u000aLa clarinette (la Belle), le contrebasson (la Bête), le violon (le prince) \u000a\u000a\u000aLa forme\u000aMotif de la Belle\u000aMotif de la Bête\u000aDialogue\u000aMétamorphose\u000a\u000a\u000aLaideronnette, impératrice des pagodes\u000a\u000a\u000aZoom sur :\u000a La flûte traversière et le tam-tam \u000a\u000a\u000aLa forme\u000aAMotif léger, dialogue, timbres « purs »\u000aB Solennel, mélanges des timbres\u000aA \u000a\u000a\u000a, "," Auteure : Aurélie Loyer, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Ma mère l’Oye de Maurice Ravel"],"any_suggest":["Ma mère l’Oye de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Ma mère l’Oye, Maurice Ravel, canonical-pad"],"Title_idx":["Ma mère l’Oye de Maurice Ravel"],"spellingShingle":["Ma mère l’Oye de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Ma mère l’Oye, Maurice Ravel, canonical-pad"],"textSpelling":["Ma mère l’Oye de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Ma mère l’Oye, Maurice Ravel, canonical-pad"],"of_title":["Ma mère l’Oye de Maurice Ravel"],"Title_sort":["Ma mère l’Oye de Maurice Ravel"],"ContentDescription":["Ma mère l’Oye de Ravel est une suite de pièces pour piano inspirées de contes. 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Gallica-BnF, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel\u000a\u000a\u000aGenre\u000aopéra : fantaisie lyrique\u000a\u000a\u000aLibrettiste\u000aColette\u000a\u000a\u000aLangue du livret\u000afrançais\u000a\u000a\u000aComposition\u000aentre 1919 et 1925 (premières ébauches en 1916) à Montfort-l’Amaury (à partir de 1921)\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 21 mars 1925 à l’Opéra de Monte-Carlo\u000a\u000a\u000aForme de l’œuvre\u000afantaisie lyrique en deux parties\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000avoix : solistes et chœur d’enfantsbois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois, 1 cor anglais, 1 petite clarinette, 2 clarinettes, 1 clarinette basse, 2 bassons, 1 contrebassoncuivres : 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, 1 tubaspercussions : timbales, 1 petite timbale, triangle, tambour, cymbales, grosse caisse, tam-tam, fouet, crécelle (à manivelle), râpe à fromage, wood-block, éoliphone, crotales, flûte à coulisse, xylophone, luthéalLe luthéal est un instrument à clavier inventé en 1919. À défaut de luthéal, Ravel préconise un piano droit préparé (avec de très fines lames métalliques entre les cordes et les marteaux, et des feuilles de papier sur les cordes) de façon à obtenir un timbre rappelant ceux du cymbalum et du clavecin., célestacordes pincées : harpecordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","La genèse Colette, photographie de presse, Agence de presse Mondial Photo-Presse, 1932. Gallica-BnF\u000aEn 1914, le directeur de l’Opéra de Paris, Jacques Rouché, commande un livret à l’écrivaine Colette, qui l’élabore en 1916. Ravel est rapidement pressenti pour écrire la musique, mais il se montre – dans un premier temps – peu enthousiaste pour ce projet alors intitulé Ballet pour ma fille. Après de nombreux échanges entre Colette et Ravel, le projet prend forme peu à peu, avançant toutefois très lentement. Ce n’est véritablement qu’en 1924 que Ravel se plonge dans la composition de l’œuvre, ne terminant l’écriture que cinq jours avant la création. Celle-ci n’aura pas lieu à l’Opéra de Paris comme initialement prévu (les tergiversations de Ravel ont-elles eu raison de la patience du directeur ?), mais à Monte-Carlo, où L’Enfant et les sortilèges reçoit un accueil très enthousiaste. L’œuvre est reprise l’année suivante à l’Opéra Comique à Paris.\u000aRésumé de l’histoire\u000aPartie 1 : dans la maison Alors qu’il ne veut pas faire ses devoirs, l’Enfant tire la langue à Maman, qui le punit. Rageur, l’Enfant passe sa colère sur les animaux et les objets autour de lui… mais ils prennent vie et décident de se révolter contre l’Enfant méchant. Commence alors le ballet de sortilèges imaginé par Colette : le Fauteuil, le Canapé et la Bergère se dérobent ; l’Horloge, dont le balancier est cassé, pleure son désespoir ; la Théière et la Tasse dansent un ragtime ; le Feu de la cheminée le menace ; le Pâtre et la Pastourelle de la tenture déchirée se plaignent de leur sort ; une Princesse d’un conte et un Vieillard d’un livre d’arithmétique lui exposent leurs problèmes ; un « Duo miaulé » de Chats ne le laisse pas dormir.\u000aPartie 2 : dans le jardin La Libellule, le Rossignol, les Rainettes (représentées par des onomatopées), la Chouette, la Chauve-souris, les Arbres , etc., se plaignent tour à tour du comportement de l’Enfant, avant de se réunir en chœur pour décider de le punir. Dans la bagarre, l’Écureuil est blessé et l’Enfant le soigne. Émus par ce beau geste, arbres et animaux appellent Maman et accompagnent l’Enfant jusqu’à la maison., "," L’Enfant et les sortilèges, 2e tableau, estampe, 1926. Gallica-BnF, ","Les personnages et leur voix L’Enfant, mezzo-soprano Maman, contralto La Bergère, soprano La Tasse chinoise, mezzo-contralto Le Feu, soprano léger La Princesse, soprano léger La Chatte, mezzo-soprano La Libellule, mezzo-soprano Le Rossignol, soprano léger La Chauve-Souris, soprano La Chouette, soprano L’Écureuil, mezzo-soprano Une Pastourelle, soprano Un Pâtre, contralto Le Fauteuil, basse chantante L’Horloge comtoise, baryton La Théière, ténor Le Petit Vieillard, ténor léger Le Chat, baryton L’Arbre, basse La Rainette, ténor Le Banc, le Canapé, le Pouf, la Chaise de paille, chœur d’enfants Les Chiffres, chœur d’enfants Les Pastoures, les Pâtres, chœur Les Rainettes, les Bêtes, les Arbres, chœur, ","Une fantaisie lyrique avec le sourire Ravel déclara en 1925 : La partition de L’Enfant et les Sortilèges est un mélange très fondu de tous les styles de toutes les époques, de Bach jusqu’à... Ravel.... ! Cela va de l’opéra à l’opérette américaine, en passant par le jazz-band ! En effet, la partition apparaît comme une sorte de florilège de pastiches, permettant à Ravel de prendre ses distances avec la tradition, sans totalement s’en détourner. Voici quelques-uns de ces pastiches :\u000a\u000aMenuet (danse à trois temps devenue majestueuse) du XVIIe siècle dans la scène du Fauteuil.\u000aRagtime de la Théière et la Tasse, sur une parodie « orientale » utilisant un mode pentatonique (de cinq sons). Ravel montre ici sur goût pour le jazz nouvellement arrivé en Europe, ainsi que pour l’exotisme.\u000aUn air à vocalises pour le Feu, dans la tradition du bel canto.\u000aPastiche d’une chanson de la Renaissance avec le Pâtre et la Pastourelle : ostinato rythmique, bourdon.\u000aParodie d’écriture à la manière de Massenet ou Puccini avec l’intervention de la Princesse : épanchement lyrique mettant en valeur la voix, réalisme dans l’expression des émotions, orchestration contrastée (allant de l’instrument seul au tutti d’orchestre).\u000aAutocitation de La Valse dans la Danse des rainettes.\u000aFugue à la fin de l’œuvre : cet alliage complexe de lignes mélodiques symbolise la réconciliation de tous les personnages tout en rendant hommage à la grande tradition d’écriture occidentale, Johann Sebastian Bach en tête.\u000a, "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000a\u000aLe début et la fin de l’œuvre pourront être comparés : les élèves remarqueront que l’on retrouve la même mélodie des hautbois. Ils pourront s’interroger sur ce choix de Ravel, et en trouver le sens.\u000aÉcouter Histoires naturelles sur un texte de Jules Renard, où l’on retrouve le Ravel ami des animaux. Pour les jeunes, la thématique des chats en musique peut être poursuivie avec le Duo des chats de Rossini, le thème du chat dans Pierre et le Loup de Prokofiev et les Berceuses du chat de Stravinski.\u000aIl peut être pertinent de faire entendre, pour chaque pastiche, le « modèle » dont il s’inspire : un ragtime de Scott Joplin, une fugue de Bach, un air de Puccini, etc.\u000aL’essor du jazz en Europe, et son appropriation par les compositeurs savants est une thématique intéressante. D’autres œuvres influencées par le jazz pourront être étudiées : le deuxième mouvement intitulé Blues de la Sonate pour violon n° 2 de Ravel, Golliwog’s cake-walk extrait des Children’s Corner de Debussy, Piano Rag Music de Stravinski, mais aussi Rhapsody in Blue de Gershwin.\u000a, "," Auteur : Antoine Mignon, "," Imprimer, ","Ressources Fiche activité - Classes de primaire - L’Enfant et les sortilèges (PDF-273 Ko), ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel"],"any_suggest":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'Enfant et les sortilèges, Maurice Ravel, canonical-pad"],"Title_idx":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel"],"spellingShingle":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'Enfant et les sortilèges, Maurice Ravel, canonical-pad"],"textSpelling":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'Enfant et les sortilèges, Maurice Ravel, canonical-pad"],"of_title":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel"],"Title_sort":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel"],"ContentDescription":["D’abord peu emballé par le projet, Ravel met du temps à composer son opéra L’Enfant et les sortilèges sur un livret de Colette. 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Metropolitan Museum CC0, ","Douce nuit ? Nuit sereine, reposante, étoilée, charmante, ou nuit obscure, énigmatique, tourmentée, inquiétante : lieu de l’imaginaire et de l’inconscient, la nuit inspire les artistes et exalte leur créativité. De la simple berceuse aux plus grandes formes musicales, les compositeurs déclinent les aspects infinis de cette nuit multiple., ","Nuit paisible Sérénade espagnole dans le Barbier de Séville de Rossini, par Carl Spitzweg, 1856. Bildarchiv Foto Marburg\u000aLa berceuse : C’est la chanson qui berce les plus petits. Elle séduit les compositeurs de liederLes lieder (se prononce « lideur ») sont des pièces brèves pour voix et piano, parfois pour voix et orchestre, composées sur des poèmes en langue allemande. Au singulier, on emploie le mot « lied ». comme Schubert, Mendelssohn ou Brahms. Elle peut aussi prendre des formes très complexes tout en conservant ses caractéristiques (tempo lent, nuance douce, répétition d’un motif) quand elle devient instrumentale, telle la Berceuse pour piano de Frédéric Chopin.\u000aLa sérénade : Œuvre du crépusculeLe mot « sérénade » vient de l’italien sera qui signifie « soir »., vouée à rendre hommage, à séduire, mais aussi au divertissement, il en existe des formes chantées et instrumentales dans toute l’histoire de la musique. La sérénade instrumentale la plus connue est sans doute la Petite Musique de nuit de Mozart.\u000aLe nocturne : Le nocturne instrumental est apparu plus tardivement. Inspiré par John Fieldcompositeur et pianiste irlandais ; 1782-1837, initiateur du genre au début du XIXe siècle ; Chopin en sublime la forme. D’ailleurs, plus qu’une forme, c’est un instant d’expression poétique musicale durant lequel le compositeur semble se confier à l’auditeur. Avant le XIXe siècle, il existe des notturnice qui signifie « nocturnes » en italien, langue très utilisée dans la musique jusqu’au XVIIIe siècle, mélodies calmes, souvent chantées en duo, ou œuvres instrumentales comme les Notturni de Joseph Haydn, mais s’approchant plus de l’esprit de la sérénade., ","Nuit terrifiante Le Sabbat des sorcières, peinture de Francisco de Goya, 1797-1798. Museo Lázaro Galdiano, Madrid\u000aLa nuit obscure, habitée, parfois effrayante attise l’imagination des artistes.\u000aAu XVIe siècle, en littérature, Shakespeare et ses contemporains en font le lieu des intrigues, des dissimulations, des sombres pensées et des actes maléfiques. Dans Le Songe d’une nuit d’été, la nuit shakespearienne fourmille de fées, d’elfes et de magie et devient, plus de deux siècles plus tard, l’inspiratrice d’une des plus grandes œuvres de Mendelssohn. Dans Roméo et Juliette - autre œuvre du poète anglais à l’origine de plusieurs grandes pages de la musique - la nuit, moteur de l’action, est tantôt complice des amoureux, tantôt meurtrière.\u000aAux XVIIe et XVIIIe siècles, des poètes cultivent l’image de la nuit des tombeaux. La nuit est d’ailleurs un terme poétique figurant la mort. Gluck, dans son opéra Orphée et Eurydice, dresse un fabuleux et sombre tableau des portes de l’enfer et de ses furies.\u000aAu XIXe siècle, la littérature fantastique d’HoffmannErnst Theodor Amadeus Hoffmann, écrivain, compositeur et dessinateur allemand, 1776-1822 avec ses nuits angoissantes et folles, peuplées de fantômes, sorcières et magiciens, impressionne et séduit les compositeurs romantiques. Elle sera la source d’inspiration de nombreuses œuvres : les cycles de pièces pour piano Fantasiestücke op. 12 et Kreisleriana op. 16 de Schumann, l’opéra fantastique Les Contes d’Hoffmann d’Offenbach, le ballet Casse-Noisette de Tchaïkovski, ou encore le ballet Coppélia, ou La Fille aux yeux d’émeraude de Delibes. La nuit devient propice aux rêves enchanteurs ainsi qu’aux visions cauchemardesques, tel le Songe d’une nuit de sabbat de la Symphonie fantastique de Berlioz., ","La nuit et la musique depuis le début du XX<sup>e<\/sup> siècle La Nuit étoilée, peinture de Vinvent van Gogh, 1889. Musée d’art moderne de New York\u000aAujourd’hui encore, la nuit reste source d’inspiration privilégiée pour les compositeurs. L’une des premières œuvres de la musique moderne, composée en 1899, est le sextuor à cordes La Nuit transfigurée de SchönbergArnold Schönberg, compositeur, peintre et théoricien autrichien, 1874-1951 ; il composera plus tard une autre musique de la nuit avec son mélodrame Pierrot lunaire. Plus récemment, DutilleuxHenri Dutilleux, compositeur français, 1916-2013 compose son quatuor Ainsi la nuit ou encore Timbres, espace et mouvement, œuvre pour ensemble instrumental inspirée du tableau de Van Gogh, La Nuit étoilée. Plus proche de nous, on peut citer la berceuse Neige sur les orangers de OhanaMaurice Ohana, compositeur français, 1913-1992, et Une à une les étoiles de BurganPatrick Burgan, compositeur français né en 1960, deux œuvres pour chœur a cappella., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000a\u000aLa nuit a également inspiré de nombreux peintres. La page suivante propose un quizz assez complet et intéressant sur ce thème : https:\/\/www.quizz.biz\/quizz-200087.html.\u000aUne nuit sur le Mont Chauve du compositeur russe Modeste Moussorgski est un très bon exemple de « nuit terrifiante » à découvrir. On peut écouter l’œuvre une première fois et laisser libre cours à l’imagination, puis, suivant l’âge, proposer de transcrire ses impressions en dessins ou dans un texte. On peut également visionner l’interprétation de Walt Disney dans Fantasia ou donner les grandes lignes du programme de l’œuvre et les reconnaître à l’écoute : « Voix souterraines, apparition des esprits des ténèbres puis de Chernobog (divinité des ténèbres dans la Russie païenne) » - « Adoration de Chernobog » - « Sabbat des sorcières » - « Sonnerie de la cloche du village et évanouissement des apparitions » - « Aube naissante ».\u000a, "," Auteure : Aurélie Loyer, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["La nuit en musique"],"any_suggest":["La nuit en musique","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, fiche thématique, canonical-pad"],"Title_idx":["La nuit en musique"],"spellingShingle":["La nuit en musique","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, fiche thématique, canonical-pad"],"textSpelling":["La nuit 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Créée le 18 mai 1897 à Paris sous sa direction, l’œuvre baptisée Scherzo symphonique, connaît un succès fulgurant. L’adaptation de Walt Disney dans Fantasia (1940) a encore amplifié sa popularité. L’Apprenti sorcier fait partie de ces œuvres devenues plus célèbres que leur propre créateur., "," Illustration du poème de Goethe L’Apprenti sorcier, par Ernst Barlach, 1924. Frankfurter Goethe Haus, ","Le poème de Goethe La ballade de Goethe, écrite en 1797, est composée de quatorze strophes.\u000aUne fois son maître parti, un apprenti sorcier ensorcèle un balai et lui confie sa corvée de remplir le bassin d’eau. Il est tout d’abord fort satisfait que son tour fonctionne mais ne connaît pas la formule permettant d’arrêter le balai. Pris de terreur et de colère face à l’inondation qui s’annonce, il saisit une hache et frappe violemment le balai qui se rompt en deux morceaux. Mais chacun des deux morceaux se relève et reprend inlassablement le remplissage du bassin. L’apprenti est dépassé, les eaux submergent l’atelier jusqu’au retour du maître qui met fin au sortilège. Un an avant la publication de Faust, ce poème traduit la morale de son auteur, faite d’acceptation des limites et de mise en garde contre le déchaînement du démoniaqueMichel Chion, Le Poème symphonique et la musique à programme, Fayard, 1993. En voici les deux premières strophes transposées musicalement dans l’introduction du poème symphonique : \u000a\u000aHat der alte HexenmeisterSich doch einmal wegbegeben !Und nun sollen seine GeisterAuch nach meinem Willen leben.Seine Wort und WerkeMerkt ich und den Brauch,Und mit GeistesstärkeTu ich Wunder auch.\u000aWalle ! Walle !Manche Strecke,Daß, zum Zwecke,Wasser fließeUnd mit reichem, vollem SchwalleZu dem Bade sich ergieße.\u000a\u000a\u000aLe vieux sorcier n’est plus làCette fois il est bien parti !Cette magie qu’il m’interdisaitEst enfin à ma portée.Je vais pouvoir essayerDe faire obéir les esprits,Jeter des sorts, jouer avec les maléfices !Je vais montrer tout mon art !\u000aFlots ! Flots !En avant,Répandez-vous,Ne vous ménagez pas !Eau jaillissante du ruisseauViens remplir et éclabousser le bassin.\u000a, ","Le <cite>Scherzo symphonique<\/cite> Magicien de l’orchestration, Dukas utilise un orchestre lui offrant une grande palette de couleurs instrumentales. L’envahissement par les eaux et l’effroi de l’apprenti offrent au compositeur l’occasion de libérer toute la puissance de cet l’orchestre et de créer un véritable kaléidoscope de timbres.\u000aTout en s’appuyant sur le texte de Goethe, Paul Dukas structure son poème symphonique à la manière d’un mouvement de symphonie. Quatre thèmes principaux apparaissent : après l’introduction, le premier est exposé par les bassons et évoque l’animation du balai, le second le ruissellement de l’eau et la magie, le troisième la satisfaction de l’apprenti. À la fin de la partie centrale, la destruction du balai articule la réexposition du premier thème, mais cette fois repris en duo par le basson et la clarinette (doublée à la clarinette basse). Le dernier thème, celui de l’incantation du sorcier, n’apparaît qu’avec le retour du maître de la ballade de Goethe, juste avant la coda., ","En résumé \u000a\u000a\u000aZoom sur\u000aLe basson qui expose le thème du balai :\u000a\u000a\u000aLa forme\u000aCorrespondances entre histoire et musique :\u000a\u000a\u000aÉvocation de l’univers de la magie.Naissance de l’idée de l’apprenti.Commande au balai.\u000aIntroduction\u000a\u000a\u000aLe balai s’anime, mais l’apprenti, tout d’abord réjoui, ne parvient pas à l’arrêter.Terreur et colère de l’apprenti qui détruit le balai à coup de hache.\u000a- Thème du balai qui s’anime- Thème de l’apprentiAppels des cuivres, accords violents.\u000a\u000a\u000aLes deux morceaux de balai se relèvent et reprennent obstinément leur travail.Retour du maître.