Le plafond de l'opéra Garnier

Le décor monumental du plafond de l’Opéra de Paris, peint sur une surface de 220 m², est commandé à Marc Chagall en 1962 par André Malraux, alors ministre des Affaires culturelles. Malraux, ami de l’artiste, qui a assisté à la première du ballet Daphnis et Chloé, lui confie cette réalisation : «  Quel autre artiste vivant aurait pu peindre le plafond de l’Opéra de Paris comme Chagall ? C’est l’un des plus grands coloristes de notre temps […]  ».

Cette création est destinée à remplacer le décor original réalisé par Jules Eugène Lenepveu entre 1869 et 1871, en instaurant un nouveau programme décoratif universel sur le thème de la musique et des arts. Malgré de vives critiques à l’encontre du peintre, accusé de rompre l’unité d’un bâtiment du Second Empire et d’occulter son œuvre originelle, Chagall, alors âgé de 75 ans, relève le défi et y travaille pendant près d’un an. Telle une palette de couleurs monumentale, le décor rend hommage à quatorze compositeurs et à leurs œuvres. Le portrait d’André Malraux apparaît dans le panneau dédié à Pelléas et Mélisande, s’inscrivant dans la tradition du portrait de mécène et affirmant l’amitié entre les deux hommes.

Les projets monumentaux des années 1960

Dans les années 1960, Marc Chagall se consacre à la réalisation de grands projets décoratifs et architecturaux. « Je cherche un grand mur » ; plusieurs commandes publiques lui permettent d’explorer une monumentalité nouvelle et de développer sa peinture sur de larges espaces.

Théâtres, salles de concert ou d’opéra ainsi qu’édifices religieux bénéficient de son talent dans la conception de leur programme décoratif. Fort de sa connaissance intime des arts du spectacle, Chagall consacre au cirque et à la musique deux de ses projets monumentaux : Commedia dell’arte, réalisé en 1958 pour le foyer du théâtre de Francfort ainsi que les deux panneaux commandés par le Metropolitan Opera de New York pour le Lincoln Center en 1966 : Les Sources et Le Triomphe de la musique.

La Flûte enchantée

En 1964, la rencontre entre Rudolph Bing, directeur du Metropolitan Opera, Günther Rennert, metteur en scène, et Marc Chagall, est à l’origine du projet d’une nouvelle adaptation de La Flûte enchantée, opéra en deux actes de Wolfgang Amadeus Mozart, à New York. Marc Chagall se voit confier la réalisation des décors et costumes. Sensible à la beauté de la musique et au récit initiatique de l’œuvre qu’il considère comme une somme philosophique, il travaille pendant trois ans à cette création, composant un univers féérique mais ténébreux, dans lequel le soleil et la lune sont en opposition. Dépeignant une nature aussi luxuriante que menaçante, peuplée d’êtres hybrides et d’animaux fantastiques, Chagall conçoit treize toiles de fond d’une hauteur de vingt mètres, vingt-six éléments de décor et plus de cent vingt costumes. Pour sa première réalisation pour un opéra, il joue sur les contrastes de couleur et le volume des costumes (recourant à la technique du collage de tissus) pour occuper l’espace scénique tout entier. La première représentation de La Flûte enchantée eut lieu le 19 février 1967.

Les résonances de la matière

À partir des années 1950, Marc Chagall donne une orientation nouvelle à son art par une exploration aussi vitale que jubilatoire de toutes les techniques et matières. À la recherche de nouveaux moyens d’expression, répondant au besoin de dialogue avec les matériaux à travers lesquels son attachement à la terre accueillante de Provence s’illustre, il se consacre à la sculpture et à la céramique. Dans son travail de sculpteur, l’artiste cherche à faire « parler » la matière, à lui faire émettre des sons, à la faire résonner en la taillant, en la façonnant, en la touchant. Pénétrant, prélevant, intervenant directement dans la terre ou la pierre, il devient lui-même producteur de sons, donnant naissance à des objets pleins ou creux, dont les formes résonnent d’éclats, d’échos ou de silence. Ce dialogue polyphonique se poursuit dans les collages de papiers ou de tissus, ainsi que dans les huiles sur toile contemporaines pour lesquelles l’artiste mélange du sable à sa préparation afin d’obtenir une texture granuleuse, crissante et rugueuse.