\u000a- Reprise du thème du balai par deux instruments- Travail sur le thème de l’eau, mêlé aux appels des cuivresThème du sorcierAccords fortissimo\u000a\u000a\u000aRetour du calme et de l’atmosphère initiale\u000aReprise de l’introductionBrusque conclusion\u000a\u000a\u000a, "," Auteure : Aurélie Loyer, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas"],"any_suggest":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'apprenti sorcier, Paul Dukas, canonical-pad"],"Title_idx":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas"],"spellingShingle":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'apprenti sorcier, Paul Dukas, canonical-pad"],"textSpelling":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'apprenti sorcier, Paul Dukas, canonical-pad"],"of_title":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas"],"Title_sort":["L’Apprenti sorcier de Paul Dukas"],"ContentDescription":["Dukas s’inspire d’une ballade de Goethe pour composer son poème symphonique L'Apprenti Sorcier. 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Après son succès retentissant, Grieg a l’idée de réunir certains numéros en deux suites pour orchestre.\u000a<\/p>\u000a<p class=\"page-cms\">\u000a <a class=\"link-absoluteUri btn btn-default\" href=\"https:\/\/edutheque.philharmoniedeparis.fr\/0763433-peer-gynt-de-edvard-grieg.aspx\" title=\"Consulter\" id=\"3480\">Consulter<\/a>\u000a<\/p>\u000a<\/div>\u000a<style>\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a<\/style>\u000a<!-- \/CMS SHORT -->\u000a","FieldList":{"sys_support":["CMS"],"Identifier":["3480"],"Identifier_idx":["3480"],"any":["3480","Peer Gynt de Edvard Grieg","Peer Gynt de Grieg est une musique de scène pour le drame poétique de Henrik Ibsen. 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National Gallery, Norvège, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Peer Gynt, musique de scène op. 23 de Edvard Grieg\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique de scène pour la pièce éponyme de Henrik Ibsen\u000a\u000a\u000aLibrettiste\u000aHenrik Ibsen\u000a\u000a\u000aLangue du livret\u000anorvégien\u000a\u000a\u000aComposition\u000ade 1874 à 1876\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 24 février 1876 au Christiana Theatre, à Oslo\u000a\u000a\u000aForme\u000amusique de scène divisée en cinq actes et 23 numéros (selon la partition complète éditée par Peters en 1908)\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000avoix : un récitant, solistes, et un chœurorchestre :- bois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons- cuivres : 4 cors, 2 trompettes, 2 trombones, 1 trombone basse, 1 tuba- percussions : timbales, cymbales, triangle, grosse caisse, caisse claire, tambourin, xylophone, cloches de vache- claviers : 1 piano, 1 orgue- cordes pincées : 1 harpe- cordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000aSuites orchestrales n° 1 op. 46 et n° 2 op. 55 \u000a\u000a\u000aDate de publication\u000a1888 (Suite n° 1) et 1891 (Suite n° 2)\u000a\u000a\u000aForme\u000aSuite n° 1 :1. Au matin2. La Mort d’Åase3. Danse d’Anitra4. Dans l’antre du roi de la montagne Suite n° 2 : 1. Enlèvement de la mariée 2. Danse arabe 3. Retour de Peer Gynt 4. Chanson de Solveig\u000a\u000a\u000a, ","Argument Drame philosophique, Peer Gynt est un voyage initiatique narrant les aventures d’un anti-héros en quête de rêve et d’identité. Oscillant sans cesse entre courage et lâcheté, Peer Gynt surmonte tant bien que mal les obstacles qu’il rencontre, le plus souvent par la fuite et le mensonge.\u000aActe 1. Fils de paysan, Peer Gynt, un jeune homme de vingt ans plein d’ambition, vit pauvrement avec sa mère Åase. Au village, on célèbre au son des violons les noces de la jeune et séduisante Ingrid.\u000aActe 2. Le jour du mariage, Peer Gynt enlève Ingrid et s’enfuit avec elle dans les bois. Mais très vite, il se lasse d’elle et finit par l’abandonner. Fuyant son village natal, il rencontre l’une des filles du roi de la montagne, qui l’entraîne dans le monde des trolls. Lorsqu’il comprend qu’il doit renoncer à sa condition humaine s’il veut l’épouser, Peer Gynt s’enfuit à nouveau.\u000aActe 3. Le jeune homme trouve refuge et réconfort auprès de la douce Solveig, mais finit par renoncer à son amour. Après être retourné auprès de sa mère, Åase, et avoir assisté à sa mort, il quitte la Norvège.\u000aActe 4. Vingt ans ont passé. Peer Gynt a échoué en Orient, où il est devenu un riche marchand d’esclaves. Après avoir perdu sa fortune dans le naufrage d’un de ses navires, il est accueilli en tant que prophète dans une tribu de bédouins du désert, dépouillé de ses derniers biens par la belle Anitra devenue sa maîtresse, et finit « empereur des fous » dans un asile au Caire.\u000aActe 5. Bien des années se sont écoulées, et c’est un vieillard qui revient désormais en Norvège. Là, Peer Gynt retrouve Solveig, qui n’a jamais cessé de l’attendre. Alors que le vieil homme expire dans ses bras, Solveig le console en lui annonçant qu’il a enfin terminé son voyage et trouvé le sens de sa vie.\u000aPeer Gynt, affiche pour la première représentation de la pièce à Paris au théâtre de l’Œuvre en 1896, lithographie de Edvard Munch. SLUB Deutsche Fotothek, ","Contexte de composition et de création C’est en 1867 que l’auteur norvégien Henrik Ibsen écrit son drame poétique Peer Gynt. En 1874, il formule le souhait de le porter à la scène sous la forme d’une pièce en musique. Impressionné par le talent de Grieg qu’il a eu l’occasion de côtoyer à Rome quelques années plus tôt, l’écrivain propose alors au compositeur norvégien de mettre en musique son drame. Grieg accepte aussitôt. Ibsen lui fournit quelques indications sur la manière dont il envisage lui-même le matériau musical mais s’en remet entièrement au jugement du compositeur et lui laisse totale liberté quant à la réalisation du projet. Il lui fait parvenir un manuscrit de son drame arrangé pour la scène, dont le texte sera tantôt déclamé, tantôt scandé ou chanté.\u000aPortrait de Henrik Ibsen. Österreichische Nationalbibliothek\u000aGrieg avance lentement sur la partition, dont l’écriture s’avère plus difficileDans une lettre au dramaturge Bjørnstjerne Bjørnson, il écrit qu’il doit composer sur le plus antimusical de tous les sujets, au point qu’il finit par se désintéresser quelque peu du projet : Je m’acharne encore sur la musique de Peer Gynt et cela ne m’intéresse pas, confie-t-il à un ami. que prévu. Il achève malgré tout la partition en juillet 1875, et les répétitions commencent en septembre. Préoccupé par le décès de ses deux parents en l’espace d’un mois seulement, Grieg ne vient pas à Oslo pour superviser les répétitions, ni même pour la première représentation de la pièce le 24 février 1876. L’œuvre est un réel succèsOn peut lire dans l’Aftenposten que la musique de Grieg était particulièrement efficace et merveilleusement adaptée aux diverses situations de la pièce. Nul doute que l’apport musical ait ainsi grandement contribué au succès de la pièce. Au point que le critique allemand Edward Hanslick écrira, en 1891 : Il se pourrait bien qu’avant longtemps ce Peer Gynt d’Ibsen ne continue à vivre qu’à travers la musique de Grieg. et sera donnée 36 fois au cours du printemps de la même année. Malheureusement, un tragique incident vient mettre un terme aux représentations : le 15 janvier 1877, un incendie se déclare dans le théâtre et consume l’ensemble des décors et costumes. Il faudra attendre quinze ans avant que Peer Gynt ne soit rejoué dans la ville d’Oslo., ","Les suites pour orchestre Après le succès retentissant de Peer Gynt sur scène, de nombreux arrangements pour piano de la partition voient le jour, destinés à être joués dans les salons. À l’occasion d’une reprise de la pièce à Copenhague en 1886, Grieg revoit certaines parties orchestrales et ajoute quatre nouvelles pièces (Procession de Noces op. 19 n° 2, et trois de ses Danses norvégiennes op. 35). En 1892, alors que Peer Gynt est rejoué pour la première fois à Oslo, le compositeur accepte d’ajouter encore une pièce supplémentaire. Mais surtout, Grieg a l’idée de réunir certains numéros en deux suites : la Suite n° 1 op. 46 (1888) puis la Suite n° 2 op. 55 (1891). Ces suites vont connaître un immense succès dans le monde entier, aussi bien dans leur version orchestrale que dans leur arrangement pour piano (réalisé par Grieg lui-même) ou pour d’autres formations instrumentales diverses et variées., ","Langage musical Violon de Hardanger, fabriqué par Isak Nielsen Botnen, 1756. Metropolitan Museum\u000aGrieg est un compositeur appartenant pleinement au romantisme du XIXe siècle : l’usage fréquent des progressions chromatiquesmouvements par demi-ton, les harmonies audacieuses, autant d’éléments qui ne sont pas sans rappeler le langage musical de Wagner et de ses successeurs. Cependant, il sait s’émanciper de cette musique germanique alors dominante à l’époque. Tandis que, dans toute l’Europe, des mouvements nationaux en quête de reconnaissance émergent rapidement, il conjugue merveilleusement la veine romantique avec l’éveil d’une musique à l’identité nationale. Le folklore occupe une place importante dans son œuvre, dans l’ensemble fortement imprégnée d’éléments populaires issus de la musique norvégienne.\u000aDans Peer Gynt, cet esprit populaire se traduit par une structure formelle et tonale relativement simple des pièces : le plus souvent répétition d’un unique thème (voire alternance de deux thèmes), et des modulations proches de la tonalité principale. Alors que la Chanson de Solveig est clairement revendiquée d’origine populaireSur une centaine de lieder que j’ai écrits, un seul, la Chanson de Solveig emprunte son thème au folklore., certaines pièces sont désignées par des termes que l’on retrouve fréquemment dans la musique scandinave (par exemple, le terme « mazurka » pour la Danse d’Anitra). Dans le premier acte, Grieg destine les danses du mariage à un violon du HardangerLe violon du Hardanger (hardingfele en norvégien) est un instrument privilégié du folklore, caractéristique des régions de l’ouest et du sud de la Norvège. À propos de la manière d’interpréter ces danses, Grieg écrit dans ses recommandations au chef d’orchestre Hennum : les deux danses doivent être jouées en accord parfait avec les traditions populaires, avec des accents rudes et des coups puissants, afin de rendre le tableau audible et authentique., à jouer dans le plus pur esprit des danses populaires norvégiennes., ","Focus sur <cite>Dans l’antre du roi de la montagne<\/cite> Située au milieu de l’Acte 2 (n° 4 de la Suite n° 1), cette pièce correspond au moment où Peer Gynt a rejoint le monde des trolls et est conduit devant le roi de la montagne. Les trolls s’agitent autour du héros au rythme d’une danse indiquée « alla marcia », évoquant le hallingLe halling est une danse folklorique de Norvège, réalisée par les jeunes hommes lors de mariages ou autres fêtes. C’est une danse rapide, exécutée en solo, et qui comprend des figures acrobatiques. norvégien.\u000aLa pièce est construite sur un thème unique, découpé selon une forme en trois parties : une première partie (A), une réponse (B), et une reprise de la première (A’). D’abord énoncé aux violoncelles, contrebasses et bassons, le thème est ensuite repris une première fois par les violons, hautbois et clarinettes, puis une seconde fois par tout l’orchestre. Toute la pièce évolue selon le principe de l’accumulation orchestrale : chaque nouvelle occurrence du thème est prétexte à l’entrée d’instruments supplémentaires. À cela s’ajoute un crescendo progressif (la pièce commence pianissimo et se termine fortissimo), ainsi qu’une accélération du tempo à partir du tutti. Des broderies en doubles croches aux cordes puis aux bois évoquent les trolls déchaînés virevoltant autour de Peer Gynt. Le morceau se finit en apothéose sur un rythme endiablé, ponctué de vigoureux coups de percussions, tandis que le chœur de trolls crie « Tuez-le, ce fils de chrétien ! ».\u000aCe principe d’accumulation inspirera plusieurs compositeurs par la suite, notamment Maurice Ravel qui reprendra l’idée dans son fameux Bolero., "," Auteure : Floriane Goubault, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"any_suggest":["Peer Gynt de Edvard Grieg","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Peer Gynt, musique de scène op. 23, suite pour orchestre n° 1 op. 46, 0762949, suite pour orchestre n° 2 op. 55, 0763413, Edvard Grieg, canonical-pad"],"Title_idx":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"spellingShingle":["Peer Gynt de Edvard Grieg","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Peer Gynt, musique de scène op. 23, suite pour orchestre n° 1 op. 46, 0762949, suite pour orchestre n° 2 op. 55, 0763413, Edvard Grieg, canonical-pad"],"textSpelling":["Peer Gynt de Edvard Grieg","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Peer Gynt, musique de scène op. 23, suite pour orchestre n° 1 op. 46, 0762949, suite pour orchestre n° 2 op. 55, 0763413, Edvard Grieg, canonical-pad"],"of_title":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"Title_sort":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"ContentDescription":["Peer Gynt de Grieg est une musique de scène pour le drame poétique de Henrik Ibsen. 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Les concertos de Vivaldi sont traités de telle manière qu’ils permettent au soliste de mettre en valeur tout son talent., ","Contexte de composition Le 14 décembre 1725, la Gazette d’Amsterdam annonce la parution de l’Opus n° 8 d’Antonio Vivaldi, Il Cimento dell’Armonia e dell’ InventioneL’épreuve de l’harmonie et de l’invention, un nouveau recueil de concertos pour violon. Treize ans après son premier recueil, l’Opus n° 3 intitulé L’Estro ArmonicoPremières œuvres à être éditées chez l’important éditeur d’Amsterdam Estienne Roger, ce recueil comporte, entre autres, des concertos de soliste, grande nouveauté pour l’époque. (1711), et cinq ans après son dernier opus (1720), Vivaldi poursuit dans le genre du concerto pour soliste qu’il a largement contribué à développer. Il en fixe la forme en trois mouvements (vif-lent-vif) et généralise l’utilisation de la forme ritournellealternance de ritournelles jouées tutti (par tout l’orchestre) et de passages solistes dans les mouvements rapides.\u000aL’Opus n° 8 comprend douze concertos. Certaines de ces pièces, dont les fameuses Quatre Saisons, ont été composées avant 1725 comme le laisse entendre la dédicace de Vivaldi au comte Wenzel von Morzin : Ne soyez pas surpris, je vous prie, si, parmi ces quelques faibles concertos, V. ILL. S. retrouvera les Quatre Saisons qu’elle a accueillies autrefois avec une très généreuse bonté. Le retard de la publication est sans doute dû à des difficultés rencontrées par l’éditeurEstienne Roger, malade, décède en 1722. C’est son gendre, Michel-Charles Le Cène, qui rependra l’entreprise et publiera le recueil de Vivaldi.. Dans sa dédicace, le compositeur ajoute que les concertos des Quatre Saisons sont désormais chacun accompagnés d’un argument littéraire : un sonnet pour chaque saison (dont Vivaldi pourrait lui-même être l’auteur). La partitionIl n’existe pas de manuscrit autographe des Quatre Saisons. Les partitions les plus anciennes sont les copies de Manchester issues de la collection musicale de Pietro Ottoboni, datant peut-être de 1726. est annotée de lettres majuscules renvoyant aux différents vers des sonnets, ainsi que de commentaires explicites sur ce que la musique cherche à illustrer (« le chien aboie », « vents violents » ou encore « la complainte du villageois »). Vivaldi utilise de nombreux effets et figuralismesprocédés qui permettent d'évoquer musicalement une idée, un sentiment déjà largement employés dans l’opéra, un genre dont il maîtrise à la perfection les codesVivaldi revendique avoir composé plus de 90 opéras. Même si ce nombre est sans doute exagéré, on en recense toutefois plus de 40.. Les ritournelles tuttipar tout l’orchestre des mouvements rapides peignent le décor et l’ambiance générale, tandis que les passages solistes expriment des détails plus précis (comme des chants d’oiseaux bien spécifiques : coucou, tourterelle…). Les mouvements lents, plus statiques, chargés d’une atmosphère souvent pesante, sont le prétexte aux instants de repos et de sommeil., ","Texte du sonnet \u000aI. Allegro non moltoA. Aggiacciato tremar trà nevi algenti B. Al severo spirar d'orrido Vento C. Correr battendo i piedi ogni momentoD. E per soverchio gel batter i denti.\u000aII. Largo E. Passar al foco i di quieti, e contenti Mentre la pioggia fuor bagna ben cento.\u000aIII. Allegro F. Caminar sopra 'l giaccio, e à passo lentoG. Per timor di cader gersene intenti.H. Gir forte, sdrucciolar cader a terraI. Di nuovo ir sopra 'l giaccio, e correr forteL. Sin che 'l giaccio si rompe, e si disserra.M. Sentir uscir dalle ferrate porteN. Sirocco, Borea, e tutti i venti in guerraQuesti è 'l Verno, mà tal, che gioia apporte.\u000a\u000a\u000aI. Allegro non moltoA. Dans les neiges argentées, tremblants et gelés B. Par le souffle tranchant du vent glacé, C. On court et l’on frappe ses pieds contre le solD. En claquant des dents, à cause du gel.\u000aII. Largo E. Enfin on s’assoit, paisibles et heureux, devant le feu Tandis que, dehors, la pluie tombe à verse.\u000aIII. Allegro F. On marche à pas lents sur la glaceG. De peur de tomber.H. Car en allant trop vite, on perd l’équilibre, et l’on tombe à terreI. On se remet sur ses pieds et, sur la glace, l’on court viteL. Avant que celle-ci ne se brise, et fonde.M. Derrière les portes closes on entendN. Sirocco et Borée, et tous les vents se faire la guerreC’est cela l’hiver, mais qui apporte aussi ses joies.\u000a\u000aLe texte en italien est tiré de la partition éditée par Bärenreiter en 2002. La traduction du texte est tirée du livre Antonio Vivaldi de Sylvie Mamy, Éditions Fayard, 2011., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro non molto\u000aL’allegro annonce les premières offensives de l’hiver. Dans un décor de neige, le froid mordant s’insinue doucement (A) : les cordes entrent progressivement les unes après les autres, du grave vers l’aigu. Les tremblements dus aux attaques piquantes du gel, figurées par les notes répétées, sont rendus par des trilles courts et incisifs. Soudain, le vent glacé se lève (B) : le violon solo joue des traits de notes rapides, entrecoupés d’incessantes piques du froid. Celui-ci se fait plus dur, plus intense, le rythme s’accélère, et un nouveau tutti (seconde ritournelle) évoque la course pour s’abriter (C) par ses notes répétées et ses battements. Le violon solo poursuit ses virtuosités, entrecoupées des brusques bourrasques du vent rendues par les trémolos des cordes. Dans l’aigu et nuance piano, ces trémolos évoqueront ensuite le claquement des dents (D), avant la fin du mouvement sur la seconde ritournelle.\u000aII. Largo\u000aLe deuxième mouvement marque un temps de répit au milieu des tempêtes hivernales. La sérénité retrouvée au coin du feu (E) est évoquée par la tendre mélodie du violon solo, tandis que la pluie tombe au dehors : le clapotis des gouttes de pluie est rendu en arrière-plan par le jeu pizzicato des violons, sur une basse régulière marquant les temps de ses croches.\u000aIII. Allegro\u000aPas de forme ritournelle dans ce dernier mouvement, mais une succession de figuralismes musicaux traduisant au fur et à mesure les vers du sonnet. Les pas hasardeux et hésitant sur la glace (F et G) sont d’abord évoqués par les motifs répétés et sinueux du violon solo, repris par le tutti qui enchaîne avec une montée progressive par mouvement chromatique en notes piquées. Mais la chute, inévitable, arrive avec les motifs descendants de notes rapides et la gamme descendante jouée aux cordes à l’unisson\/octave (H). S’ensuit une course folle contre la glace qui menace de se briser : le violon solo enchaîne les notes rapides sans s’arrêter. Mais la glace finit inexorablement par se rompre (L), évoquée par les courts motifs de notes rapides, d’abord en tutti puis repris par le violon solo. Viennent ensuite les vents (N) : dans un mouvement Lento, le Sirocco souffle d’abord doucement sur une ligne mélodique qui se balance, entrecoupée de silences. Mais lorsque le vent du Nord arrive, la tempête se déchaîne : un trait de notes rapides au violon solo, ponctué par les trémolos des cordes, figure la guerre que se livrent les différents vents et qui clôt cet épisode hivernal., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000aMusique\u000aLes saisons sont un thème abordé par de nombreux compositeurs, à toutes les époques. Elles font l’objet de compositions appartenant à tous les genres musicaux :\u000a\u000ala musique de ballet : Lully, Glazounov, Stravinski, Cage, ou encore Verdi pour le ballet intégré dans son opéra Les Vêpres siciliennes ;\u000ales compositions symphoniques : Rondes de printemps de Debussy, la Symphonie n° 1 « Le Printemps » de Schumann, la Symphonie n° 1 « Rêves d'hiver » de Tchaïkovski, Les Chasseurs dans la neige de Dufourt ;\u000ales œuvres chorales : Spring Symphony de Britten, l'oratorio Les Saisons de Haydn, Le Bûcher d’hiver de Prokofiev ;\u000ales pièces pour piano : Étude op. 25 n° 11 « Le Vent d’hiver » de Chopin, Les Saisons de Tchaïkovski ;\u000ade nombreux textes évoquant les saisons sont également mis en musique par les compositeurs dans des mélodies, des lieder, des madrigaux...\u000a\u000aArts visuels\u000aAux XVIIe et XVIIIe siècles, les saisons sont un thème récurrent dans les arts décoratifs (papiers peints, gravures, porcelaines…), mais également dans la sculpture et la peinture :\u000a\u000aen peinture, les saisons peuvent être représentées à travers des paysages ou des scènes de vie (la série Les Saisons de Poussin, les six tableaux du Cycle des saisons de Brueghel l’Ancien), ou par des personnages allégoriques (les peintures de Andrea Casali, de Pierre Gobert, Allégorie de l’été et l’hiver de Giovanni Battista Pittoni) ;\u000aen sculpture, la représentation des saisons est presque toujours allégorique : Le Printemps et L’Automne de François Barois, L’Hiver de Pierre Legros l’Aîné ou de Jean-Melchior Raon, sans compter les nombreuses sculptures dans le parc du château de Versailles.\u000a, "," Auteurs : Jean-Marc Goossens, Floriane Goubault et Jean-Marie Lamour, "," Imprimer, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité sur le portail Éduthèque de la Philharmonie de Paris.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","À voir aussi "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"any_suggest":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, canonical-pad"],"Title_idx":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"spellingShingle":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, canonical-pad"],"textSpelling":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, canonical-pad"],"of_title":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"Title_sort":["L’Hiver extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"ContentDescription":["L’Hiver, extrait des Quatre Saisons de Vivaldi, est un concerto pour violon édité en 1725. 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Les concertos de Vivaldi sont traités de telle manière qu’ils permettent au soliste de mettre en valeur tout son talent., ","Contexte de composition Le 14 décembre 1725, la Gazette d’Amsterdam annonce la parution de l’Opus n° 8 d’Antonio Vivaldi, Il Cimento dell’Armonia e dell’ InventioneL’épreuve de l’harmonie et de l’invention, un nouveau recueil de concertos pour violon. Treize ans après son premier recueil, l’Opus n° 3 intitulé L’Estro ArmonicoPremières œuvres à être éditées chez l’important éditeur d’Amsterdam Estienne Roger, ce recueil comporte, entre autres, des concertos de soliste, grande nouveauté pour l’époque. (1711), et cinq ans après son dernier opus (1720), Vivaldi poursuit dans le genre du concerto pour soliste qu’il a largement contribué à développer. Il en fixe la forme en trois mouvements (vif-lent-vif) et généralise l’utilisation de la forme ritournellealternance de ritournelles jouées tutti (par tout l’orchestre) et de passages solistes dans les mouvements rapides.\u000aL’Opus n° 8 comprend douze concertos. Certaines de ces pièces, dont les fameuses Quatre Saisons, ont été composées avant 1725 comme le laisse entendre la dédicace de Vivaldi au comte Wenzel von Morzin : Ne soyez pas surpris, je vous prie, si, parmi ces quelques faibles concertos, V. ILL. S. retrouvera les Quatre Saisons qu’elle a accueillies autrefois avec une très généreuse bonté. Le retard de la publication est sans doute dû à des difficultés rencontrées par l’éditeurEstienne Roger, malade, décède en 1722. C’est son gendre, Michel-Charles Le Cène, qui rependra l’entreprise et publiera le recueil de Vivaldi.. Dans sa dédicace, le compositeur ajoute que les concertos des Quatre Saisons sont désormais chacun accompagnés d’un argument littéraire : un sonnet pour chaque saison (dont Vivaldi pourrait lui-même être l’auteur). La partitionIl n’existe pas de manuscrit autographe des Quatre Saisons. Les partitions les plus anciennes sont les copies de Manchester issues de la collection musicale de Pietro Ottoboni, datant peut-être de 1726. est annotée de lettres majuscules renvoyant aux différents vers des sonnets, ainsi que de commentaires explicites sur ce que la musique cherche à illustrer (« le chien aboie », « vents violents » ou encore « la complainte du villageois »). Vivaldi utilise de nombreux effets et figuralismesprocédés qui permettent d'évoquer musicalement une idée, un sentiment déjà largement employés dans l’opéra, un genre dont il maîtrise à la perfection les codesVivaldi revendique avoir composé plus de 90 opéras. Même si ce nombre est sans doute exagéré, on en recense toutefois plus de 40.. Les ritournelles tuttipar tout l’orchestre des mouvements rapides peignent le décor et l’ambiance générale, tandis que les passages solistes expriment des détails plus précis (comme des chants d’oiseaux bien spécifiques : coucou, tourterelle…). Les mouvements lents, plus statiques, chargés d’une atmosphère souvent pesante, sont le prétexte aux instants de repos et de sommeil., ","Texte du sonnet \u000aI. AllegroA. Celebra il Villanel con balli, e cantiDel felice raccolto il bel piacere B. E del liquor de Bacco accesi tanti C. Finiscono col sonno il Lor godere.\u000aII. Adagio molto D. Fà che ogn'uno tralasci, e balli, e canti L'aria, che temperata dà piacere E la staggion ch'invitta tanti, e tanti D'un dolcissimo sonno al bel godere.\u000aIII. Allegro E. Il Cacciator all nuov'alba à Caccia Con corni, schioppi, e canni escono fuore F. Fugge la Belva, e seguono la traccia. G. Già sbigottita, e lassa al gran rumore De schioppi, e cani, ferita minacciaH. Languida di fuggir, mà oppressa muore.\u000a\u000a\u000aI. AllegroA. Dansant et chantantLe paysan fête sa belle récolte B. Enivrés par la liqueur de Bacchus C. Nombre d’entre eux sombrent dans le sommeil où leurs plaisirs trouvent fin.\u000aII. Adagio molto D. Tous ont délaissé les danses et les chants ; L’air doux enchante Car cette saison invite tout un chacun À jouir du très doux sommeil.\u000aIII. Allegro E. Dès l’aubre, les chasseurs partent pour la chasse Avec leurs cors, leurs fusils et leurs chiens. F. La bête sauvage s'enguit, et ils suivent sa trace. G. Étourdie et exténuée par le fracas Des fusils et des chiens, blessée, elle tenteH. De s’échapper, mais meurt tapie contre terre.\u000a\u000aLe texte en italien est tiré de la partition éditée par Bärenreiter en 2002. La traduction du texte est tirée du livre Antonio Vivaldi de Sylvie Mamy, Éditions Fayard, 2011., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro\u000aCe premier mouvement prend le caractère d’une joyeuse danse villageoise. Le thème de la ritournelle, d’essence populaire et entraînant, s’identifie et se retient aisément par son harmonie très simple et le principe de répétition (de notes et de rythme) sur lequel il est construit. Jouée d’abord par tout l’orchestre (tutti), la ritournelle est ensuite reprise par le violon solo : celui-ci évoque les musiques accompagnant les fêtes de village (A) par son jeu en doubles cordes. Après un retour du tutti, les solos suivants figurent les paysans enivrés à l’allure vacillante (B) : chute évoquée par de grandes gammes descendantes, pas trébuchants et précipités représentés par les triolets de notes rapides, relèvement hésitant sur des jambes tremblantes au son d’une montée ponctuée de trilles, démarche titubante avec des notes courtes entrecoupées de silence… Le violon fait ensuite entendre le paysan qui vacille, par ses motifs ondulants de notes rapides. Mais le pauvre homme retombe sans cesse par terre à chacune des notes graves interrompant le discours musical ! Enfin, les buveurs enivrés finiront par s’assoupir au son du violon (C), anticipant le deuxième mouvement, avant une ultime ritournelle du tutti.\u000aII. Adagio molto\u000aAprès la fête, le deuxième mouvement voit les paysans endormis (D). L’atmosphère lourde, vaporeuse et planante du sommeil est rendue par les longues tenues des cordes avec sourdine, qui entrent les unes après les autres (du grave à l’aigu). La ligne mélodique progresse lentement, par vagues ascendantes et descendantes, jouant sur les chromatismes et les dissonances. Le violon solo est cette fois à l’unisson des violons I. Seul le clavecin apporte un peu de mouvement à l’ensemble : tel Orphée endormant Cerbère du son de sa lyre, il berce les paysans de ses arpèges égrenés. Au fur et à mesure que les hommes sombrent dans le sommeil, la nuance diminue de plus en plus jusqu’au pianissimo.\u000aIII. Allegro\u000aLe troisième mouvement transporte l’auditeur dans une toute autre atmosphère, celle de la chasse.Dans la ritournelle d’introduction, l’appel des cors (E) est figuré par les notes répétées, reprises en écho par le violon solo en doubles cordes. Puis celui-ci évoque la bête traquée (F) : celle-ci bondit et tente de s’enfuir au rythme des triolets, poursuivie par les chiens lancés sur sa piste et représentés par les battements des cordes. Les coups secs des fusils (G) sont rendus par des notes courtes et rapides. Entre les solos de violon, l’imperturbable ritournelle rappelle sans cesse à l’animal que les chasseurs sont tout près. Blessée, la bête finit par s’effondrer au son des grandes gammes descendantes (H). Le tempo ralenti, rendu par l’écriture musicale (utilisation de notes en valeur longue), traduit l’agonie de l’animal. Enfin, l’ultime ritournelle apparaît comme le triomphe éclatant des chasseurs., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000aMusique\u000aLes saisons sont un thème abordé par de nombreux compositeurs, à toutes les époques. Elles font l’objet de compositions appartenant à tous les genres musicaux :\u000a\u000ala musique de ballet : Lully, Glazounov, Stravinski, Cage, ou encore Verdi pour le ballet intégré dans son opéra Les Vêpres siciliennes ;\u000ales compositions symphoniques : Rondes de printemps de Debussy, la Symphonie n° 1 « Le Printemps » de Schumann, la Symphonie n° 1 « Rêves d'hiver » de Tchaïkovski, Les Chasseurs dans la neige de Dufourt ;\u000ales œuvres chorales : Spring Symphony de Britten, l'oratorio Les Saisons de Haydn, Le Bûcher d’hiver de Prokofiev ;\u000ales pièces pour piano : Étude op. 25 n° 11 « Le Vent d’hiver » de Chopin, Les Saisons de Tchaïkovski ;\u000ade nombreux textes évoquant les saisons sont également mis en musique par les compositeurs dans des mélodies, des lieder, des madrigaux...\u000a\u000aArts visuels\u000aAux XVIIe et XVIIIe siècles, les saisons sont un thème récurrent dans les arts décoratifs (papiers peints, gravures, porcelaines…), mais également dans la sculpture et la peinture :\u000a\u000aen peinture, les saisons peuvent être représentées à travers des paysages ou des scènes de vie (la série Les Saisons de Poussin, les six tableaux du Cycle des saisons de Brueghel l’Ancien), ou par des personnages allégoriques (les peintures de Andrea Casali, de Pierre Gobert, Allégorie de l’été et l’hiver de Giovanni Battista Pittoni) ;\u000aen sculpture, la représentation des saisons est presque toujours allégorique : Le Printemps et L’Automne de François Barois, L’Hiver de Pierre Legros l’Aîné ou de Jean-Melchior Raon, sans compter les nombreuses sculptures dans le parc du château de Versailles.\u000a, "," Auteurs : Jean-Marc Goossens, Floriane Goubault et Jean-Marie Lamour, "," Imprimer, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité sur le portail Éduthèque de la Philharmonie de Paris.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","À voir aussi "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"any_suggest":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Concerto pour violon op. 8 n° 3, L'Automne, les Quatre Saisons, Antonio Vivaldi, canonical-pad"],"Title_idx":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"spellingShingle":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Concerto pour violon op. 8 n° 3, L'Automne, les Quatre Saisons, Antonio Vivaldi, canonical-pad"],"textSpelling":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Concerto pour violon op. 8 n° 3, L'Automne, les Quatre Saisons, Antonio Vivaldi, canonical-pad"],"of_title":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"Title_sort":["L’Automne extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"ContentDescription":["L’Automne, extrait des Quatre Saisons de Vivaldi, est un concerto pour violon édité en 1725. 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Se repérer dans le temps et le mesurer","24|_|ScC2-3 - Se repérer dans le temps et le mesurer","_|1036|ScC2-3 - Se repérer dans le temps et le mesurer","_|_|ScC2-3 - Se repérer dans le temps et le mesurer","24|1036|HDAC4-43 - Danse populaire, danse de cour, danse stylisée","24|_|HDAC4-43 - Danse populaire, danse de cour, danse stylisée","_|1036|HDAC4-43 - Danse populaire, danse de cour, danse stylisée","_|_|HDAC4-43 - Danse populaire, danse de cour, danse stylisée","24|1036|MusC4-F35b - Forme narrative","24|_|MusC4-F35b - Forme narrative","_|1036|MusC4-F35b - Forme narrative","_|_|MusC4-F35b - Forme narrative","24|1036|ItCAP-BPro-13 - Grandes œuvres célèbres","24|_|ItCAP-BPro-13 - Grandes œuvres célèbres","_|1036|ItCAP-BPro-13 - Grandes œuvres célèbres","_|_|ItCAP-BPro-13 - Grandes œuvres célèbres","24|1036|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","24|_|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","_|1036|MusC4-D24 - Différenciation des fonctions musicales complémentaires","_|_|MusC4-D24 - 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","fr","français","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"," Page découverte\u000a\/\/ , "," Symphonie n° 40 Wolfgang Amadeus Mozart, "," Le château de Schönbrunn à Vienne (détail), par Bernardo Bellotto, 1758-1761. Kunsthistorisches Museum, Vienne, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique symphonique\u000a\u000a\u000aComposition\u000aen 1788 à Vienne\u000a\u000a\u000aForme\u000asymphonie en quatre mouvements :I. Molto allegroII. AndanteIII. MenuetIV. Allegro assai\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 1 flûte, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassonscuivres : 2 corscordes : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition Depuis son installation à Vienne en 1781, Mozart n’a composé que trois symphoniesLa Symphonie n° 35 « Haffner » pour le maire de Salzbourg, la Symphonie n° 36 pour Linz, la Symphonie n° 38 pour Prague. La Symphonie n° 37 est une introduction à la Symphonie n° 25 en sol majeur de Michael Haydn. dont aucune n’est destinée au public viennois. Entre juin et août 1788, il compose d’un coup trois nouvelles symphonies qui vont marquer l’histoire de la musique par leurs idées novatrices. Les raisons pour lesquelles elles furent composées restent inconnues. Elles ne semblent pas être le fruit d’une commande particulière et on suppose que Mozart les a écrites pour un concert qu’il prévoyait de donner à Vienne. Cependant, ces trois symphonies n’ont probablement jamais été données de son vivant.\u000aLa lecture du manuscrit de la Symphonie n° 40 en sol mineur nous apprend que l’auteur a ajouté des clarinettes non prévues au départ : peut-être y a-t-il eu répétition de l’œuvre dès 1788, suivie de modifications. Il paraît probable par ailleurs que Mozart ait emporté ces toutes nouvelles symphonies avec lui, lors de ses voyages de 1789 et 1790 : la Symphonie n° 40 aurait pu être exécutée lors d’un concert à Leipzig, le 12 mai 1789. Elle a sans doute été aussi donnée sous la direction de SalieriCompositeur officiel de la cour de Vienne, maître de chapelle de l’empereur et directeur de l’opéra italien, Antonio Salieri (1750-1825) est une personnalité essentielle de la vie musicale viennoise. Auteur de nombreux opéras, il se consacre également à l’enseignement et compte parmi ses élèves plusieurs futurs compositeurs talentueux tels que Beethoven et Schubert. les 16 et 17 avril à Vienne. Publiée en 1794, cette œuvre est aujourd’hui l’une des plus célèbres de Mozart, admirée des compositeurs tels que Robert Schumann (1810-1856), Johannes Brahms (1833-1897), ou encore Arnold Schönberg (1874-1951)., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro molto\u000aParmi ses 41 symphonies, la tonalité de sol mineur n’a été utilisée par Mozart que deux fois, par ailleurs pour les deux seules symphonies écrites dans un ton mineur. C’est pour lui la couleur du drame et de l’inquiétude.\u000aLe mouvement débute sur des batteries de croches jouées aux altos, puis le thème principal fait son entrée aux violons, ponctué d’harmonies dissonantes. Apparaît ensuite un second thème, qui contraste avec le premier : plus optimiste, il est en mode majeur. Le développement s’organise autour de tonalités tourmentées : c’est un voyage mouvementé où l’on retrouve principalement des bribes du premier thème, dont les premières notes répétées sont jouées avec insistance. Après ce trajet presque romantique, les deux thèmes du début sont énoncés à nouveauC’est ce qu’on appelle la réexposition., mais le deuxième cette fois en mineur.\u000aII. Andante\u000aAprès la frénésie dramatique de l’Allegro, le deuxième mouvement, andante, est un moment de repos, calme et gracieux. Le thème principal, constitué d’un saut suivi de notes répétées, est amorcé par les entrées successives des cordes en imitation : altos, violons 2 puis violons 1.\u000a\u000aAu cours de sa mélodie, il fait entendre un court motif rythmique de deux notes rapides (triples croches), motif qui sera ensuite le prétexte à un jeu d’échange entre les différents instruments de l’orchestre. C’est ce même motif qui, par la suite, sert de base au développement : partie centrale du mouvement, celui-ci est d’un caractère plus dramatique, avec plusieurs incursions dans le mode mineur. Enfin, la réexposition fait entendre à nouveau le thème principal.\u000aIII. Menuetto\u000aLe menuet de ce troisième mouvement est vif et très rythmique. Il contraste fortement avec le trio central, en sol majeur, plus léger et détendu, et qui accorde une place importance aux vents.