Daphnis et Chloé

En 1909, l’impresario russe Serge de Diaghilev commande au compositeur Maurice Ravel et au chorégraphe Michel Fokine le ballet Daphnis et Chloé. Inspiré du roman antique de Longus, celui-ci décrit les multiples rebondissements qui empêchent Daphnis, jeune chevrier, et Chloé, bergère, de vivre leur amour. Marc Chagall se voit confier par l’Opéra de Paris la création des décors et des costumes d’une nouvelle version, dont la première a lieu au théâtre de la Monnaie à Bruxelles en 1958, chorégraphiée par Serge Lifar, avant la reprise par Georges Skibine à Paris l’année suivante. Travaillant parallèlement aux gouaches préparatoires destinées à la série lithographique commandée par Tériade sur le même thème, l’artiste nourrit ses maquettes de décors et de costumes de la luminosité éclatante et du bleu profond de la mer qu’il a éprouvés en Grèce. Son travail sur le volume (céramique) et l’utilisation de motifs méditerranéens (Le Poisson ou Le Songe) se retrouvent également dans les toiles de fond et costumes. Ainsi, Chagall propose une vision plus proche de l’esprit lumineux et rayonnant de la musique de Ravel que de l’interprétation archaïsante des décors russes créés par le peintre Léon Bakst en 1912.

L’Oiseau de feu

L’Oiseau de feu, ballet en quatre tableaux sur un argument de Michel Fokine et une musique d’Igor Stravinsky, est présenté pour la première fois par les Ballets russes en 1910. Une nouvelle version est commandée par le Metropolitan Opera de New York en 1945. Les premiers décors et costumes créés par Léon Bakst en 1910 relèvent d’une féérie slave et romantique, en accord avec l’origine russe du conte qui a inspiré le ballet. Celui-ci relate l’histoire d’une princesse captive, libérée par un prince aidé par un oiseau de feu enchanté. Bien que s’inspirant du souffle romantique russe, Chagall propose une interprétation plus libre du thème slave : il développe un répertoire poétique ardent et sauvage inspiré par l’art populaire du Nouveau Mexique (les kachinas). Quatre rideaux de fond de scène sont créés, dont celui du premier acte, La Forêt enchantée, révélant une nature cosmogonique et magique. La lutte éternelle des forces du Bien et du Mal nourrit l’imaginaire de l’artiste, qui crée des figures chimériques et des monstres d’une inventivité formelle inégalée. Pour Chagall, le spectacle tout entier doit devenir tableau. Avant la première, il ajoute des taches de couleur et intervient directement sur les costumes des danseurs avant le lever de rideau. Il se rapproche ainsi du rythme pulsé et des timbres chatoyants de la musique de Stravinsky. Les deux artistes ne se rencontreront que lors de cette création à New York en 1945, mais Chagall connaissait la musique de Stravinsky depuis longtemps, ayant assisté à la première du Sacre du printemps à Paris en 1913.

Aleko

Ballet en quatre tableaux créé par Léonide Massine et Marc Chagall, Aleko est inspiré d’un poème de Pouchkine, Les Tsiganes, et prend pour musique une version orchestrée du Trio op. 50 «  À la mémoire d’un grand artiste » de Tchaïkovski. Sur une commande du Metropolitan Opera de New York, Marc Chagall en réalise les costumes et les décors à Mexico en 1942, où a lieu la première représentation. Vision romanesque de la vie bohémienne, l’œuvre prend pour thème l’amour malheureux de l’aristocrate Aleko et de la gitane Zemphira, nourri par leur exil et leur errance. L’intensité dramatique du récit est magnifiée par les toiles de fond et les costumes réalisés par l’artiste, lui-même en exil aux États-Unis. Loin de refléter une inspiration isolée, ceux-ci témoignent d’une force vitale de création, aux thèmes et au vocabulaire artistique renouvelés, en intégrant à la trame russe des inspirations mexicaines. Bella Chagall, qui réalise les costumes avec son mari, souligne l’influence des lumières éclatantes du Mexique : «  Les décors de Chagall brûlent comme le soleil au firmament. » Inspiré par l’espace monumental américain, l’artiste compose une œuvre scénique puissante, où les costumes dialoguent avec les toiles, où le public est immergé dans la déferlante des couleurs et des mouvements des danseurs.

Le Théâtre d'art juif

Le Théâtre juif d’Etat (GOSET) voit le jour en 1919 dans le cadre d’une politique d’ouverture en faveur des minorités ethniques et religieuses, reconnaissant notamment le droit de libre circulation des juifs dans l’ensemble du territoire soviétique. Situé d’abord à Petrograd, puis à Moscou, il participe à la revendication et à l’affirmation d’une culture yiddish d’avant-garde en Russie. Alexandre Granovski, fondateur et directeur du Théâtre, demande à Marc Chagall d’en concevoir le décor. Véritable reflet de la culture et de la langue yiddish, cet ensemble réunit le monde du théâtre populaire, celui de la musique, du rythme et de la couleur. Le rideau de scène et la peinture du plafond ayant disparu, seuls sept panneaux ont été conservés, composant la «  Boîte à Chagall » : une Introduction monumentale, synthèse dynamique des activités du théâtre et de son combat politique ; quatre allégories (La Musique, La Danse, Le Théâtre et La Littérature) affirmant la réunion des arts dans une conception d’art total ; Le Repas de noce, composition horizontale présentant les mets d’un banquet sous différents angles et, enfin, L’Amour sur scène, représentant un couple dansant, aux formes géométriques tridimensionnelles empruntant au cubisme et au constructivisme.