\u000aIV. Allegro assai\u000aLe premier thème de ce mouvement joue sur les contrastes sur tous les plans : contraste de nuances avec alternances de piano et de forte subito, et contraste dans l’effectif instrumental avec un dialogue entre les cordes et tout l’orchestre (tutti). Tout comme dans le premier mouvement, ce thème est porté par un rythme perpétuel de croches, qui passe d’instrument en instrument, et amène une certaine frénésie à l’ensemble. Apparaît le second thème, plus calme, plus chantant. Le développement qui suit tourne autour de la tête (les premières notes) du premier thème, et fait entendre un rapide fugatoMoins rigoureux que la fugue dans son écriture, le fugato est un court passage traité en imitation.. Après un silence soudain et surprenant, on retrouve les deux thèmes au cours de la réexposition., "," Auteur : Bruno Guilois, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils {\"SearchContext\":11,\"Grid\":null,\"QueryString\":\"Identifier_idx:(4257 OR 1768 OR 4553)\",\"SelectionUid\":0,\"OriginalQueryString\":null,\"CloudTerms\":[],\"ScenarioCode\":\"EDUTHEQUE\",\"FacetFilter\":null,\"SortOrder\":0,\"SortField\":\"DateOfInsertion_sort\",\"SortFieldRandomSeed\":null,\"Page\":0,\"ResultSize\":3,\"SessionGuid\":null,\"ForceSearch\":false,\"TemplateValue\":null,\"TemplateParams\":{\"ScenarioCode\":\"\",\"SourceCode\":\"\",\"Support\":\"\",\"Size\":null,\"Scope\":\"\"},\"InjectFields\":true,\"XslPath\":\"Recherche\/encart_search.xslt\",\"UseCanvas\":false,\"AsyncOFInsertion\":null,\"InjectOpenFind\":false,\"ForceOpenFindUpdate\":false,\"SearchLabel\":null,\"InjectFacets\":null,\"Block\":null,\"GroupField\":null,\"GroupSize\":0,\"UseGrouping\":null,\"UseCache\":true,\"SiteCodeRestriction\":null,\"RawQueryParameters\":null,\"PageRange\":3,\"StartDateFilter\":null,\"EndDateFilter\":null,\"ListSelectionPage\":null,\"SearchTerms\":\"Identifier_idx 4257 OR 1768 4553\",\"ScenarioDisplayMode\":\"display-standard\",\"DecodedFacets\":[]}, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : 100% Mozart\u000a\u000a Une sélection de ressources (fiches œuvres, portrait de compositeurs, guides d'écoute...) pour se préparer au concert éducatif « 100% Mozart » du 11 avril 2019 à la Philharmonie de Paris.\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîtes à outils : Mozart 40\u000a\u000a Un ensemble de ressources (fiche œuvre, portrait de compositeur, guide d’écoute) pour préparer le concert « Mozart 40 » donné le 30 avril 2020 à la Cité de la musique - Philharmonie de Paris.\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : Mozart\u000a\u000a Dans le cadre des outils éducatifs, la boîte à outils Mozart de la Philharmonie de Paris permet aux enseignants de préparer leurs élèves au concert éducatif du 24 janvier 2009\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"any_suggest":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"Title_idx":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"spellingShingle":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"textSpelling":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"of_title":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"Title_sort":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"ContentDescription":["Composée en 1788, en même temps que les Symphonies n° 39 et 41, la Symphonie n° 40 de Mozart est aujourd’hui l'une de ses plus célèbres œuvres, admirée des compositeurs tels que Schumann ou Brahms. 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Pantalon et Colombine XVII. Valse allemande XVIII. Paganini XIX. Aveu XX. Promenade XXI. Pause XXII. Marche des Davidsbündler contre les Philistins\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000apiano seul\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition Après l’irrévocable paralysie de son doigt en 1832, Schumann abandonne définitivement l’idée d’une carrière de pianiste virtuose et se lance dans la composition. Carnaval est l’une de ses premières œuvres importantes, après les Variations Abegg et Papillons. Ce recueil de petites pièces pour piano est composé entre 1834 et 1835, alors que Schumann est fiancé à Ernestine von Fricken, élève comme lui de Friedrich Wieckle père de Clara Wieck, future épouse de Schumann. L’œuvre lui est implicitement dédiée en faisant musicalement référence à son lieu de naissance, la ville de Asch. Après la rupture de ses fiancailles, Schumann décide de dédier Carnaval au violoniste Carl Lipinski.\u000aEn 1910, Carnaval est repris par les Ballets russes de Serge Diaghilev dans une version orchestrale de, entre autres, Rimksi-Korsakov et Glazounov. Michel Fokine réalise la chorégraphie et Léon Bakst les costumes., ","Déroulé de l’œuvre Arlequin, peinture de Paul Cézanne, 1888-1890. National Gallery of Art, Washington, DC\u000aLe carnaval est un thème récurrent chez Schumann, même dans des œuvres qui n’en portent pas le nom : outre le Carnaval op. 9, il compose également le Faschingsschwank aus Wien (Carnaval de Vienne), les Scènes de Bal... La vision qu’a le compositeur du carnaval est directement inspirée d’un livre de son auteur favori, Jean-Paul Richter : dans FlegeljahreL'expression signifie « l'âge ingrat ». Mais elle ne traduit pas exactement l'esprit du roman de Jean-Paul. Il faudrait plutôt la comprendre comme « les premières frasques de jeunesse »., une scène de bal présente une succession de visions brèves et fantastiques, se suivant dans un désordre apparent. Déjà dans Papillons, Schumann s’inspire explicitement de ce roman. Dans Carnaval, la référence est plus tacite, mais on retrouve la même atmosphère de bal masqué fantastique : les différentes pièces, très courtes, se suivent et présentent une galerie de personnages agissant sous le masque et qui se croisent, se rejoignent, se séparent... On y trouve des personnages de la Commedia dell’ arte (Arlequin, Pierrot, Colombine...) mais aussi certains des DavidsbündlerLes Davidsbündler (« les compagnons de David ») sont un groupe d'amis rassemblés autour de Schumann et de sa revue musicale, la Neue Zeitschrift für Musik (dont le premier numéro est sorti en avril 1834). Signant des critiques musicales sous leur nom ou sous un pseudonyme, ils entendent grâce à cette revue défendre leurs propres goûts musicaux. Parmi ces compagnons, on trouve entre autres le compositeur Mendelssohn (Méritis), mais aussi Ernestine von Fricken (Estrella) et Clara Wieck (Chiarina). : Eusebius et Florestan (les deux personnalités de Schumann), Chiarina (Clara Wieck) et Estrella (Ernestine von Fricken). Apparaissent également des compositeurs contemporains : Chopin et Paganini.\u000aL’œuvre est sous-titréeSchumann choisit d'indiquer tous les titres et sous-titres de Carnaval en français, et non en allemand. « Scènes mignonnes sur quatre notes ». Les quatre notes en question sont A (la en allemand), S (contraction de Es, prononcé « s », équivalant à mi bémol), C (do) et H (si). L’ensemble forme le mot Asch, la ville natale d’Ernestine. Mais ce nom peut également se lire en trois notes, avec A et S regroupées pour former As (soit la bémol). Schumann joue sur cette ambiguïté : dans chaque pièce (à l’exception du Préambule), il insère ce motif, utilisant d’abord la formule à quatre notes (la - mi bémol - do - si) puis celle à trois notes (la bémol - do - si). Formant souvent les premières notes de la pièce comme un élan initial, parfois glissé de manière plus cachée, ce court motif mélodique est le fil conducteur du recueil.\u000aLes pièces vont souvent par paires. Successives ou dissociées, elles se font mutuellement écho dans le recueil :\u000a\u000aPréambule et la Marche des Davidsbündler ;\u000aPierrot et Arlequin ;\u000aValse noble et Valse allemande ;\u000aEusebius et Florestan ;\u000aCoquette et sa Réplique ;\u000aChiarina et Estrella ;\u000aChopin et Paganini...\u000a, ","Focus sur quelques pièces Le recueil s’ouvre avec la pièce Préambule, qui donne un rapide aperçu du bal masqué à venir. Comme indiqué précédemment, c’est la seule pièce (avec Pause qui reprend une partie de ce Préambule) à ne pas faire entendre le motif « Asch ». Un thème majestueux introduit le morceau et annonce l’arrivée des invités : nuance fortissimo, avec de nombreux accents, c’est presque une marche en fanfare qui trouvera un écho dans le morceau final. Puis vient un épisode central sur un rythme de valse, le bal proprement dit. Enfin, la pièce se termine dans un mouvement Presto : le rythme s’accélère et s’emballe, le bal devient une farandole effrenée haute en couleurs !\u000aLe Préambule trouve son pendant dans la Marche des Davisbündler contre les Philistins qui clôt le recueil. Le morceau démarre avec un thème de marche brillante, au son duquel les convives défilent. Puis une valse se fait entendre, sur une mélodie que Schumann définit comme un « thème du XVIIe siècle ». Ce thème alterne ensuite avec la valse du Préambule. La pièce se termine sur le retour du Presto endiablé du Préambule.\u000aLa première paire du Carnaval est celle que forment les pièces Pierrot et Arlequin, inspirées de deux personnages de la Comédie italienne. Pierrot est un doux rêveur : sa pièce revêt un caractère mélancolique, dans une nuance très douce (pianissimo). Mais il est sans cesse rappelé durement à la réalité par un motif mélodique de trois notes joué soudainement très fort, ponctuant tout le morceau. À l’opposé, Arlequin est gai et facétieux : son thème mélodique est caractérisé par des notes courtes et vives (piquées) qui figurent un personnages sautillant, tandis que les petites notes vives qui s’échappent vers l’aigu sont comme des pirouettes.\u000aUne Valse noble sépare cette première paire de la suivante : Eusebius et Florestan. Ces deux pièces représentent la double personnalité de Schumann, semblables dans leur opposition à Pierrot et Arlequin. Eusebius est un personnage poétique qui s’exprime avec délicatesse et sensibilité. Sa pièce, adagio et jouée sotto voce (à mi-voix), est faite de longues phrases onduleuses construites autour d'un court motif musical omniprésent : un groupe de notes qui tournent autour d'une note principale. Florestan est beaucoup plus franc et passionné : ponctuée d’accents affirmés, sa pièce est emplie d’élan et de mouvement, aussi bien dans le tempo (ralenti, accélération) que dans les nuances (crescendo, decrescendo). Elle se termine en suspens.\u000aFrédéric Chopin, d’après un portrait de P. Schick. Gallica-BnF\u000aUn autre couple du carnaval est celui formé des deux pièces Chopin et Paganini. Ces deux compositeurs ont fait grande impression sur Schumann. Dans une de ses premières critiques musicales, il écrit à propos du jeune Chopin encore peu connu du public : Chapeau bas, Messieurs, voici un génie !, et le concert de Paganini en 1830 n’est sans doute pas étranger à la décision de Schumann de faire une carrière dans la musique. Déjà son opus 3, les Études d’après les Caprices de Paganini, s’inspirent des œuvres du violoniste virtuose. Les deux morceaux de Carnaval sont donc des hommages explicites rendus à ces brillants compositeurs qu’il admire. La pièce Chopin est écrite à la manière du pianiste polonais, notamment celle des Nocturnes : mélancolique, très expressive, une douce mélodie à la main droite est accompagnée de grands arpègesOn parle d’arpège lorsque les notes d’un accord sont jouées successivement, et non plaquées toutes en même temps. à la main gauche. La pièce Paganini retranscrit la virtuosité diabolique du compositeur et la technique de jeu du violon, dans une suite étourdissante de doubles croches. Elle se termine avec un rappel du morceau précédent, Valse allemande.\u000aLa pièce Sphinxes est très particulière : trois mesures, respectivement intitulées « n° 1 », « n° 2 » et « n° 3 », formées de quelques notes. Ce morceau est un tel mystère que beaucoup de pianistes décident même de ne pas le jouer ! En réalité, cette pièce donne à entendre les différents codes musicaux du recueil :\u000a\u000ala mesure n° 1 est composée des notes mi bémol - do - si - la, soit en allemand S-C-H-A, les quatre lettres du nom « SCHumAnn » que l’on peut traduire musicalement ;\u000ala mesure n° 2 est composée du mot « Asch » dans sa forme en trois notes (la bémol - do - si) ;\u000ala mesure n° 3 est composée du mot « Asch » dans sa forme en quatre notes (la - mi bémol - do - si).\u000a, "," Auteur : Floriane Goubault, "," Imprimer, ","À voir aussi "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Carnaval de Robert Schumann"],"any_suggest":["Carnaval de Robert Schumann","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Carnaval, Robert Schumann, canonical-pad"],"Title_idx":["Carnaval de Robert Schumann"],"spellingShingle":["Carnaval de Robert Schumann","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Carnaval, Robert Schumann, canonical-pad"],"textSpelling":["Carnaval de Robert Schumann","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Carnaval, Robert Schumann, canonical-pad"],"of_title":["Carnaval de Robert Schumann"],"Title_sort":["Carnaval de Robert Schumann"],"ContentDescription":["Composée en 1834-1835, Carnaval est l’une des premières œuvres importantes de Schumann. 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Ce ballet se distingue par la remarquable qualité de sa musique.\u000a<\/p>\u000a<p class=\"page-cms\">\u000a <a class=\"link-absoluteUri btn btn-default\" href=\"https:\/\/edutheque.philharmoniedeparis.fr\/0796242-casse-noisette-de-piotr-ilitch-tchaikovski.aspx\" title=\"Consulter\" id=\"2021\">Consulter<\/a>\u000a<\/p>\u000a<\/div>\u000a<style>\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a<\/style>\u000a<!-- \/CMS SHORT -->\u000a","FieldList":{"sys_support":["CMS"],"Identifier":["2021"],"Identifier_idx":["2021"],"any":["2021","Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski","Casse-Noisette de Tchaïkovski est un ballet dont l’argument s'inspire de la version d’Alexandre Dumas d'un conte d'Hoffmann. 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Hoffmann, Casse-Noisette et le roi des souris\u000a\u000a\u000aComposition\u000aen 1891-1892\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 18 décembre 1892 au Théâtre Mariinsky à Saint-Pétersbourg, sur une chorégraphie de Lev Ivanov et sous la direction de Riccardo Drigo\u000a\u000a\u000aForme\u000aballet en deux actes\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000avoix : chœur de 24 voix d’enfants ou de femmesbois : 3 flûtes (dont 1 piccolo), 2 hautbois, 1 cor anglais, 2 clarinettes, 1 clarinette basse, 2 bassonscuivres : 4 cors, 2 trompettes, 3 trombones, 1 tubapercussions : timbales, cymbales, grosse caisse, triangle, tam-tam, tambourin, castagnettes, glockenspiel, célesta, jouets (hochet, coucou...)cordes pincées : 2 harpescordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Un ballet classique dans la lignée des romantiques Marius Petipa, 1899. Library of Congress\u000aTchaïkovski est avant tout un compositeur romantique reconnu pour ses nombreux ballets : Le Lac des cygnes, La Belle au bois dormant et bien sûr Casse-Noisette. À cette époque, en Russie, le ballet classique est particulièrement à la mode : des chorégraphes de renom, comme le français Marius Petipadanseur et chorégraphe français né en 1818 et mort en 1910, particulièrement connu pour avoir fait les beaux jours du ballet classique en Russie, mettent en scène des danseuses qui évoluent désormais sur scène en tutu court qui laisse les jambes libres et en pointes pour produire des figures d’une extrême élégance. Le ballet Casse-Noisette se distingue par la qualité de sa musique qui reste encore aujourd’hui dans les mémoires.\u000aL’argument\u000aL’histoire de Casse-Noisette mise en musique par Tchaïkovski s’inspire de l’écrivain Alexandre Dumasécrivain français né en 1802 et mort en 1870. Une petite fille, Clara, reçoit à Noël un casse-noisette en bois, qui a la forme d’un petit bonhomme. La nuit, les souris attaquent les jouets que Clara défend avec vigueur. Le casse-noisette se transforme alors en prince charmant, et entraîne Clara dans son royaume, le royaume des sucreries. La fée Dragée organise de grandes fêtes pour recevoir les deux visiteurs : de nombreux numéros de danse se succèdent devant eux, exécutés par les sujets de ce royaume magique.\u000aPour la musique, Tchaïkovski utilise l’orchestre symphonique traditionnel en y ajoutant certains instruments inhabituels comme le célestasorte de petit piano dont les marteaux frappent des lames de métal, inventé en 1868 par Mustel qu’il vient de découvrir à Paris lors de l’un de ses voyages. Il est l’un des premiers compositeurs à utiliser cet instrument en Russie., ","Focus sur quelques numéros du ballet Alexandre Dumas, Histoire d’un casse-noisette. Gallica-BnF\u000aTrepak - Danse russe\u000aPour cette danse, très brève (moins d’une minute) et très rapide, Clara et le casse-noisette sont dans le pays des délices. C’est la quatrième des danses offertes aux deux visiteurs.\u000aOn entend d’abord le premier thème, très rapide, joué quatre fois par les cordes. Le tambourin, qui intervient dès la troisième occurence du thème, en accentue le caractère vif et dansant. Un deuxième thème, dans le même esprit que le premier, est très brièvement entendu. Puis une petite transition mène à nouveau au premier thème, qui termine la pièce dans un crescendo et un accelerando étourdissant.\u000aDanse de la fée Dragée\u000aLa fée Dragée danse seule pour Clara et le casse-noisette, en visite au pays des délices. Il s’agit là aussi d’une danse très courte, d’atmosphère complètement différente du Trepak : plus mystérieuse et secrète. Elle débute par une très courte introduction, jouée en pizzicatosen pinçant les cordes avec le doigt par les cordes. Le thème principal apparaît, joué par le célesta dans un registre aigu, et ponctué par les interventions dans le grave de la clarinette basse. S’ensuit un jeu de question-réponse entre le célesta, accompagné des bassons et clarinettes, et les altos, cors et cor anglais. Une courte transition, où le célesta égrène seul de délicats arpèges, amène le retour du thème principal qui clôt la danse., "," Auteurs : Bruno Guilois et Julie David, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils {\"SearchContext\":11,\"Grid\":null,\"QueryString\":\"Identifier_idx:(2016 OR 1763)\",\"SelectionUid\":0,\"OriginalQueryString\":null,\"CloudTerms\":[],\"ScenarioCode\":\"EDUTHEQUE\",\"FacetFilter\":null,\"SortOrder\":0,\"SortField\":\"DateOfInsertion_sort\",\"SortFieldRandomSeed\":null,\"Page\":0,\"ResultSize\":3,\"SessionGuid\":null,\"ForceSearch\":false,\"TemplateValue\":null,\"TemplateParams\":{\"ScenarioCode\":\"\",\"SourceCode\":\"\",\"Support\":\"\",\"Size\":null,\"Scope\":\"\"},\"InjectFields\":true,\"XslPath\":\"Recherche\/encart_search.xslt\",\"UseCanvas\":false,\"AsyncOFInsertion\":null,\"InjectOpenFind\":false,\"ForceOpenFindUpdate\":false,\"SearchLabel\":null,\"InjectFacets\":null,\"Block\":null,\"GroupField\":null,\"GroupSize\":0,\"UseGrouping\":null,\"UseCache\":true,\"SiteCodeRestriction\":null,\"RawQueryParameters\":null,\"PageRange\":3,\"StartDateFilter\":null,\"EndDateFilter\":null,\"ListSelectionPage\":null,\"SearchTerms\":\"Identifier_idx 2016 OR 1763\",\"ScenarioDisplayMode\":\"display-standard\",\"DecodedFacets\":[]}, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : Les Ballets russes \u000a\u000a Dans le cadre des outils éducatifs, la boîte à outils Les Ballets russes de la Philharmonie de Paris permet aux enseignants de préparer leurs élèves aux concerts éducatifs des 2 et 8 octobre 2010 \u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski"],"any_suggest":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Casse-Noisette","Piotr Ilitch Tchaïkovski, canonical-pad"],"Title_idx":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski"],"spellingShingle":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Casse-Noisette","Piotr Ilitch Tchaïkovski, canonical-pad"],"textSpelling":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Casse-Noisette","Piotr Ilitch Tchaïkovski, canonical-pad"],"of_title":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski"],"Title_sort":["Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski"],"ContentDescription":["Casse-Noisette de Tchaïkovski est un ballet dont l’argument s'inspire de la version d’Alexandre Dumas d'un conte d'Hoffmann. 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Presto\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000aviolon solo, violons 1, violons 2, altos, violoncelles et basse continue (clavecin)\u000a\u000a\u000a, ","Qu’est-ce qu’un concerto ? Il s’agit d’une composition musicale opposant un ou plusieurs instruments solistes à un orchestre. Vivaldi, à la suite des compositeurs italiens Corelli et Torelli, participe au développement de ce genre très prisé par les générations suivantes.\u000aÀ l’époque de Vivaldi, c’est le concerto grosso qui domine : un ensemble de solistes (le concertino) dialogue avec l’orchestre (le ripieno). Progressivement, Vivaldi va faire ressortir non plus un bloc d’instruments, mais un seul soliste. Ce choix est à peu près définitif à partir des concertos du recueil La Stravaganza, édité à 36 ans. De plus, grâce au compositeur vénitien, le concerto adopte rapidement une forme en trois mouvements, vif-lent-vif, qui se généralise par la suite. Les concertos de Vivaldi sont traités de telle manière qu’ils permettent au soliste de mettre en valeur tout son talent., ","Contexte de composition Le 14 décembre 1725, la Gazette d’Amsterdam annonce la parution de l’Opus n° 8 d’Antonio Vivaldi, Il Cimento dell’Armonia e dell’ InventioneL’épreuve de l’harmonie et de l’invention, un nouveau recueil de concertos pour violon. Treize ans après son premier recueil, l’Opus n° 3 intitulé L’Estro ArmonicoPremières œuvres à être éditées chez l’important éditeur d’Amsterdam Estienne Roger, ce recueil comporte, entre autres, des concertos de soliste, grande nouveauté pour l’époque. (1711), et cinq ans après son dernier opus (1720), Vivaldi poursuit dans le genre du concerto pour soliste qu’il a largement contribué à développer. Il en fixe la forme en trois mouvements (vif-lent-vif) et généralise l’utilisation de la forme ritournellealternance de ritournelles jouées tutti (par tout l’orchestre) et de passages solistes dans les mouvements rapides.\u000aL’Opus n° 8 comprend douze concertos. Certaines de ces pièces, dont les fameuses Quatre Saisons, ont été composées avant 1725 comme le laisse entendre la dédicace de Vivaldi au comte Wenzel von Morzin : Ne soyez pas surpris, je vous prie, si, parmi ces quelques faibles concertos, V. ILL. S. retrouvera les Quatre Saisons qu’elle a accueillies autrefois avec une très généreuse bonté. Le retard de la publication est sans doute dû à des difficultés rencontrées par l’éditeurEstienne Roger, malade, décède en 1722. C’est son gendre, Michel-Charles Le Cène, qui rependra l’entreprise et publiera le recueil de Vivaldi.. Dans sa dédicace, le compositeur ajoute que les concertos des Quatre Saisons sont désormais chacun accompagnés d’un argument littéraire : un sonnet pour chaque saison (dont Vivaldi pourrait lui-même être l’auteur). La partitionIl n’existe pas de manuscrit autographe des Quatre Saisons. Les partitions les plus anciennes sont les copies de Manchester issues de la collection musicale de Pietro Ottoboni, datant peut-être de 1726. est annotée de lettres majuscules renvoyant aux différents vers des sonnets, ainsi que de commentaires explicites sur ce que la musique cherche à illustrer (« le chien aboie », « vents violents » ou encore « la complainte du villageois »). Vivaldi utilise de nombreux effets et figuralismesprocédés qui permettent d'évoquer musicalement une idée, un sentiment déjà largement employés dans l’opéra, un genre dont il maîtrise à la perfection les codesVivaldi revendique avoir composé plus de 90 opéras. Même si ce nombre est sans doute exagéré, on en recense toutefois plus de 40.. Les ritournelles tuttipar tout l’orchestre des mouvements rapides peignent le décor et l’ambiance générale, tandis que les passages solistes expriment des détails plus précis (comme des chants d’oiseaux bien spécifiques : coucou, tourterelle…). Les mouvements lents, plus statiques, chargés d’une atmosphère souvent pesante, sont le prétexte aux instants de repos et de sommeil., ","Texte du poème accompagnant le concerto \u000aI. Allegro mà non moltoA. Sotto dura Stagion dal Sole accesa Langue l’Uom, langue ’l Gregge, ed arde il PinoB. Scioglie ’l Cucco la voce, e tosto intesaC. Canta la Tortorella, e ’l Gardelino.D. Zeffiro dolce spira, mà contesa Muove Borea improviso al suo vicinoE. E piange il Pastorel, perchè sospesa Teme fiera borasca, e ’l suo destino.\u000aII. AdagioF. Toglie alle membra lasse il suo riposo Il timore de’ Lampi, e tuoni fieri E de’ mosche, e mossoni il stuol furioso.\u000aIII. PrestoG. Ah che pur troppo i suoi timor son veri Tuona, fulmina il Ciel, e grandinoso Tronca il capo alle spiche, e à grani altieri.\u000a\u000a\u000aI. Allegro mà non moltoA. Par la dure saison qu’attise le soleil ardentL’homme est harassé, ainsi que le troupeau, et le pin se consume ;B. Le coucou retrouve sa voix et joint son chantC. À celui de la tourterelle, puis du chardonneret.D. Zéphyr passe doucement ;Mais Borée qui arrive le bouscule.E. Inquiet, le berger pleureCar il craint la rude bourrasque et ses effets.\u000aII. AdagioF. Les éclairs, les coups de tonnerre Le vrombissement furieux des mouches et des insectes L’empêchent de se reposer et de soulager ses membres las.\u000aIII. PrestoG. Ah comme ses craintes sont réelles ! Il tonne ; la foudre gronde dans le ciel et la grêle Couche au sol les blés, et tous les autres grains.\u000a\u000aLe texte en italien est tiré de la partition éditée par Bärenreiter en 2002. La traduction du texte est tirée du livre Antonio Vivaldi de Sylvie Mamy, Éditions Fayard, 2011., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro mà non molto\u000aCe premier mouvement plonge immédiatement l’auditeur dans la torpeur provoquée par la chaleur de l’été. La lassitude de « l’homme harassé » sous « le soleil ardent » (A) est figurée par les gammes descendantes liées, relayées entre les violons et les cordes graves. On se laisse alors bercer par le balancement langoureux de la ritournelle introductive : un rythme anapeste (deux brèves + une longue) répété, chaque fois donné un ton plus bas et suivi d’un silence éloquent. Soudain, le chant du coucou retentit (B) : le premier solo du violon est une suite effrénée de notes rapides, régulièrement ponctuée d’un intervalle de tierce descendante, caractéristique du chant du coucou. La ritournelle langoureuse revient avant le deuxième solo de violon, chantant la tourterelle et le chardonneret (C). Le tutti qui suit évoque le vent qui se lève (D) : d’abord doucement, nuance piano, puis en bourrasques tournoyantes, forte. Le berger inquiet émet un chant plaintif (E) : la ligne mélodique, sinueuse, crée des dissonances avec la basse qui procède par mouvements chromatiquespar demi-tons descendants. Le retour de la bourrasque clôt le mouvement : avec toutes les cordes à l’unisson\/octave, sans ritournelle de fin, le vent violent triomphe de l’atmosphère pesante de l’été.\u000aII. Adagio\u000aLe berger n’en finit pas de se plaindre dans ce deuxième mouvement : après les bourrasques du vent, les mouches et autres insectes l’empêchent de dormir (F). Ceux-ci sont figurés par un motif pointé aux violons répété en ostinatomotif mélodique et\/ou rythmique, inlassablement répété , tandis que le violon solo émet par-dessus sa complainte. Par moments, le grondement menaçant de l’orage qui approche se fait entendre dans les trémolosrépétition très rapide d’une même note des cordes à l’unisson\/octave.\u000aIII. Presto\u000aL’orage (G) est enfin là dans le dernier mouvement. La ritournelle d’introduction fait entendre plusieurs éléments figurant la tempête : le tonnerre est représenté par les trémolos des cordes à l’unisson\/octave (déjà entendus dans le deuxième mouvement), les bourrasques de pluie et de vent par les grandes gammes descendantes, les éclairs par les fusées ascendantes… Les ritournelles orageuses alternent avec des passages solistes, très virtuoses, qui ont fait le succès de cette pièce., "," La Moisson, de Pieter Bruegel l'ancien, 1565. Metropolitan Museum CC0, "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000aMusique\u000aLes saisons sont un thème abordé par de nombreux compositeurs, à toutes les époques. Elles font l’objet de compositions appartenant à tous les genres musicaux :\u000a\u000ala musique de ballet : Lully, Glazounov, Stravinski, Cage, ou encore Verdi pour le ballet intégré dans son opéra Les Vêpres siciliennes ;\u000ales compositions symphoniques : Rondes de printemps de Debussy, la Symphonie n° 1 « Le Printemps » de Schumann, la Symphonie n° 1 « Rêves d'hiver » de Tchaïkovski, Les Chasseurs dans la neige de Dufourt ;\u000ales œuvres chorales : Spring Symphony de Britten, l'oratorio Les Saisons de Haydn, Le Bûcher d’hiver de Prokofiev ;\u000ales pièces pour piano : Étude op. 25 n° 11 « Le Vent d’hiver » de Chopin, Les Saisons de Tchaïkovski ;\u000ade nombreux textes évoquant les saisons sont également mis en musique par les compositeurs dans des mélodies, des lieder, des madrigaux...\u000a\u000aArts visuels\u000aAux XVIIe et XVIIIe siècles, les saisons sont un thème récurrent dans les arts décoratifs (papiers peints, gravures, porcelaines…), mais également dans la sculpture et la peinture :\u000a\u000aen peinture, les saisons peuvent être représentées à travers des paysages ou des scènes de vie (la série Les Saisons de Poussin, les six tableaux du Cycle des saisons de Brueghel l’Ancien), ou par des personnages allégoriques (les peintures de Andrea Casali, de Pierre Gobert, Allégorie de l’été et l’hiver de Giovanni Battista Pittoni) ;\u000aen sculpture, la représentation des saisons est presque toujours allégorique : Le Printemps et L’Automne de François Barois, L’Hiver de Pierre Legros l’Aîné ou de Jean-Melchior Raon, sans compter les nombreuses sculptures dans le parc du château de Versailles.\u000a, "," Auteurs : Jean-Marc Goossens, Floriane Goubault et Jean-Marie Lamour, "," Imprimer, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité sur le portail Éduthèque de la Philharmonie de Paris.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","Bac musique 2020 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2020\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option facultative ou l’enseignement de spécialité.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"any_suggest":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Antonio Vivaldi, L'Été des Quatre saisons, canonical-pad"],"Title_idx":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"spellingShingle":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Antonio Vivaldi, L'Été des Quatre saisons, canonical-pad"],"textSpelling":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Antonio Vivaldi, L'Été des Quatre saisons, canonical-pad"],"of_title":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"Title_sort":["L’Été extrait des Quatre Saisons d’Antonio Vivaldi"],"ContentDescription":["L’Été, extrait des Quatre Saisons de Vivaldi, est un concerto pour violon édité en 1725. 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National Gallery, Norvège, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Peer Gynt, musique de scène op. 23 de Edvard Grieg\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique de scène pour la pièce éponyme de Henrik Ibsen\u000a\u000a\u000aLibrettiste\u000aHenrik Ibsen\u000a\u000a\u000aLangue du livret\u000anorvégien\u000a\u000a\u000aComposition\u000ade 1874 à 1876\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 24 février 1876 au Christiana Theatre, à Oslo\u000a\u000a\u000aForme\u000amusique de scène divisée en cinq actes et 23 numéros (selon la partition complète éditée par Peters en 1908)\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000avoix : un récitant, solistes, et un chœurorchestre :- bois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons- cuivres : 4 cors, 2 trompettes, 2 trombones, 1 trombone basse, 1 tuba- percussions : timbales, cymbales, triangle, grosse caisse, caisse claire, tambourin, xylophone, cloches de vache- claviers : 1 piano, 1 orgue- cordes pincées : 1 harpe- cordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000aSuites orchestrales n° 1 op. 46 et n° 2 op. 55 \u000a\u000a\u000aDate de publication\u000a1888 (Suite n° 1) et 1891 (Suite n° 2)\u000a\u000a\u000aForme\u000aSuite n° 1 :1. Au matin2. La Mort d’Åase3. Danse d’Anitra4. Dans l’antre du roi de la montagne Suite n° 2 : 1. Enlèvement de la mariée 2. Danse arabe 3. Retour de Peer Gynt 4. Chanson de Solveig\u000a\u000a\u000a, ","Argument Drame philosophique, Peer Gynt est un voyage initiatique narrant les aventures d’un anti-héros en quête de rêve et d’identité. Oscillant sans cesse entre courage et lâcheté, Peer Gynt surmonte tant bien que mal les obstacles qu’il rencontre, le plus souvent par la fuite et le mensonge.\u000aActe 1. Fils de paysan, Peer Gynt, un jeune homme de vingt ans plein d’ambition, vit pauvrement avec sa mère Åase. Au village, on célèbre au son des violons les noces de la jeune et séduisante Ingrid.\u000aActe 2. Le jour du mariage, Peer Gynt enlève Ingrid et s’enfuit avec elle dans les bois. Mais très vite, il se lasse d’elle et finit par l’abandonner. Fuyant son village natal, il rencontre l’une des filles du roi de la montagne, qui l’entraîne dans le monde des trolls. Lorsqu’il comprend qu’il doit renoncer à sa condition humaine s’il veut l’épouser, Peer Gynt s’enfuit à nouveau.\u000aActe 3. Le jeune homme trouve refuge et réconfort auprès de la douce Solveig, mais finit par renoncer à son amour. Après être retourné auprès de sa mère, Åase, et avoir assisté à sa mort, il quitte la Norvège.\u000aActe 4. Vingt ans ont passé. Peer Gynt a échoué en Orient, où il est devenu un riche marchand d’esclaves. Après avoir perdu sa fortune dans le naufrage d’un de ses navires, il est accueilli en tant que prophète dans une tribu de bédouins du désert, dépouillé de ses derniers biens par la belle Anitra devenue sa maîtresse, et finit « empereur des fous » dans un asile au Caire.\u000aActe 5. Bien des années se sont écoulées, et c’est un vieillard qui revient désormais en Norvège. Là, Peer Gynt retrouve Solveig, qui n’a jamais cessé de l’attendre. Alors que le vieil homme expire dans ses bras, Solveig le console en lui annonçant qu’il a enfin terminé son voyage et trouvé le sens de sa vie.\u000aPeer Gynt, affiche pour la première représentation de la pièce à Paris au théâtre de l’Œuvre en 1896, lithographie de Edvard Munch. SLUB Deutsche Fotothek, ","Contexte de composition et de création C’est en 1867 que l’auteur norvégien Henrik Ibsen écrit son drame poétique Peer Gynt. En 1874, il formule le souhait de le porter à la scène sous la forme d’une pièce en musique. Impressionné par le talent de Grieg qu’il a eu l’occasion de côtoyer à Rome quelques années plus tôt, l’écrivain propose alors au compositeur norvégien de mettre en musique son drame. Grieg accepte aussitôt. Ibsen lui fournit quelques indications sur la manière dont il envisage lui-même le matériau musical mais s’en remet entièrement au jugement du compositeur et lui laisse totale liberté quant à la réalisation du projet. Il lui fait parvenir un manuscrit de son drame arrangé pour la scène, dont le texte sera tantôt déclamé, tantôt scandé ou chanté.\u000aPortrait de Henrik Ibsen. Österreichische Nationalbibliothek\u000aGrieg avance lentement sur la partition, dont l’écriture s’avère plus difficileDans une lettre au dramaturge Bjørnstjerne Bjørnson, il écrit qu’il doit composer sur le plus antimusical de tous les sujets, au point qu’il finit par se désintéresser quelque peu du projet : Je m’acharne encore sur la musique de Peer Gynt et cela ne m’intéresse pas, confie-t-il à un ami. que prévu. Il achève malgré tout la partition en juillet 1875, et les répétitions commencent en septembre. Préoccupé par le décès de ses deux parents en l’espace d’un mois seulement, Grieg ne vient pas à Oslo pour superviser les répétitions, ni même pour la première représentation de la pièce le 24 février 1876. L’œuvre est un réel succèsOn peut lire dans l’Aftenposten que la musique de Grieg était particulièrement efficace et merveilleusement adaptée aux diverses situations de la pièce. Nul doute que l’apport musical ait ainsi grandement contribué au succès de la pièce. Au point que le critique allemand Edward Hanslick écrira, en 1891 : Il se pourrait bien qu’avant longtemps ce Peer Gynt d’Ibsen ne continue à vivre qu’à travers la musique de Grieg. et sera donnée 36 fois au cours du printemps de la même année. Malheureusement, un tragique incident vient mettre un terme aux représentations : le 15 janvier 1877, un incendie se déclare dans le théâtre et consume l’ensemble des décors et costumes. Il faudra attendre quinze ans avant que Peer Gynt ne soit rejoué dans la ville d’Oslo., ","Les suites pour orchestre Après le succès retentissant de Peer Gynt sur scène, de nombreux arrangements pour piano de la partition voient le jour, destinés à être joués dans les salons. À l’occasion d’une reprise de la pièce à Copenhague en 1886, Grieg revoit certaines parties orchestrales et ajoute quatre nouvelles pièces (Procession de Noces op. 19 n° 2, et trois de ses Danses norvégiennes op. 35). En 1892, alors que Peer Gynt est rejoué pour la première fois à Oslo, le compositeur accepte d’ajouter encore une pièce supplémentaire. Mais surtout, Grieg a l’idée de réunir certains numéros en deux suites : la Suite n° 1 op. 46 (1888) puis la Suite n° 2 op. 55 (1891). Ces suites vont connaître un immense succès dans le monde entier, aussi bien dans leur version orchestrale que dans leur arrangement pour piano (réalisé par Grieg lui-même) ou pour d’autres formations instrumentales diverses et variées., ","Langage musical Violon de Hardanger, fabriqué par Isak Nielsen Botnen, 1756. Metropolitan Museum\u000aGrieg est un compositeur appartenant pleinement au romantisme du XIXe siècle : l’usage fréquent des progressions chromatiquesmouvements par demi-ton, les harmonies audacieuses, autant d’éléments qui ne sont pas sans rappeler le langage musical de Wagner et de ses successeurs. Cependant, il sait s’émanciper de cette musique germanique alors dominante à l’époque. Tandis que, dans toute l’Europe, des mouvements nationaux en quête de reconnaissance émergent rapidement, il conjugue merveilleusement la veine romantique avec l’éveil d’une musique à l’identité nationale. Le folklore occupe une place importante dans son œuvre, dans l’ensemble fortement imprégnée d’éléments populaires issus de la musique norvégienne.\u000aDans Peer Gynt, cet esprit populaire se traduit par une structure formelle et tonale relativement simple des pièces : le plus souvent répétition d’un unique thème (voire alternance de deux thèmes), et des modulations proches de la tonalité principale. Alors que la Chanson de Solveig est clairement revendiquée d’origine populaireSur une centaine de lieder que j’ai écrits, un seul, la Chanson de Solveig emprunte son thème au folklore., certaines pièces sont désignées par des termes que l’on retrouve fréquemment dans la musique scandinave (par exemple, le terme « mazurka » pour la Danse d’Anitra). Dans le premier acte, Grieg destine les danses du mariage à un violon du HardangerLe violon du Hardanger (hardingfele en norvégien) est un instrument privilégié du folklore, caractéristique des régions de l’ouest et du sud de la Norvège. À propos de la manière d’interpréter ces danses, Grieg écrit dans ses recommandations au chef d’orchestre Hennum : les deux danses doivent être jouées en accord parfait avec les traditions populaires, avec des accents rudes et des coups puissants, afin de rendre le tableau audible et authentique., à jouer dans le plus pur esprit des danses populaires norvégiennes., ","Focus sur <cite>Dans l’antre du roi de la montagne<\/cite> Située au milieu de l’Acte 2 (n° 4 de la Suite n° 1), cette pièce correspond au moment où Peer Gynt a rejoint le monde des trolls et est conduit devant le roi de la montagne. Les trolls s’agitent autour du héros au rythme d’une danse indiquée « alla marcia », évoquant le hallingLe halling est une danse folklorique de Norvège, réalisée par les jeunes hommes lors de mariages ou autres fêtes. C’est une danse rapide, exécutée en solo, et qui comprend des figures acrobatiques. norvégien.\u000aLa pièce est construite sur un thème unique, découpé selon une forme en trois parties : une première partie (A), une réponse (B), et une reprise de la première (A’). D’abord énoncé aux violoncelles, contrebasses et bassons, le thème est ensuite repris une première fois par les violons, hautbois et clarinettes, puis une seconde fois par tout l’orchestre. Toute la pièce évolue selon le principe de l’accumulation orchestrale : chaque nouvelle occurrence du thème est prétexte à l’entrée d’instruments supplémentaires. À cela s’ajoute un crescendo progressif (la pièce commence pianissimo et se termine fortissimo), ainsi qu’une accélération du tempo à partir du tutti. Des broderies en doubles croches aux cordes puis aux bois évoquent les trolls déchaînés virevoltant autour de Peer Gynt. Le morceau se finit en apothéose sur un rythme endiablé, ponctué de vigoureux coups de percussions, tandis que le chœur de trolls crie « Tuez-le, ce fils de chrétien ! ».\u000aCe principe d’accumulation inspirera plusieurs compositeurs par la suite, notamment Maurice Ravel qui reprendra l’idée dans son fameux Bolero., "," Auteure : Floriane Goubault, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"any_suggest":["Peer Gynt de Edvard Grieg","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Peer Gynt, musique de scène op. 23, suite pour orchestre n° 1 op. 46, 0762949, suite pour orchestre n° 2 op. 55, 0763413, Edvard Grieg, canonical-pad"],"Title_idx":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"spellingShingle":["Peer Gynt de Edvard Grieg","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Peer Gynt, musique de scène op. 23, suite pour orchestre n° 1 op. 46, 0762949, suite pour orchestre n° 2 op. 55, 0763413, Edvard Grieg, canonical-pad"],"textSpelling":["Peer Gynt de Edvard Grieg","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Peer Gynt, musique de scène op. 23, suite pour orchestre n° 1 op. 46, 0762949, suite pour orchestre n° 2 op. 55, 0763413, Edvard Grieg, canonical-pad"],"of_title":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"Title_sort":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"ContentDescription":["Peer Gynt de Grieg est une musique de scène pour le drame poétique de Henrik Ibsen. 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C’est Ida Rubinstein, amie et mécène du musicien, qui commande au compositeur un ballet de caractère espagnol. \u000a<\/p>\u000a<p class=\"page-cms\">\u000a <a class=\"link-absoluteUri btn btn-default\" href=\"https:\/\/edutheque.philharmoniedeparis.fr\/0824129-bolero-de-maurice-ravel.aspx\" title=\"Consulter\" id=\"1635\">Consulter<\/a>\u000a<\/p>\u000a<\/div>\u000a<style>\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a<\/style>\u000a<!-- \/CMS SHORT -->\u000a","FieldList":{"sys_support":["CMS"],"Identifier":["1635"],"Identifier_idx":["1635"],"any":["1635","Bolero de Maurice Ravel","Le Bolero de Ravel figure parmi les œuvres orchestrales les plus populaires au monde. C’est Ida Rubinstein, amie et mécène du musicien, qui commande au compositeur un ballet de caractère espagnol. 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National Galery of Art Washington, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Bolero de Maurice Ravel\u000a\u000a\u000aGenre\u000aballet\u000a\u000a\u000aCommanditaire\u000aIda Rubinstein\u000a\u000a\u000aComposition\u000ade juillet à octobre 1928, à Saint-Jean-de-Luz et à Paris\u000a\u000a\u000aCréation\u000aversion ballet : le 22 novembre 1928 à l’Opéra de Paris, par Ida Rubinstein sur une chorégraphie de Bronislava Nijinska et sous la direction de Walther Straramversion de concert : le 11 janvier 1930 à la salle Gaveau à Paris, par les Concerts Lamoureux sous la direction de Maurice Ravel\u000a\u000a\u000aForme\u000aœuvre orchestrale en un seul mouvement\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois (le 2e prenant le hautbois d’amour), 1 cor anglais, 2 clarinettes, 1 petite clarinette, 1 clarinette basse, 2 bassons, 1 contrebasson, 1 saxophone sopranino, 1 saxophone soprano, 1 saxophone ténorcuivres : 4 cors, 4 trompettes, 3 trombones, 1 tubapercussions : timbales, caisse claire, grosse caisse, cymbales, tam-tam, célestacordes pincées : 1 harpecordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition et de création Le Bolero de Maurice Ravel figure parmi les œuvres orchestrales les plus populaires et les plus jouées au monde. Phénomène musical, ce chef-d’œuvre est longtemps resté à la première place du classement mondial des droits d’auteur jusqu’en 1993. Encore aujourd’hui, il reste une des œuvres musicales françaises les plus exportées.\u000aIda RubinsteinIda Rubinstein (1885-1960) est une danseuse russe qui s’est produite avec les Ballets russes à plusieurs reprises, de 1909 à 1911. Grande mécène par la suite, elle commande des œuvres à différents artistes tout en continuant de se produire sur scène., amie et mécène du musicien, commande au compositeur, déjà célèbre, un ballet à caractère espagnol. Ravel pense dans un premier temps orchestrer des pièces d’Isaac Albeniz. Mais finalement, il choisit de composer une œuvre constituée d’un thème et d’un contre-thème, basée sur un crescendo orchestral ininterrompu. Éternel amoureux de la danse et de l'Espagne, Ravel choisit le rythme du boléro, une danse traditionnelle andalouse, comme pilier de son œuvreEn 1928, sur la demande de Madame Rubinstein, j’ai composé un boléro pour orchestre. C’est une danse d’un mouvement très modéré et constamment uniforme, tant par la mélodie que par l’harmonie et le rythme, ce dernier marqué sans cesse par le tambour. Le seul élément de diversité y est apporté par le crescendo orchestral.. La mélodie est composée à Saint-Jean-de-Luz, un matin, au piano, avant que le compositeur ne parte nager.\u000aL’œuvre est créée le 22 novembre 1928 à l’Opéra de Paris dans sa version ballet, avec Walther Straram à la baguette. La chorégraphie de Bronislava Nijinska suit la progression en crescendo de la musique : Dans une auberge espagnole, une gitane, debout sur une table, danse seule d’abord. Puis, l’ivresse du rythme qu’elle déchaîne se transmet à ses clients. Un homme saute au milieu de la table et danse à son tour, suivi par tous les autres. Le rythme de la musique est ponctué par leurs cris, leurs bagarres, leurs appels et leurs provocations. À la fin, les hommes s’emparent de la danseuse qu’ils soulèvent au-dessus d’eux en guise de proie. (argument du Bolerocité dans La Musique de ballet en France de la Belle Époque aux Années folles de Manfred Kelkel, p. 235)\u000aC’est le 11 janvier 1930 qu’a lieu la première de la version de concert par les Concerts Lamoureux, sous la direction de Ravel en personne. Le Bolero rencontre un très vif succès, au grand étonnement de Ravel, et devient rapidement célèbre. Indépendamment du ballet, cette version concert trouve son autonomie et s’inscrit parmi les œuvres les plus célèbres de la musique classique. Souvent considéré comme un modèle d’orchestration, le compositeur dira pourtant de son chef-d’œuvre : Je voudrais surtout qu’il n’y ait pas de malentendu sur ce travail. Il s’agit d’une expérience d’un type très particulier. Avant sa première représentation, j’avais prévenu que ce morceau de dix-sept minutes n’était constitué que d’un unique et long crescendo ininterrompu. Il n’y a pas de contrastes, et pratiquement pas d’innovation à l’exception de la structure et du mode d’exécution… l’écriture orchestrale est simple et directe du début à la fin, sans la moindre recherche de virtuosité.\u000aUne anecdote mettant en scène le célèbre Toscanini reste bien connue : en mai 1930, le chef d’orchestre italien joua l’œuvre deux fois plus vite que ne le souhaitait le compositeur présent dans la salle. Ce dernier refusa d’aller lui serrer la main. Toscanini déclara alors à Ravel : Vous ne comprenez rien à votre musique. Elle sera sans effet si je ne la joue pas à ma manière. Ce à quoi Ravel aurait répondu : Alors, ne la jouez pas !, "," Ida Rubinstein, photographie de presse Agence Rol, 1922. Gallica - BnF, ","Déroulé de l’oeuvre L’œuvre est entièrement basée sur le rythme du boléro joué par la caisse claire tout au long de la pièce. Cet ostinato - répété 169 fois ! - donne au Bolero son rythme uniforme et invariable.\u000a, "," Ravel utilise deux mélodies, deux thèmes de même longueur, qu’il répète et alterne. Chaque transition entre les deux mélodies (ou leur répétition) fait entendre la ritournelle rythmique utilisée pour introduire et pour conclure l’œuvre. Pour éviter la monotonie, Ravel procède à un long crescendo ininterrompu : crescendo de nuances (on commence pp (pianissimo) et on finit ff (fortissimo)) et crescendo par accumulation d’instruments (ou crescendo orchestral : les instruments entrent les uns après les autres, étoffant progressivement l’effectif instrumental). L’utilisation originale de certains instruments solistes ainsi que des combinaisons instrumentales créent un jeu de timbres qui donnent à l’œuvre toute sa saveur et l’impression d’un renouvellement continu.\u000aAprès la ritournelle d’introduction, le premier thème, en Do Majeur, se fait entendre d’abord à la flûte puis à la clarinette. Cette première mélodie se caractérise par sa grande souplesse et ses longues lignes aux intervalles conjoints. Le deuxième thème, exposé au basson puis à la petite clarinette, se caractérise par son côté jazzy plus dansant et son exotisme.\u000aLa deuxième occurrence du premier thème est jouée par le hautbois d’amourInstrument essentiellement utilisé pendant la période baroque, il tombe en désuétude pendant les périodes classique et romantique avant de connaître un regain d’intérêt fin du XIXe - début XXe., puis la trompette en sourdine doublée par la flûte à l’octave supérieure. C’est la première doublure du thème, qui était jusque-là joué par un seul instrument. La deuxième occurrence du second thème est jouée par les saxophones : saxophone ténor, puis saxophone sopranino. Ce n’est pas la première fois que Ravel utilise le saxophone (alors peu présent dans les orchestres classiques) à qui il avait déjà confié une partie soliste dans son orchestration des Tableaux d’une exposition de Moussorgski.\u000aÀ la troisième occurrence des thèmes, l’orchestre continue de s’étoffer, aussi bien dans la mélodie que dans l’accompagnement, tandis que les nuances progressent (l’accompagnement joue désormais mfmezzo-forte, entre piano et forte). Le premier thème est d’abord joué au célesta et au cor. Les petites flûtes doublent le thème dans le ton de la tierce (Mi Majeur) et de la quinte (Sol Majeur). Cette superposition de tonalités crée un effet étrange, presque grinçant. La répétition voit encore le nombre d’instruments augmenter : hautbois, cor anglais, clarinettes, ainsi que le hautbois d’amour (dans le ton de la quinte). Le second thème retrouve temporairement la simplicité d’un instrument soliste, le trombone, qui use de glissando accentuant le côté jazzy. Mais la répétition reprend le crescendo orchestral avec l’intervention de presque la totalité des bois, le tout dans la nuance forte.\u000aJusque-là, on remarque la prédominance et la variété des instruments à vent qui (à part le célesta) sont les seuls à jouer le thème. Enfin, les violons entrent en jeu dans la quatrième occurrence : ils apportent un timbre nouveau et une nouvelle force orchestrale par la densité de leur pupitre (contrairement aux vents qui étaient presque toujours solistes). Ils sont doublés par une partie des bois. La trompette puis les trombones les rejoignent lors du second thème, ainsi que les altos et violoncelles.\u000aLa cinquième occurrence est plus courte : les thèmes ne sont pas répétés. Cette fois, l’orchestre est au complet, nuance ff. Le second thème est tronqué par une surprenante et lumineuse modulation en Mi Majeur qui vient, une nouvelle fois, rompre la monotonie. Puis le ton initial de Do revient pour conclure la pièce sur une ultime ritournelle, un grand accord dissonant et une chute finale, qui n’est pas sans rappeler la fin tragique de La Valse., "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000a\u000aLe Bolero démontre que Ravel est un grand orchestrateur. Écouter les œuvres suivantes et observer comment la mélodie passe d’un instrument à un autre :\u000a\u000aPavane pour une infante défunte ;\u000ale deuxième mouvement du Concerto pour piano en sol majeur ;\u000ala Danse religieuse extraite du ballet Daphnis et Chloé.\u000a\u000a\u000a, "," Auteur : Jean-Marc Goossens, "," Imprimer, ","Bac musique 2021 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2021\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option et la spécialité sur le portail Éduthèque de la Philharmonie de Paris.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","Bac musique 2021 \u000a\u000a\u000a \u000aBac musique 2021\u000aGuides d’écoute, fiches œuvres, portraits de compositeurs... tout pour préparer l’option et la spécialité.\u000aEn savoir plus\u000a\u000a, ","À voir aussi ","Boîtes à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Bolero de Maurice Ravel"],"any_suggest":["Bolero de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Maurice Ravel, Bolero, canonical-pad"],"Title_idx":["Bolero de Maurice Ravel"],"spellingShingle":["Bolero de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Maurice Ravel, Bolero, canonical-pad"],"textSpelling":["Bolero de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Maurice Ravel, Bolero, canonical-pad"],"of_title":["Bolero de Maurice Ravel"],"Title_sort":["Bolero de Maurice Ravel"],"ContentDescription":["Le Bolero de Ravel figure parmi les œuvres orchestrales les plus populaires au monde. 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","fr","français","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"," Page découverte\u000a\/\/ , "," Symphonie n° 40 Wolfgang Amadeus Mozart, "," Le château de Schönbrunn à Vienne (détail), par Bernardo Bellotto, 1758-1761. Kunsthistorisches Museum, Vienne, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique symphonique\u000a\u000a\u000aComposition\u000aen 1788 à Vienne\u000a\u000a\u000aForme\u000asymphonie en quatre mouvements :I. Molto allegroII. AndanteIII. MenuetIV. Allegro assai\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 1 flûte, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassonscuivres : 2 corscordes : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition Depuis son installation à Vienne en 1781, Mozart n’a composé que trois symphoniesLa Symphonie n° 35 « Haffner » pour le maire de Salzbourg, la Symphonie n° 36 pour Linz, la Symphonie n° 38 pour Prague. La Symphonie n° 37 est une introduction à la Symphonie n° 25 en sol majeur de Michael Haydn. dont aucune n’est destinée au public viennois. Entre juin et août 1788, il compose d’un coup trois nouvelles symphonies qui vont marquer l’histoire de la musique par leurs idées novatrices. Les raisons pour lesquelles elles furent composées restent inconnues. Elles ne semblent pas être le fruit d’une commande particulière et on suppose que Mozart les a écrites pour un concert qu’il prévoyait de donner à Vienne. Cependant, ces trois symphonies n’ont probablement jamais été données de son vivant.\u000aLa lecture du manuscrit de la Symphonie n° 40 en sol mineur nous apprend que l’auteur a ajouté des clarinettes non prévues au départ : peut-être y a-t-il eu répétition de l’œuvre dès 1788, suivie de modifications. Il paraît probable par ailleurs que Mozart ait emporté ces toutes nouvelles symphonies avec lui, lors de ses voyages de 1789 et 1790 : la Symphonie n° 40 aurait pu être exécutée lors d’un concert à Leipzig, le 12 mai 1789. Elle a sans doute été aussi donnée sous la direction de SalieriCompositeur officiel de la cour de Vienne, maître de chapelle de l’empereur et directeur de l’opéra italien, Antonio Salieri (1750-1825) est une personnalité essentielle de la vie musicale viennoise. Auteur de nombreux opéras, il se consacre également à l’enseignement et compte parmi ses élèves plusieurs futurs compositeurs talentueux tels que Beethoven et Schubert. les 16 et 17 avril à Vienne. Publiée en 1794, cette œuvre est aujourd’hui l’une des plus célèbres de Mozart, admirée des compositeurs tels que Robert Schumann (1810-1856), Johannes Brahms (1833-1897), ou encore Arnold Schönberg (1874-1951)., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro molto\u000aParmi ses 41 symphonies, la tonalité de sol mineur n’a été utilisée par Mozart que deux fois, par ailleurs pour les deux seules symphonies écrites dans un ton mineur. C’est pour lui la couleur du drame et de l’inquiétude.\u000aLe mouvement débute sur des batteries de croches jouées aux altos, puis le thème principal fait son entrée aux violons, ponctué d’harmonies dissonantes. Apparaît ensuite un second thème, qui contraste avec le premier : plus optimiste, il est en mode majeur. Le développement s’organise autour de tonalités tourmentées : c’est un voyage mouvementé où l’on retrouve principalement des bribes du premier thème, dont les premières notes répétées sont jouées avec insistance. Après ce trajet presque romantique, les deux thèmes du début sont énoncés à nouveauC’est ce qu’on appelle la réexposition., mais le deuxième cette fois en mineur.\u000aII. Andante\u000aAprès la frénésie dramatique de l’Allegro, le deuxième mouvement, andante, est un moment de repos, calme et gracieux. Le thème principal, constitué d’un saut suivi de notes répétées, est amorcé par les entrées successives des cordes en imitation : altos, violons 2 puis violons 1.\u000a\u000aAu cours de sa mélodie, il fait entendre un court motif rythmique de deux notes rapides (triples croches), motif qui sera ensuite le prétexte à un jeu d’échange entre les différents instruments de l’orchestre. C’est ce même motif qui, par la suite, sert de base au développement : partie centrale du mouvement, celui-ci est d’un caractère plus dramatique, avec plusieurs incursions dans le mode mineur. Enfin, la réexposition fait entendre à nouveau le thème principal.\u000aIII. Menuetto\u000aLe menuet de ce troisième mouvement est vif et très rythmique. Il contraste fortement avec le trio central, en sol majeur, plus léger et détendu, et qui accorde une place importance aux vents.\u000aIV. Allegro assai\u000aLe premier thème de ce mouvement joue sur les contrastes sur tous les plans : contraste de nuances avec alternances de piano et de forte subito, et contraste dans l’effectif instrumental avec un dialogue entre les cordes et tout l’orchestre (tutti). Tout comme dans le premier mouvement, ce thème est porté par un rythme perpétuel de croches, qui passe d’instrument en instrument, et amène une certaine frénésie à l’ensemble. Apparaît le second thème, plus calme, plus chantant. Le développement qui suit tourne autour de la tête (les premières notes) du premier thème, et fait entendre un rapide fugatoMoins rigoureux que la fugue dans son écriture, le fugato est un court passage traité en imitation.. Après un silence soudain et surprenant, on retrouve les deux thèmes au cours de la réexposition., "," Auteur : Bruno Guilois, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils {\"SearchContext\":11,\"Grid\":null,\"QueryString\":\"Identifier_idx:(4257 OR 1768 OR 4553)\",\"SelectionUid\":0,\"OriginalQueryString\":null,\"CloudTerms\":[],\"ScenarioCode\":\"EDUTHEQUE\",\"FacetFilter\":null,\"SortOrder\":0,\"SortField\":\"DateOfInsertion_sort\",\"SortFieldRandomSeed\":null,\"Page\":0,\"ResultSize\":3,\"SessionGuid\":null,\"ForceSearch\":false,\"TemplateValue\":null,\"TemplateParams\":{\"ScenarioCode\":\"\",\"SourceCode\":\"\",\"Support\":\"\",\"Size\":null,\"Scope\":\"\"},\"InjectFields\":true,\"XslPath\":\"Recherche\/encart_search.xslt\",\"UseCanvas\":false,\"AsyncOFInsertion\":null,\"InjectOpenFind\":false,\"ForceOpenFindUpdate\":false,\"SearchLabel\":null,\"InjectFacets\":null,\"Block\":null,\"GroupField\":null,\"GroupSize\":0,\"UseGrouping\":null,\"UseCache\":true,\"SiteCodeRestriction\":null,\"RawQueryParameters\":null,\"PageRange\":3,\"StartDateFilter\":null,\"EndDateFilter\":null,\"ListSelectionPage\":null,\"SearchTerms\":\"Identifier_idx 4257 OR 1768 4553\",\"ScenarioDisplayMode\":\"display-standard\",\"DecodedFacets\":[]}, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : 100% Mozart\u000a\u000a Une sélection de ressources (fiches œuvres, portrait de compositeurs, guides d'écoute...) pour se préparer au concert éducatif « 100% Mozart » du 11 avril 2019 à la Philharmonie de Paris.\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîtes à outils : Mozart 40\u000a\u000a Un ensemble de ressources (fiche œuvre, portrait de compositeur, guide d’écoute) pour préparer le concert « Mozart 40 » donné le 30 avril 2020 à la Cité de la musique - Philharmonie de Paris.\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : Mozart\u000a\u000a Dans le cadre des outils éducatifs, la boîte à outils Mozart de la Philharmonie de Paris permet aux enseignants de préparer leurs élèves au concert éducatif du 24 janvier 2009\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"any_suggest":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"Title_idx":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"spellingShingle":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"textSpelling":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"of_title":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"Title_sort":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"ContentDescription":["Composée en 1788, en même temps que les Symphonies n° 39 et 41, la Symphonie n° 40 de Mozart est aujourd’hui l'une de ses plus célèbres œuvres, admirée des compositeurs tels que Schumann ou Brahms. 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Gallica-BnF, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel\u000a\u000a\u000aGenre\u000aopéra : fantaisie lyrique\u000a\u000a\u000aLibrettiste\u000aColette\u000a\u000a\u000aLangue du livret\u000afrançais\u000a\u000a\u000aComposition\u000aentre 1919 et 1925 (premières ébauches en 1916) à Montfort-l’Amaury (à partir de 1921)\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 21 mars 1925 à l’Opéra de Monte-Carlo\u000a\u000a\u000aForme de l’œuvre\u000afantaisie lyrique en deux parties\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000avoix : solistes et chœur d’enfantsbois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois, 1 cor anglais, 1 petite clarinette, 2 clarinettes, 1 clarinette basse, 2 bassons, 1 contrebassoncuivres : 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, 1 tubaspercussions : timbales, 1 petite timbale, triangle, tambour, cymbales, grosse caisse, tam-tam, fouet, crécelle (à manivelle), râpe à fromage, wood-block, éoliphone, crotales, flûte à coulisse, xylophone, luthéalLe luthéal est un instrument à clavier inventé en 1919. À défaut de luthéal, Ravel préconise un piano droit préparé (avec de très fines lames métalliques entre les cordes et les marteaux, et des feuilles de papier sur les cordes) de façon à obtenir un timbre rappelant ceux du cymbalum et du clavecin., célestacordes pincées : harpecordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","La genèse Colette, photographie de presse, Agence de presse Mondial Photo-Presse, 1932. Gallica-BnF\u000aEn 1914, le directeur de l’Opéra de Paris, Jacques Rouché, commande un livret à l’écrivaine Colette, qui l’élabore en 1916. Ravel est rapidement pressenti pour écrire la musique, mais il se montre – dans un premier temps – peu enthousiaste pour ce projet alors intitulé Ballet pour ma fille. Après de nombreux échanges entre Colette et Ravel, le projet prend forme peu à peu, avançant toutefois très lentement. Ce n’est véritablement qu’en 1924 que Ravel se plonge dans la composition de l’œuvre, ne terminant l’écriture que cinq jours avant la création. Celle-ci n’aura pas lieu à l’Opéra de Paris comme initialement prévu (les tergiversations de Ravel ont-elles eu raison de la patience du directeur ?), mais à Monte-Carlo, où L’Enfant et les sortilèges reçoit un accueil très enthousiaste. L’œuvre est reprise l’année suivante à l’Opéra Comique à Paris.\u000aRésumé de l’histoire\u000aPartie 1 : dans la maison Alors qu’il ne veut pas faire ses devoirs, l’Enfant tire la langue à Maman, qui le punit. Rageur, l’Enfant passe sa colère sur les animaux et les objets autour de lui… mais ils prennent vie et décident de se révolter contre l’Enfant méchant. Commence alors le ballet de sortilèges imaginé par Colette : le Fauteuil, le Canapé et la Bergère se dérobent ; l’Horloge, dont le balancier est cassé, pleure son désespoir ; la Théière et la Tasse dansent un ragtime ; le Feu de la cheminée le menace ; le Pâtre et la Pastourelle de la tenture déchirée se plaignent de leur sort ; une Princesse d’un conte et un Vieillard d’un livre d’arithmétique lui exposent leurs problèmes ; un « Duo miaulé » de Chats ne le laisse pas dormir.\u000aPartie 2 : dans le jardin La Libellule, le Rossignol, les Rainettes (représentées par des onomatopées), la Chouette, la Chauve-souris, les Arbres , etc., se plaignent tour à tour du comportement de l’Enfant, avant de se réunir en chœur pour décider de le punir. Dans la bagarre, l’Écureuil est blessé et l’Enfant le soigne. Émus par ce beau geste, arbres et animaux appellent Maman et accompagnent l’Enfant jusqu’à la maison., "," L’Enfant et les sortilèges, 2e tableau, estampe, 1926. Gallica-BnF, ","Les personnages et leur voix L’Enfant, mezzo-soprano Maman, contralto La Bergère, soprano La Tasse chinoise, mezzo-contralto Le Feu, soprano léger La Princesse, soprano léger La Chatte, mezzo-soprano La Libellule, mezzo-soprano Le Rossignol, soprano léger La Chauve-Souris, soprano La Chouette, soprano L’Écureuil, mezzo-soprano Une Pastourelle, soprano Un Pâtre, contralto Le Fauteuil, basse chantante L’Horloge comtoise, baryton La Théière, ténor Le Petit Vieillard, ténor léger Le Chat, baryton L’Arbre, basse La Rainette, ténor Le Banc, le Canapé, le Pouf, la Chaise de paille, chœur d’enfants Les Chiffres, chœur d’enfants Les Pastoures, les Pâtres, chœur Les Rainettes, les Bêtes, les Arbres, chœur, ","Une fantaisie lyrique avec le sourire Ravel déclara en 1925 : La partition de L’Enfant et les Sortilèges est un mélange très fondu de tous les styles de toutes les époques, de Bach jusqu’à... Ravel.... ! Cela va de l’opéra à l’opérette américaine, en passant par le jazz-band ! En effet, la partition apparaît comme une sorte de florilège de pastiches, permettant à Ravel de prendre ses distances avec la tradition, sans totalement s’en détourner. Voici quelques-uns de ces pastiches :\u000a\u000aMenuet (danse à trois temps devenue majestueuse) du XVIIe siècle dans la scène du Fauteuil.\u000aRagtime de la Théière et la Tasse, sur une parodie « orientale » utilisant un mode pentatonique (de cinq sons). Ravel montre ici sur goût pour le jazz nouvellement arrivé en Europe, ainsi que pour l’exotisme.\u000aUn air à vocalises pour le Feu, dans la tradition du bel canto.\u000aPastiche d’une chanson de la Renaissance avec le Pâtre et la Pastourelle : ostinato rythmique, bourdon.\u000aParodie d’écriture à la manière de Massenet ou Puccini avec l’intervention de la Princesse : épanchement lyrique mettant en valeur la voix, réalisme dans l’expression des émotions, orchestration contrastée (allant de l’instrument seul au tutti d’orchestre).\u000aAutocitation de La Valse dans la Danse des rainettes.\u000aFugue à la fin de l’œuvre : cet alliage complexe de lignes mélodiques symbolise la réconciliation de tous les personnages tout en rendant hommage à la grande tradition d’écriture occidentale, Johann Sebastian Bach en tête.\u000a, "," \u000a\u000aDes pistes pédagogiques autour de ce contenu sont disponibles sur le portail de la Philharmonie de Paris.\u000aConsulter\u000aEn cliquant sur Consulter, vous accédez à un site à destination des élèves et des enseignants de l'Éducation Nationale.\u000a\u000a, "," Pistes pédagogiques\u000a\u000aLe début et la fin de l’œuvre pourront être comparés : les élèves remarqueront que l’on retrouve la même mélodie des hautbois. Ils pourront s’interroger sur ce choix de Ravel, et en trouver le sens.\u000aÉcouter Histoires naturelles sur un texte de Jules Renard, où l’on retrouve le Ravel ami des animaux. Pour les jeunes, la thématique des chats en musique peut être poursuivie avec le Duo des chats de Rossini, le thème du chat dans Pierre et le Loup de Prokofiev et les Berceuses du chat de Stravinski.\u000aIl peut être pertinent de faire entendre, pour chaque pastiche, le « modèle » dont il s’inspire : un ragtime de Scott Joplin, une fugue de Bach, un air de Puccini, etc.\u000aL’essor du jazz en Europe, et son appropriation par les compositeurs savants est une thématique intéressante. D’autres œuvres influencées par le jazz pourront être étudiées : le deuxième mouvement intitulé Blues de la Sonate pour violon n° 2 de Ravel, Golliwog’s cake-walk extrait des Children’s Corner de Debussy, Piano Rag Music de Stravinski, mais aussi Rhapsody in Blue de Gershwin.\u000a, "," Auteur : Antoine Mignon, "," Imprimer, ","Ressources Fiche activité - Classes de primaire - L’Enfant et les sortilèges (PDF-273 Ko), ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel"],"any_suggest":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'Enfant et les sortilèges, Maurice Ravel, canonical-pad"],"Title_idx":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel"],"spellingShingle":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'Enfant et les sortilèges, Maurice Ravel, canonical-pad"],"textSpelling":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, L'Enfant et les sortilèges, Maurice Ravel, canonical-pad"],"of_title":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel"],"Title_sort":["L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel"],"ContentDescription":["D’abord peu emballé par le projet, Ravel met du temps à composer son opéra L’Enfant et les sortilèges sur un livret de Colette. 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National Gallery, Norvège, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Peer Gynt, musique de scène op. 23 de Edvard Grieg\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique de scène pour la pièce éponyme de Henrik Ibsen\u000a\u000a\u000aLibrettiste\u000aHenrik Ibsen\u000a\u000a\u000aLangue du livret\u000anorvégien\u000a\u000a\u000aComposition\u000ade 1874 à 1876\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 24 février 1876 au Christiana Theatre, à Oslo\u000a\u000a\u000aForme\u000amusique de scène divisée en cinq actes et 23 numéros (selon la partition complète éditée par Peters en 1908)\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000avoix : un récitant, solistes, et un chœurorchestre :- bois : 1 piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons- cuivres : 4 cors, 2 trompettes, 2 trombones, 1 trombone basse, 1 tuba- percussions : timbales, cymbales, triangle, grosse caisse, caisse claire, tambourin, xylophone, cloches de vache- claviers : 1 piano, 1 orgue- cordes pincées : 1 harpe- cordes frottées : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000aSuites orchestrales n° 1 op. 46 et n° 2 op. 55 \u000a\u000a\u000aDate de publication\u000a1888 (Suite n° 1) et 1891 (Suite n° 2)\u000a\u000a\u000aForme\u000aSuite n° 1 :1. Au matin2. La Mort d’Åase3. Danse d’Anitra4. Dans l’antre du roi de la montagne Suite n° 2 : 1. Enlèvement de la mariée 2. Danse arabe 3. Retour de Peer Gynt 4. Chanson de Solveig\u000a\u000a\u000a, ","Argument Drame philosophique, Peer Gynt est un voyage initiatique narrant les aventures d’un anti-héros en quête de rêve et d’identité. Oscillant sans cesse entre courage et lâcheté, Peer Gynt surmonte tant bien que mal les obstacles qu’il rencontre, le plus souvent par la fuite et le mensonge.\u000aActe 1. Fils de paysan, Peer Gynt, un jeune homme de vingt ans plein d’ambition, vit pauvrement avec sa mère Åase. Au village, on célèbre au son des violons les noces de la jeune et séduisante Ingrid.\u000aActe 2. Le jour du mariage, Peer Gynt enlève Ingrid et s’enfuit avec elle dans les bois. Mais très vite, il se lasse d’elle et finit par l’abandonner. Fuyant son village natal, il rencontre l’une des filles du roi de la montagne, qui l’entraîne dans le monde des trolls. Lorsqu’il comprend qu’il doit renoncer à sa condition humaine s’il veut l’épouser, Peer Gynt s’enfuit à nouveau.\u000aActe 3. Le jeune homme trouve refuge et réconfort auprès de la douce Solveig, mais finit par renoncer à son amour. Après être retourné auprès de sa mère, Åase, et avoir assisté à sa mort, il quitte la Norvège.\u000aActe 4. Vingt ans ont passé. Peer Gynt a échoué en Orient, où il est devenu un riche marchand d’esclaves. Après avoir perdu sa fortune dans le naufrage d’un de ses navires, il est accueilli en tant que prophète dans une tribu de bédouins du désert, dépouillé de ses derniers biens par la belle Anitra devenue sa maîtresse, et finit « empereur des fous » dans un asile au Caire.\u000aActe 5. Bien des années se sont écoulées, et c’est un vieillard qui revient désormais en Norvège. Là, Peer Gynt retrouve Solveig, qui n’a jamais cessé de l’attendre. Alors que le vieil homme expire dans ses bras, Solveig le console en lui annonçant qu’il a enfin terminé son voyage et trouvé le sens de sa vie.\u000aPeer Gynt, affiche pour la première représentation de la pièce à Paris au théâtre de l’Œuvre en 1896, lithographie de Edvard Munch. SLUB Deutsche Fotothek, ","Contexte de composition et de création C’est en 1867 que l’auteur norvégien Henrik Ibsen écrit son drame poétique Peer Gynt. En 1874, il formule le souhait de le porter à la scène sous la forme d’une pièce en musique. Impressionné par le talent de Grieg qu’il a eu l’occasion de côtoyer à Rome quelques années plus tôt, l’écrivain propose alors au compositeur norvégien de mettre en musique son drame. Grieg accepte aussitôt. Ibsen lui fournit quelques indications sur la manière dont il envisage lui-même le matériau musical mais s’en remet entièrement au jugement du compositeur et lui laisse totale liberté quant à la réalisation du projet. Il lui fait parvenir un manuscrit de son drame arrangé pour la scène, dont le texte sera tantôt déclamé, tantôt scandé ou chanté.\u000aPortrait de Henrik Ibsen. Österreichische Nationalbibliothek\u000aGrieg avance lentement sur la partition, dont l’écriture s’avère plus difficileDans une lettre au dramaturge Bjørnstjerne Bjørnson, il écrit qu’il doit composer sur le plus antimusical de tous les sujets, au point qu’il finit par se désintéresser quelque peu du projet : Je m’acharne encore sur la musique de Peer Gynt et cela ne m’intéresse pas, confie-t-il à un ami. que prévu. Il achève malgré tout la partition en juillet 1875, et les répétitions commencent en septembre. Préoccupé par le décès de ses deux parents en l’espace d’un mois seulement, Grieg ne vient pas à Oslo pour superviser les répétitions, ni même pour la première représentation de la pièce le 24 février 1876. L’œuvre est un réel succèsOn peut lire dans l’Aftenposten que la musique de Grieg était particulièrement efficace et merveilleusement adaptée aux diverses situations de la pièce. Nul doute que l’apport musical ait ainsi grandement contribué au succès de la pièce. Au point que le critique allemand Edward Hanslick écrira, en 1891 : Il se pourrait bien qu’avant longtemps ce Peer Gynt d’Ibsen ne continue à vivre qu’à travers la musique de Grieg. et sera donnée 36 fois au cours du printemps de la même année. Malheureusement, un tragique incident vient mettre un terme aux représentations : le 15 janvier 1877, un incendie se déclare dans le théâtre et consume l’ensemble des décors et costumes. Il faudra attendre quinze ans avant que Peer Gynt ne soit rejoué dans la ville d’Oslo., ","Les suites pour orchestre Après le succès retentissant de Peer Gynt sur scène, de nombreux arrangements pour piano de la partition voient le jour, destinés à être joués dans les salons. À l’occasion d’une reprise de la pièce à Copenhague en 1886, Grieg revoit certaines parties orchestrales et ajoute quatre nouvelles pièces (Procession de Noces op. 19 n° 2, et trois de ses Danses norvégiennes op. 35). En 1892, alors que Peer Gynt est rejoué pour la première fois à Oslo, le compositeur accepte d’ajouter encore une pièce supplémentaire. Mais surtout, Grieg a l’idée de réunir certains numéros en deux suites : la Suite n° 1 op. 46 (1888) puis la Suite n° 2 op. 55 (1891). Ces suites vont connaître un immense succès dans le monde entier, aussi bien dans leur version orchestrale que dans leur arrangement pour piano (réalisé par Grieg lui-même) ou pour d’autres formations instrumentales diverses et variées., ","Langage musical Violon de Hardanger, fabriqué par Isak Nielsen Botnen, 1756. Metropolitan Museum\u000aGrieg est un compositeur appartenant pleinement au romantisme du XIXe siècle : l’usage fréquent des progressions chromatiquesmouvements par demi-ton, les harmonies audacieuses, autant d’éléments qui ne sont pas sans rappeler le langage musical de Wagner et de ses successeurs. Cependant, il sait s’émanciper de cette musique germanique alors dominante à l’époque. Tandis que, dans toute l’Europe, des mouvements nationaux en quête de reconnaissance émergent rapidement, il conjugue merveilleusement la veine romantique avec l’éveil d’une musique à l’identité nationale. Le folklore occupe une place importante dans son œuvre, dans l’ensemble fortement imprégnée d’éléments populaires issus de la musique norvégienne.\u000aDans Peer Gynt, cet esprit populaire se traduit par une structure formelle et tonale relativement simple des pièces : le plus souvent répétition d’un unique thème (voire alternance de deux thèmes), et des modulations proches de la tonalité principale. Alors que la Chanson de Solveig est clairement revendiquée d’origine populaireSur une centaine de lieder que j’ai écrits, un seul, la Chanson de Solveig emprunte son thème au folklore., certaines pièces sont désignées par des termes que l’on retrouve fréquemment dans la musique scandinave (par exemple, le terme « mazurka » pour la Danse d’Anitra). Dans le premier acte, Grieg destine les danses du mariage à un violon du HardangerLe violon du Hardanger (hardingfele en norvégien) est un instrument privilégié du folklore, caractéristique des régions de l’ouest et du sud de la Norvège. À propos de la manière d’interpréter ces danses, Grieg écrit dans ses recommandations au chef d’orchestre Hennum : les deux danses doivent être jouées en accord parfait avec les traditions populaires, avec des accents rudes et des coups puissants, afin de rendre le tableau audible et authentique., à jouer dans le plus pur esprit des danses populaires norvégiennes., ","Focus sur <cite>Dans l’antre du roi de la montagne<\/cite> Située au milieu de l’Acte 2 (n° 4 de la Suite n° 1), cette pièce correspond au moment où Peer Gynt a rejoint le monde des trolls et est conduit devant le roi de la montagne. Les trolls s’agitent autour du héros au rythme d’une danse indiquée « alla marcia », évoquant le hallingLe halling est une danse folklorique de Norvège, réalisée par les jeunes hommes lors de mariages ou autres fêtes. C’est une danse rapide, exécutée en solo, et qui comprend des figures acrobatiques. norvégien.\u000aLa pièce est construite sur un thème unique, découpé selon une forme en trois parties : une première partie (A), une réponse (B), et une reprise de la première (A’). D’abord énoncé aux violoncelles, contrebasses et bassons, le thème est ensuite repris une première fois par les violons, hautbois et clarinettes, puis une seconde fois par tout l’orchestre. Toute la pièce évolue selon le principe de l’accumulation orchestrale : chaque nouvelle occurrence du thème est prétexte à l’entrée d’instruments supplémentaires. À cela s’ajoute un crescendo progressif (la pièce commence pianissimo et se termine fortissimo), ainsi qu’une accélération du tempo à partir du tutti. Des broderies en doubles croches aux cordes puis aux bois évoquent les trolls déchaînés virevoltant autour de Peer Gynt. Le morceau se finit en apothéose sur un rythme endiablé, ponctué de vigoureux coups de percussions, tandis que le chœur de trolls crie « Tuez-le, ce fils de chrétien ! ».\u000aCe principe d’accumulation inspirera plusieurs compositeurs par la suite, notamment Maurice Ravel qui reprendra l’idée dans son fameux Bolero., "," Auteure : Floriane Goubault, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîte à outils "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"any_suggest":["Peer Gynt de Edvard Grieg","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Peer Gynt, musique de scène op. 23, suite pour orchestre n° 1 op. 46, 0762949, suite pour orchestre n° 2 op. 55, 0763413, Edvard Grieg, canonical-pad"],"Title_idx":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"spellingShingle":["Peer Gynt de Edvard Grieg","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Peer Gynt, musique de scène op. 23, suite pour orchestre n° 1 op. 46, 0762949, suite pour orchestre n° 2 op. 55, 0763413, Edvard Grieg, canonical-pad"],"textSpelling":["Peer Gynt de Edvard Grieg","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Peer Gynt, musique de scène op. 23, suite pour orchestre n° 1 op. 46, 0762949, suite pour orchestre n° 2 op. 55, 0763413, Edvard Grieg, canonical-pad"],"of_title":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"Title_sort":["Peer Gynt de Edvard Grieg"],"ContentDescription":["Peer Gynt de Grieg est une musique de scène pour le drame poétique de Henrik Ibsen. 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","fr","français","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 3 « Rhénane », Robert Schumann, canonical-pad"," Page découverte\u000a\/\/ , ","<cite>Symphonie n° 3 « Rhénane »<\/cite> <span class=\"sousTitre\">Robert Schumann<\/span> "," Cologne, the Arrival of a Packet-Boat : Evening, peinture de Joseph Mallord William Turner, 1826. The Frick Collection, New York, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique symphonique\u000a\u000a\u000aComposition\u000aentre novembre et décembre 1850, à Düsseldorf\u000a\u000a\u000aCréation\u000ale 6 février 1851 à Düsseldorf, sous la direction du compositeur\u000a\u000a\u000aForme\u000asymphonie en cinq mouvements :I. LebhaftII. Scherzo - Sehr mässigIII. Nicht schnellIV. FeierlichV. Lebhaft\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassonscuivres : 4 cors, 2 trompettes, 3 trombonespercussions : timbalescordes : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition et de création À l’automne 1850, Schumann quitte enfin Dresde qu’il n’appréciait guèreNous ne resterons à Dresde pour rien au monde, nous nous ennuyons horriblement… pas un seul musicien à voir, écrit Clara dans le journal conjugal. et s’installe à Düsseldorf. Là, il succède à son ami Ferdinand Hiller à la direction de l’orchestre de la ville. C'est un vrai plaisir pour le compositeur d’aborder les rives du Rhin, ce fleuve pour lequel il ressent une profonde attirance depuis l’enfance. Et Düsseldorf le lui rend bien : fière de recevoir le célèbre couple SchumannClara, la femme de Schumann, est également une pianiste virtuose renommée., la ville lui réserve un accueil chaleureux. Schumann, assailli depuis plusieurs années par des troubles nerveux, retrouve un peu de sérénité dans l'environnement amical et bienveillant de la Basse-Rhénanie, et se met à composer rapidement. Sa Symphonie n° 3En réalité, la Symphonie n° 4 est composée avant la Symphonie n° 3. Mais la numérotation suit la chronologie de l'édition et non celle de la composition. voit le jour en quelques semaines, entre novembre et décembre 1850. Elle est créée le 6 février 1851 à Düsseldorf, sous la direction du compositeur. C’est un tel succès qu’elle y sera redonnée le 13 mars, après une représentation à Cologne le 25 février.\u000aLe surnom « rhénane » n’est pas explicitement de Schumann. L’œuvre doit cette appellation au sous-titre initialement prévu : « Épisode d’une vie sur les bords du Rhin ». Mais par la suite, le compositeur préfère supprimer toute référence extra-musicale, étant d’avis qu’il vaut mieux que l’impression générale se dégage d’elle-même. Les mouvements n’ont donc pas d’autre titre que leur indication de tempo ou de caractère, en allemand (Schumann abandonnant la terminologie italienne utilisée habituellement). Néanmoins, on peut malgré tout voir dans la Symphonie n° 3 une évocation de la vie au bord du fleuve. Touché par l’accueil de la ville de Düsseldorf, enthousiasmé par son tout nouveau rôle de chef d’orchestre, Schumann exprime à travers cette œuvre toute sa reconnaissance et sa joie, tandis qu’il envisage alors l’avenir avec confiance., ","Déroulé de l'œuvre En cinq mouvements, la Symphonie n° 3 de Schumann s’inscrit dans la lignée de la Symphonie n° 6 « Pastorale » (1808) de Beethoven et de la Symphonie fantastique (1830) de Berlioz.\u000aLe premier mouvement, de forme sonateLa forme sonate est une forme en trois parties : une exposition énonçant (en général) deux thèmes contrastés, un développement construit autour de ces thèmes, et enfin une réexposition., est énergique et brillant. Il plonge immédiatement l’auditeur dans l’atmosphère chaleureuse de la Basse-Rhénanie. Le premier thème, joué tuttipar tout l’orchestre, est rythmé par les syncopesUne syncope est une note attaquée sur un temps faible (ou la partie faible d'un temps) et qui se prolonge sur le temps suivant. Brahms réutilisera cette rythmique au début de sa propre Symphonie n° 3. qui lui donnent de l’élan. Il contraste avec le deuxième thème plus lyrique, d’abord énoncé par les bois.\u000aLe deuxième mouvement, à l'origine intitulé « Matinée sur le Rhin », est noté « scherzo » mais n’en pas la forme habituellescherzo-trio-reprise du scherzo. Il se rapproche plutôt d’une suite de variations autour d’un thème populaire, dans le caractère d’un ländlerdanse traditionnelle à trois temps, originaire de Haute-Autriche et populaire en Allemagne., énoncé au début par les cordes basses (altos et violoncelles) et les bassons. Au centre du mouvement, un passage plus plaintif (en mineur) peut s’apparenter à l’habituel trio : il contraste par son orchestration réduite dominée par les bois et les cors.\u000aLe troisième mouvement, très court (56 mesures), joue le rôle de transition entre les deuxième et quatrième mouvements. Il fait entendre deux idées thématiques différentes qui alternent : une première idée douce (indiquée dolce) mais légère, avec ses notes courtes et détachées (notes piquées), et une deuxième idée plus liée.\u000aLe quatrième mouvement est un majestueux choralÀ l’origine vocal, le choral est un genre polyphonique en général à 4 voix, écrit dans un style homorythmique (toutes les voix suivent le même rythme)., énoncé au début par les cuivres. Il est ensuite travaillé en contrepointLe contrepoint est l'art d'agencer entre elles des lignes mélodiques autonomes, de manière harmonieuse. dans un style qui rappelle certaines œuvres de Johann Sebastian Bach.\u000aLe dernier mouvement clôt joyeusement la symphonie. De forme sonate comme le premier mouvement, ses thèmes sont très dansants, marqués par des accents et rythmés de syncopes. On y entend à nouveau le choral du mouvement précédent., "," Focus sur le mouvement IV. Feierlich\u000aLa cathédrale de Cologne, par Carl Hasenpflug, 1834-1836. Musée de la ville de Cologne\u000aÀ l’origine, Schumann avait sous-titré ce mouvement dans le caractère de l’accompagnement d’une cérémonie solennelle. Le compositeur aurait été inspiré par la cérémonie d’élévation au rang de cardinal de l’archevêque de Cologne, le 12 novembre 1850. Cependant, d’après son journal, il n’était pas présent ce jour-là. En revanche, le 29 septembre précédent, les Schumann ont bel et bien effectué un séjour dans la ville, où ils ont été fortement impressionnés par la cathédrale. Sans doute Schumann a-t-il toujours en mémoire ce monument grandiose lorsqu’il compose le quatrième mouvement de sa symphonie.\u000aLe mouvement débute avec un majestueux choral de cuivres aux trombones (qui interviennent pour la première fois depuis le début de l’œuvre) et aux cors. Sobrement accompagné par les cordes en pizzicatoen pinçant les cordes et dans une tonalité mineure, il amène d’emblée la gravité et la solennité requise dans le titre« Feierlich » signifie « solennellement ».. Tout le mouvement est construit autour de ce choral. Il est repris de manière fuguée par tout l'orchestre, d'abord de façon très dense avec des entrées très rapprochée. Puis, il est développé plus lentement tandis que la tête du thème seule (les sept premières notes), jouée en diminutionLe thème est joué selon des valeurs rythmiques plus courtes, tout en croches., passe rapidement d’une voix à l’autre. La codapartie conclusive fait entendre des accords majestueux et fortissimo des cuivres et bois, plus joyeux et lumineux (en majeur cette fois), suivis d’une réminiscence du choral dans la nuance pianissimo., "," Auteur : Floriane Goubault, "," Imprimer, ","À voir aussi "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann"],"any_suggest":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 3 « Rhénane », Robert Schumann, canonical-pad"],"Title_idx":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann"],"spellingShingle":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 3 « Rhénane », Robert Schumann, canonical-pad"],"textSpelling":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 3 « Rhénane », Robert Schumann, canonical-pad"],"of_title":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann"],"Title_sort":["Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann"],"ContentDescription":["Composée en 1850, à l'origine sous-titrée « Épisode d’une vie sur les bords du Rhin », la Symphonie n° 3 « Rhénane » de Robert Schumann est une évocation de la vie au bord du fleuve. 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","fr","français","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"," Page découverte\u000a\/\/ , "," Symphonie n° 40 Wolfgang Amadeus Mozart, "," Le château de Schönbrunn à Vienne (détail), par Bernardo Bellotto, 1758-1761. Kunsthistorisches Museum, Vienne, "," \u000a\u000a\u000aCarte d’identité de l’œuvre :Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart\u000a\u000a\u000aGenre\u000amusique symphonique\u000a\u000a\u000aComposition\u000aen 1788 à Vienne\u000a\u000a\u000aForme\u000asymphonie en quatre mouvements :I. Molto allegroII. AndanteIII. MenuetIV. Allegro assai\u000a\u000a\u000aInstrumentation\u000abois : 1 flûte, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassonscuivres : 2 corscordes : violons 1 et 2, altos, violoncelles, contrebasses\u000a\u000a\u000a, ","Contexte de composition Depuis son installation à Vienne en 1781, Mozart n’a composé que trois symphoniesLa Symphonie n° 35 « Haffner » pour le maire de Salzbourg, la Symphonie n° 36 pour Linz, la Symphonie n° 38 pour Prague. La Symphonie n° 37 est une introduction à la Symphonie n° 25 en sol majeur de Michael Haydn. dont aucune n’est destinée au public viennois. Entre juin et août 1788, il compose d’un coup trois nouvelles symphonies qui vont marquer l’histoire de la musique par leurs idées novatrices. Les raisons pour lesquelles elles furent composées restent inconnues. Elles ne semblent pas être le fruit d’une commande particulière et on suppose que Mozart les a écrites pour un concert qu’il prévoyait de donner à Vienne. Cependant, ces trois symphonies n’ont probablement jamais été données de son vivant.\u000aLa lecture du manuscrit de la Symphonie n° 40 en sol mineur nous apprend que l’auteur a ajouté des clarinettes non prévues au départ : peut-être y a-t-il eu répétition de l’œuvre dès 1788, suivie de modifications. Il paraît probable par ailleurs que Mozart ait emporté ces toutes nouvelles symphonies avec lui, lors de ses voyages de 1789 et 1790 : la Symphonie n° 40 aurait pu être exécutée lors d’un concert à Leipzig, le 12 mai 1789. Elle a sans doute été aussi donnée sous la direction de SalieriCompositeur officiel de la cour de Vienne, maître de chapelle de l’empereur et directeur de l’opéra italien, Antonio Salieri (1750-1825) est une personnalité essentielle de la vie musicale viennoise. Auteur de nombreux opéras, il se consacre également à l’enseignement et compte parmi ses élèves plusieurs futurs compositeurs talentueux tels que Beethoven et Schubert. les 16 et 17 avril à Vienne. Publiée en 1794, cette œuvre est aujourd’hui l’une des plus célèbres de Mozart, admirée des compositeurs tels que Robert Schumann (1810-1856), Johannes Brahms (1833-1897), ou encore Arnold Schönberg (1874-1951)., ","Déroulé de l’œuvre I. Allegro molto\u000aParmi ses 41 symphonies, la tonalité de sol mineur n’a été utilisée par Mozart que deux fois, par ailleurs pour les deux seules symphonies écrites dans un ton mineur. C’est pour lui la couleur du drame et de l’inquiétude.\u000aLe mouvement débute sur des batteries de croches jouées aux altos, puis le thème principal fait son entrée aux violons, ponctué d’harmonies dissonantes. Apparaît ensuite un second thème, qui contraste avec le premier : plus optimiste, il est en mode majeur. Le développement s’organise autour de tonalités tourmentées : c’est un voyage mouvementé où l’on retrouve principalement des bribes du premier thème, dont les premières notes répétées sont jouées avec insistance. Après ce trajet presque romantique, les deux thèmes du début sont énoncés à nouveauC’est ce qu’on appelle la réexposition., mais le deuxième cette fois en mineur.\u000aII. Andante\u000aAprès la frénésie dramatique de l’Allegro, le deuxième mouvement, andante, est un moment de repos, calme et gracieux. Le thème principal, constitué d’un saut suivi de notes répétées, est amorcé par les entrées successives des cordes en imitation : altos, violons 2 puis violons 1.\u000a\u000aAu cours de sa mélodie, il fait entendre un court motif rythmique de deux notes rapides (triples croches), motif qui sera ensuite le prétexte à un jeu d’échange entre les différents instruments de l’orchestre. C’est ce même motif qui, par la suite, sert de base au développement : partie centrale du mouvement, celui-ci est d’un caractère plus dramatique, avec plusieurs incursions dans le mode mineur. Enfin, la réexposition fait entendre à nouveau le thème principal.\u000aIII. Menuetto\u000aLe menuet de ce troisième mouvement est vif et très rythmique. Il contraste fortement avec le trio central, en sol majeur, plus léger et détendu, et qui accorde une place importance aux vents.\u000aIV. Allegro assai\u000aLe premier thème de ce mouvement joue sur les contrastes sur tous les plans : contraste de nuances avec alternances de piano et de forte subito, et contraste dans l’effectif instrumental avec un dialogue entre les cordes et tout l’orchestre (tutti). Tout comme dans le premier mouvement, ce thème est porté par un rythme perpétuel de croches, qui passe d’instrument en instrument, et amène une certaine frénésie à l’ensemble. Apparaît le second thème, plus calme, plus chantant. Le développement qui suit tourne autour de la tête (les premières notes) du premier thème, et fait entendre un rapide fugatoMoins rigoureux que la fugue dans son écriture, le fugato est un court passage traité en imitation.. Après un silence soudain et surprenant, on retrouve les deux thèmes au cours de la réexposition., "," Auteur : Bruno Guilois, "," Imprimer, ","À voir aussi ","Boîtes à outils {\"SearchContext\":11,\"Grid\":null,\"QueryString\":\"Identifier_idx:(4257 OR 1768 OR 4553)\",\"SelectionUid\":0,\"OriginalQueryString\":null,\"CloudTerms\":[],\"ScenarioCode\":\"EDUTHEQUE\",\"FacetFilter\":null,\"SortOrder\":0,\"SortField\":\"DateOfInsertion_sort\",\"SortFieldRandomSeed\":null,\"Page\":0,\"ResultSize\":3,\"SessionGuid\":null,\"ForceSearch\":false,\"TemplateValue\":null,\"TemplateParams\":{\"ScenarioCode\":\"\",\"SourceCode\":\"\",\"Support\":\"\",\"Size\":null,\"Scope\":\"\"},\"InjectFields\":true,\"XslPath\":\"Recherche\/encart_search.xslt\",\"UseCanvas\":false,\"AsyncOFInsertion\":null,\"InjectOpenFind\":false,\"ForceOpenFindUpdate\":false,\"SearchLabel\":null,\"InjectFacets\":null,\"Block\":null,\"GroupField\":null,\"GroupSize\":0,\"UseGrouping\":null,\"UseCache\":true,\"SiteCodeRestriction\":null,\"RawQueryParameters\":null,\"PageRange\":3,\"StartDateFilter\":null,\"EndDateFilter\":null,\"ListSelectionPage\":null,\"SearchTerms\":\"Identifier_idx 4257 OR 1768 4553\",\"ScenarioDisplayMode\":\"display-standard\",\"DecodedFacets\":[]}, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : 100% Mozart\u000a\u000a Une sélection de ressources (fiches œuvres, portrait de compositeurs, guides d'écoute...) pour se préparer au concert éducatif « 100% Mozart » du 11 avril 2019 à la Philharmonie de Paris.\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîtes à outils : Mozart 40\u000a\u000a Un ensemble de ressources (fiche œuvre, portrait de compositeur, guide d’écoute) pour préparer le concert « Mozart 40 » donné le 30 avril 2020 à la Cité de la musique - Philharmonie de Paris.\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, ©Amazon, \u000a\u000a\u000a Boîte à outil\u000a\u000aLa boîte à outils : Mozart\u000a\u000a Dans le cadre des outils éducatifs, la boîte à outils Mozart de la Philharmonie de Paris permet aux enseignants de préparer leurs élèves au concert éducatif du 24 janvier 2009\u000a\u000a\u000a Consulter\u000a\u000a\u000a\u000a.uniCMS-short .typeDeDoc{\u000a display:none;\u000a}\u000a\u000a\u000a, "," \u000aEnseignants de l'Éducation Nationale, découvrez plus de ressources sur\u000a , "],"Title":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"any_suggest":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"Title_idx":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"spellingShingle":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"textSpelling":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart","outils éducatifs, boîte à outils, cité de la musique, Philharmonie de Paris, oeuvre, Symphonie n° 40, Wolfgang Amadeus Mozart, canonical-pad"],"of_title":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"Title_sort":["Symphonie n° 40 de Wolfgang Amadeus Mozart"],"ContentDescription":["Composée en 1788, en même temps que les Symphonies n° 39 et 41, la Symphonie n° 40 de Mozart est aujourd’hui l'une de ses plus célèbres œuvres, admirée des compositeurs tels que Schumann ou Brahms. 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